MONDO BIZARR

KILL LIST, GB 2011, Regie: Ben Wheatley

2012-01-17T20:51:00.000+01:00

Das Trauma. Der letzte Job. Kiew. Rückkehr ins normale Leben. Die Familie. Der kleine Sohn. Die hübsche schwedische Ehefrau. Ein Häuschen im Grünen. Der Whirlpool. Welcher nicht funktioniert. Die Depression. Medikamente. Seit Monaten nur zuhause. Die hübsche Ehefrau ist genervt. Streit. Das Dinner mit einem alten Freund und dessen neuer Brosche. Nerven liegen blank. Eklat. Der Freund bietet an, wieder einzusteigen. Leute zu ermorden. Für Geld. Warum eigentlich nicht?

Die erste Hälfte von KILL LIST ist ein gut beobachtetes Beziehungsdrama mit Thriller Touch, fast schon in der großen Tradition des britischen Sozialdramas à la Ken Loach, mit exzellenten Leistungen der Darsteller, besonders dem mitunter wirklich intensiven Neil Maskell (ABBITTE, FOOTSOLDIER) und MyAnna Buring (THE DESCENT), und einigen unangenehmen, realen Momenten, die man so mitunter schon selbst erfahren hat und garantiert nicht wieder erleben möchte!

Mit dem Einsetzen der "Killer"- Handlung geht es dann allerdings rapide bergab. Vom Blutgehalt her bergauf, aber die Story löst sich nach und nach in Wohlgefallen auf. Wähnt man sich zunächst in einem harten Thriller, so kippt die Story in der zweiten Hälfte (nicht gerade völlig unerwartet) in einen Horrorschocker um, nicht ganz so platt wie damals bei FROM DUSK TILL DAWN, aber dennoch in der Einfallslosigkeit doch ziemlich erschütternd. Es gibt viel Herumgerenne in Fabrik- und Waldambiente und, ja, die letzten zwanzig Minuten haben ihre unheimlichen WICKER MAN Momente, aber dennoch wird man das Gefühl nicht los, daß den Machern am Ende die Ideen ausgegangen sind, und sie für den Schluß-Gag einfach einen drauf setzen wollten.

KILL LIST ist durchweg unterhaltsam, gut gespielt, gefilmt und langt ordentlich zu, scheitert am Ende aber an einem unausgegorenen Ganzen. Da wäre so viel mehr drin gewesen.

ANKÜNDIGUNG!

2012-01-12T12:52:00.000+01:00

ADAM CHAPLIN, Italien 2011, Regie: Emanuele de Santi

2012-01-11T10:28:00.005+01:00

Ende der achtziger, Anfang der neunziger Jahre des letzten Jahrhunderts, einhergehend mit dem großen Erfolg der Verfilmung eines unbedeutenden japanischen Comics namens AKIRA (1987), schwappte eine gigantische Welle von Mangaverfilmungen über Europa herein. Ich war begeistert. Der exotische Mix aus sehr filmischen Perspektiven, zügellosem Sex und spektakulären Gewaltexzessen waren genau das Richtige für das Testosteron-getränkte Hirn eines Jungmannes! Pionier-Magazine wie Splatting Image betrieben Aufklärungsarbeit, Videoabende mit der Gang wurden zur Regelmäßigkeit, Bier floss in Strömen und Käsecräcker erweiterten das Bewusstsein...man befand sich gerade in der großen spätpubertären Splatterphase und hatte nach dem Abarbeiten von diversen Italoklassikern diesen unglaublichen Partyknaller von einem jungen Neuseeländer namens Peter Jackson, BAD TASTE (1987), entdeckt und ungefähr 500mal durch den ollen VHS Rekorder gejagt (heutzutage kann man sich gar nicht mehr vorstellen, wie DER damals eingeschlagen ist!). Splatter war einfach En Vogue. Leider auch unter deutschen Freizeitfilmern wie Andreas Schnaas (VIOLENT SHIT, 1989, der Titel sagt alles) und Olaf Ittenbach (BLACK PAST, 1989), welche plötzlich daher kamen und durchaus erfolgreich einen billigen Matschklumpen nach dem anderen herauswürgten, und das ohne Internet Vermarktung- kurzum: Es herrschte Goldschürferstimmung im Tal des Blutes! Da kamen die meterhohen Blutfontänen von Animes wie UROTSUKIDOJI, WICKED CITY und vor allem FIST OF THE NORTH STAR genau richtig!

Der Regisseur von ADAM CHAPLIN ist wohl auch so jemand. Ein Fanboy in Reinkultur, welcher den ehrgeizigen Plan entwickelte, mit einem Winzigstbudget den Anime Look in real nachzubilden. Zum Glück vereint er das mit einem durchaus vorhandenen Quentchen Talent! Herausgekommen ist dabei ein semi-professionelles Blutbad, eine Art BAD TASTE des Jahres 2012: ADAM CHAPLIN. Die Story ist sowas von sekundär, daß ich gerade mal einen Satz an sie verschwende: Ja, es geht um Rache. Ruckzuck ist die Fresse dick. Matschbirne, Alda.

Diese gewisse Einfallslosigkeit könnte man dem Regisseur dann auch am ehesten vorwerfen, im Vergleich dazu war Peter Jacksons Erstling eine fein gesponnene Satire meisterhaften Zuschnitts, und das will wirklich was heissen!
Aber das war auch gar nicht das Ziel des Herrn de Santi- er wollte einfach nur mal ordentlich die Sau rauslassen, Masken- und Digitaleffekte ausprobieren und seine Favoriten, augenscheinlich FIST OF THE NORTH STAR (1986) und STORY OF RICKI (1991) ausgiebig zitieren...und was er uns hier serviert, kann man zumindest im semi-professionellen Bereich als innovativ bezeichnen! Während deutsche Amateurfilmer seit Jahrzehnten in denselben Zombie-/Folter-/Matschniederungen auf irgendwelchen Äckern herumdümpeln, überzeugt dieser italienische Beitrag durch den unbändigen Willen, zumindest visuell, neue Wege zu gehen. Auf preisgünstigem Digitalequipment gedreht, kommt mitunter fast eine VHS Stimmung auf, welche die Huldigung an das in den Achtzigern so populäre Endzeitgenre noch zusätzlich unterstreicht. Und dann die Effekte! Wie im bereits erwähnten FIST schlägt der (leider unglaublich behämmert aussehende) Held mit übermenschlichen Kräften auf seine Gegner ein und so einiges ab, Gliedmaßen fliegen im Sekundentakt, die Masken überzeugen durch gekonntes Handwerk. Selbst die Einstellungen der Anime Vorlagen werden gekonnt getroffen und auf einfachem Wege nachkreiert, hier ist eine geballte Kreativität hinter dem Blutvorhang zugange, welche ADAM einen gewissen Reiz verleiht und ihn über den Videodurchschnitt hebt.

Ja, ich bin angenehm überrascht.

Dieser unbändige Wille zur Übertreibung, der Hang zum Exzess, das übersteigert Comic-hafte Monty Pythonschen Ausmasses macht einfach Spaß. Ein Jungens Film für die alte Gang. Und endlich mal nicht wieder dieser ewige Folterdreck.

Momentan ist ADAM CHAPLIN leider nur auf der Webseite des Regisseurs erhältlich, aber eine Veröffentlichung in England wurde bereits angekündigt.

JOHNNY MAD DOG, Frankreich/Belgien/Liberia 2008, Regie: Jean-Stéphane Sauvaire

2012-01-09T21:28:00.004+01:00

Blutiges Liberia. Erst seit kurzem ist der Krieg dort beendet, das Land erholt sich nur langsam von den jahrelangen Gräueln. Kriegsversehrte säumen die Strassen und fast jede Familie kann von mindestens einem Opfer des sinnlosen Schlachtens berichten. Die mörderischen Kindersoldaten von einst werden aus Angst geächtet, dabei waren es Erwachsene, welche sie den Eltern entrissen, unter Drogen setzten und zu willenlosen Mordmaschinen manipulierten.
Die Hauptdarsteller von JOHNNY MAD DOG sind ehemalige Kindersoldaten. In einem einjährigen Prozess wurden sie für den Film "trainiert", konnten ihre eigenen Charaktere erschaffen, Erfahrungen einbringen und ausleben. Dies wird alles auf anrührende Weise in der fast einstündigen Dokumentation, welche den Film auf DVD begleitet, erzählt. Das war mir beim Ansehen des Filmes noch nicht bewusst, denn aus diesen rohen Diamanten wurden echte Schauspieler. Und was für welche!

JOHNNY MAD DOG ist einer der besten Antikriegsfilme der letzten Zeit. Punkt.

Bereits der Anfang ist ein Schlag ins Gesicht. Söldner tauchen auf und rekrutieren ahnungslose Jungen. Zehnjährige. Einer wird gezwungen, seinen Vater zu erschiessen. Das Initiationsritual. Wie in allen Kriegen sind Drogen die ständigen Begleiter, sie besorgen die Gleichgültigkeit. Johnny Mad Dog, 15, ist der Anführer einer kleinen Truppe von gefährlichen Jungs, welche auf bunte Namen wie No Good Advice, Butterfly (hat tatsächlich Feenflügel) oder Chicken Hair hören und herumlaufen wie skurrile Charaktere aus einem Anime. Aber dies ist nicht TEKKONKINKREET. Wir begleiten sie in diesem sinnlosen Krieg, vergewaltigend, mordend, brandschatzend, sterbend. Oft vergisst man fast, daß es sich um Kinder handelt, gnadenlos fängt die agile Kamera Bilder von abgründigem Schrecken aber auch faszinierender Schönheit ein.

Die dreizehnjährige Laokole hingegen steht auf der anderen Seite: Sie versucht, ihren vom Krieg verkrüppelten Vater und den kleinen Bruder zu retten. Und sie wird Johnny über den Weg laufen.

Während der Abspann zu JOHNNY MAD DOG vorüber zieht, sehen wir jene Fotos von echten Kindersoldaten und Gewalttaten, welche die Macher inspirierten. Und es bricht einem das Herz. Ein wichtiger Film.

Schau' mal, wer zum Essen kommt: THE TORMENT aka. THE POSSESSION OF DAVID O'REILLY, GB 2010, Regie: Andrew Cull, Steve Isles

2011-10-19T15:27:00.001+02:00

Kennt man das? Irgendwie schon: Man hat es sich mit der Freundin gerade zuhause gemütlich gemacht, wartet womöglich auf den Pizzamann, draußen geht eine steife Brise, die Flammen der Kerzchen hüpfen fröhlich vor sich hin, und man freut sich einfach, daß es so etwas Tolles wie Feierabend gibt. Doch dann klingelt es. Der Pizzamann? Mitnichten. Es ist ein alter Kumpel. Zudem mit leicht verstörtem "Ich würde mich gerne mal bei dir ausheulen" Gesichtsausdruck...
David packt aber erstmal nicht so richtig seine Probleme aus, sondern sucht nur Unterschlupf. Doch in der Nacht, in der Dunkelheit, schreckt er auf. Hört Geräusche. Schleicht in der Wohnung umher...denn David O'Reilly wird von Dämonen verfolgt! Nicht jene von der inneren Art, sondern eher fiese, langsam herankriechende Francis Bacon'sche Fleischgebilde, welche man in der Regel aus dem Augenwinkel wahrnimmt. Noch.
Er schluckt Pillen. Er wird immer hysterischer. Er könnte auch wahnsinnig sein! Alex und Kate sind überfordert, sagt er die Wahrheit? Und was ist das für eine Geschichte über seine Freundin, daß sie ihn betrügt? Die Attacken häufen sich und irgendwann müssen auch die beiden eingestehen, daß eine gewisse Verschiebung der Realität stattgefunden hat...die Wohnung wird immer enger und nach einer verzweifelten Séance bricht die Hölle erst richtig los.

Übrigens eine der besten Szenen des Films. Ohne viel Trara! Gerade die Einfachheit der Mittel, das Simple, ist die Stärke von THE TORMENT. Der ganze Film ist, natürlich auch Budget-bedingt, aufs Einfachste reduziert und würde ebenso gut ein vortreffliches Theaterstück à la THE WOMAN IN BLACK abgeben. Drei Personen, ein Set, eine überschaubare Anzahl an Effekten, fertig ist der effektive kleine Paranoia Grusler! Getragen von den guten Darstellern, allen voran Giles Alderson als David, welcher den Spagat zwischen sympathischem Brit Boy und Pillenschmeissendem Wahnsinnigen hervorragend bewältigt, und unterstützt von einer fast dokumentarischen Kamera, welche man schon als eigenständigen Charakter bezeichnen kann, gelingen den Regisseuren Andrew Cull und Steve Isles einige hübsch haarsträubende Momente- ohne in alberne Geisterbahn -Effekte oder übertriebenes Blutgesuhle zu verfallen. Hier ist es gerade der reale Faktor, die Infektion zweier Ahnungsloser mit Panik, hereingetragen von einem Aussenstehenden, welche aus dem Film etwas Überdurchschnittliches machen. Aber auch Monsterfreunde werden gegen Ende etwas auf ihre Kosten kommen.

Bedauerlicherweise ging THE TORMENT im Werbehype um den weit weniger komplexen PARANORMAL ACTIVITY, einem eigentlich eher bescheidenen Homevideo mit leidlich guten Darstellern, den bereits angesprochenen Geisterbahn - Effekten, und einem gewaltigen Werbebudget, völlig unter. Zudem wurde das britische Kammerspiel in den USA, um mal eben auf den Shockumentary/Exorzismus Zug aufzuspringen, unter dem Titel THE POSSESSION OF DAVID O' REILLY vermarktet, obwohl der Film vom üblichen Exorzisten-Mummenschanz meilenweit entfernt ist. Und ab in die hinterste Videothekenecke damit!

Ich spreche jedenfalls eine Empfehlung aus. Besonders jetzt, für die kalte Jahreszeit.
Wenn draussen der Wind heult und drinnen die Kerzenflammen hüpfen.

When in London, check out:

Drinnen die Hölle, draussen der Tod: LEBANON, Israel/Frankreich/Deutschland 2009, Regie: Samuel Maoz

2011-05-17T13:53:00.002+02:00

DAS BOOT. Ein langes Epos. Ein Kriegsfilmklassiker. Überleben in einem U-Boot. Authentisch, intensiv, mit Liebe fürs Detail von Wolfgang Petersen inszeniert. Klaustrophobisch. Männerschweiss. Glänzender Stahl. Überall schmieriges Öl. Wasserbomben. Kriegsgegerbte Gesichter. Ein zeitloser Favorit!
LEBANON treibt es noch weiter. Regisseur Samuel Maoz hat es selbst erlebt. Ein kurzer Film. Kein Gramm Fett zuviel. Ein Film im Inneren eines Panzers. Vier junge Soldaten. 1982. Es ist ein Film über Soldaten. Nicht über Israelis oder Libanesen. Männer ohne Plan. Voller Angst. Auf einer Mission in einem alten, langsam den Geist aufgebenden Ungetüm aus Stahl...

90 Prozent der Laufzeit sind wir mit diesen Jungs im Panzer eingeschlossen. Der Film beeindruckt gerade durch beiläufige Momente und Bilder, wie sie nur jemand inszenieren kann, der es tatsächlich selbst erlebt hat: Die fiese Mocke, welche sich am Boden des Panzers sammelt, eine Mischung aus Öl, Kondenswasser, Zigarettenkippen, Salatcroutons. Nach einem Treffer kleben diese im Inneren überall an den Wänden. Zuvor füllten sie einen großen Sack, welcher gerne als Kissen benutzt wurde. Man pinkelt in Flaschen. Darf sich nicht waschen. Und dann der Krieg. Der erste Abschuss ist der Schlimmste. LEBANON ist kein blutiges Actionspektakel, fast alle Zusammenstösse sieht man nur durch das zerkratzte Teleskop des Schützen, einen begrenzten Blickwinkel, welcher an eine Überwachungskamera gemahnt und dem Gehirn eine Menge Raum zum Ausfüllen gibt. Und gerade das macht das Gesehene noch intensiver. Den jungen Männern wurde ein "Spaziergang" versprochen, aber die eigene Psyche, das Grauen und versagende Technik lassen die Mission zum Höllentrip werden. Der Zielpunkt, das ironisch betitelte Hotel "San Tropez" erscheint unerreichbar. Ein irrtümlich erschossener Kollege wird hereingereicht. Blut überall. Nach einigen Stunden nur noch Gestank. Ein Kriegsgefangener nimmt seinen Platz ein. Panisch vor Angst. Ein überforderter Kommandant. Ein ängstlicher Schütze. Ein Großmaul. Ein Fahrer.

LEBANON beweist, das ein winziges Budget durchaus einen Gewinn für einen Film darstellen kann- ein kleines Juwel, packend, intensiv und nachdenklich stimmend. Halt kein Gramm Fett zuviel.

Schon wieder Bahnhofskino!: HOBO WITH A SHOTGUN, Kanada/USA 2011, Regie: Jason Eisener

2011-04-29T21:03:00.004+02:00

Nur nochmal kurz zur Erklärung: Grindhouse Filme (eine richtige deutsche Entsprechung für dieses hübsche Wort existiert leider nicht) sind dreckige kleine Filme, welche in den Siebzigern und Anfang der Achtziger die amerikanischen Auto- und Hinterhofkinos unsicher machten. Bei uns entdeckte man diese dreckbespritzten Blüten in den nun leider nicht mehr existenten Bahnhofs- und Kleinkinos, die es damals zuhauf gab, welche aber mittlerweile leider komplett durch funkelnde Glaspaläste mit Bauerndisko Atmosphäre, genannt Multiplexe, ersetzt wurden. Meistens in Form eines Double Features wurden dem Sensationslüsternen Zuschauer simple Geschichten mit den exquisiten Zutaten Sex, Gewalt und genereller Niedertracht serviert, egal ob Thriller, Actionfilm, Horrorspektakel oder Eastern- diese Filme zielten nicht wirklich auf das Hirn, eher auf die Magengrube! Dabei gebar dieses Untergenre so einige dreckige "Klassiker", Filme mit klangvollen Namen wie I SPIT ON YOUR GRAVE (1978, gerade erst geremaked), FIGHT FOR YOUR LIFE (1977), DEATH GAME (1977) oder PIGS (1972). Und eines hatten sie alle gemeinsam: Mit niedrigem Budget, auf das absolut Nötigste getrimmt, mit durchaus kompetenten Darstellern besetzt und einer Laufzeit von durchschnittlich 85 Minuten, damit es auch ins Doppelprogramm passt, boten diese Filme den flotten Thrill für zwischendurch. Wenn man Pech hatte, allerdings mitunter auch gähnende Ödnis, denn man arbeitete auch gerne mit langweiligsten Füllszenen um die nötige Spielfilmlänge zu erlangen...

Das Grindhouse Projekt der Herren Tarantino und Rodriguez, GRINDHOUSE, bestehend aus PLANET TERROR, DEATH PROOF und diesen wirklich großartigen Pseudotrailern, floppte ja ordentlich- aber inspirierte! Unzählige Filme im Pseudo-Schmuddel-Look und Massen an schrabbeligen Trailern überschwemmten den Markt...leider stellte sich dabei nur ein winziger Bruchteil als sehenswert heraus. Jason Eisener gewann mit seinem HOBO gar den damaligen Grindhouse Trailer Wettbewerb und wie es nun einmal in Hollywoodland so ist, wundersamerweise sogar einen Vertrag zur Erstellung eines richtigen Kinofilms. Hat ja auch mit Robert Rodriguez' MACHETE bereits bestens funktioniert! Die Transformation von Trailer zu Film ging zwar hier schon völlig in die Hose, aber dennoch platzten die Konten der Produzenten schon bald aus allen Nähten!

Oberflächlich gesehen hakt HOBO die komplette "To Do Liste" denn auch gekonnt ab: Die Story um einen Pumpgun schwingenden Penner, welcher mit dem Kroppzeug der Stadt abrechnet, ist angenehm simpel, die Gewalt auf eine bunte Art unnötig und exzessiv (der rote Faden ist hier mehr als wörtlich zu verstehen!), der Film nimmt sich gottlob nicht ernst, es gibt zahllose abstruse Einfälle und Rutger Hauer hat es offenbar großen Spaß bereitet, endlich mal wieder so richtig die Sau rauszulassen! Wenn die Falten seines gegerbten Gesichts sich in dunkle Risse verwandeln, welche an sich verschiebende Erdplatten gemahnen und sein Mund sich zum Haifischgrinsen verzieht, dann sind das die großen Momente des Films. Leider trifft das Ganze dann jedoch nicht die gekonnte Stimmung des Kinotrailers:

Sprich: Was wir am Ende geliefert bekommen ist eher achtziger Jahre Troma Studio Trash als siebziger Jahre Bahnhofskino! Wähnt man sich zu Beginn noch dank einer perfekten Retrotypo, einem an Riz Ortolani gemahnenden Soundtrack und einem windgegerbten, Zug fahrenden Rutger in einer perfekt nachempfundenen Seventies Zeitblase, so lassen einen die quietschbunten Farben und vor allem die unglaublich überagierenden Knallchargen schnell die Stirn runzeln! Man wähnt sich fast im Troma Klassiker TOXIC AVENGER (ATOMIC HERO)- nur das es dort bestens funktionierte. Hier wirkt es leider, als hätte man einen guten Schauspieler auf die Theatertruppe irgend eines Kuhkaffs losgelassen. Ich muß sagen, mir hat es durchaus Schmerzen beim Zusehen bereitet, ganz im Gegensatz zu den ausufernden Splatterexzessen! Die Momente der Ruhe sind dünn gesät, weil stängig irgend welche wild grimassierenden Freaks durchs Bild hüpfen- das, was im Trailer so gut funktioniert, der stimmungsvolle Aufbau zum Exzess, fällt im finalen Film völlig unter den Tisch. Und das sorgt für starke Ermüdung.

Dabei WILL man den Film mögen: Das Budget war klein, aber man hat das meiste rausgeholt und es gibt immer wieder Sequenzen, die einem zeigen, daß da etwas Großartiges hätte draus werden können: Wenn Rutger im Krankenhaus an der Scheibe der Säuglingsstation steht und anfängt, über sein Leben zu philosophieren und alle Babys auf einmal anfangen, loszuflennen...oder diese zwei Kopfgeldjäger namens "The Plague", welche auf Motorrädern samt Transportsarg in wilden Endzeit-Metallschutzanzügen auf Jagd gehen und eben jenes Krankenhaus auf originelle Art und Weise in Stücke zerlegen...ja, und immer wieder der gute, alte Rutger.

Schluß, aus: Eine weitere Enttäuschung dieses bis jetzt ziemlich schlappen Kinojahres. Aber zumindest noch unterhaltsam. Auf so eine Troma Art halt.

Als Appetizer noch ein paar Trailer von echten Grindhouse Granaten. Nase zu und durch!

Patriotismus Olé! BATTLE: LOS ANGELES, USA 2011, Regie: Jonathan Liebesman

2011-04-07T13:35:00.000+02:00

Böse Ausserirdische sind immer wieder eine große Freude und seit Spielbergs KRIEG DER WELTEN Remake zum Glück wieder schwer im Geschäft! Gibt es etwas Schöneres als immer wieder zu sehen, wie die menschliche Zivilisation von einem übermächtigen Gegner in Schutt und Asche gelegt wird? Um dann in Form von mutigen kleinen Partisanen-Clustern grausam Rache zu üben? Welche den fiesen Fremdlingen die Tentakel-bewehrten Hautfalten mal so richtig über den überdimensionierten, Glubschäugig dreinblickenden Kopf stülpen? Ich denke nicht. Und als dann Ende letzten Jahres die ersten Trailer zu SKYLINE, SUPER 8, COWBOYS AND ALIENS und eben BATTLE: LOS ANGELES auftauchten, war ich ob der bald über mich herbrechenden Schauwerte freudigst erregt. Bis ich dann einen Blick auf SKYLINE werfen konnte, einem gelackten Dumm-Dumm-Geschoss, wie es einem nur die Traumfabrik immer wieder frech vor die Füsse kötteln kann. Und auch BATTLE, wenn auch kein Totalausfall, weiss nicht so richtig zu überzeugen, denn:

AUSTAUSCHBARE DURCHSCHNITTSVISAGEN SALBADERN PATRIOTISCHEN DÜNNPFIFF UND LIEFERN SICH (ZUMINDEST GEFÜHLT) JAHRZEHNTELANGE BALLEREIEN MIT LEIDLICH GUT ANIMIERTEN CGI MONSTROSITÄTEN.

Dabei hatte ich mich richtig auf diesen Krieg der Welten gefreut- der hübsch geschnittene Trailer versprach ja so einiges! Aber am Ende ist da traurigerweise nur wieder der berühmte Griff ins Klo: Abgehakt, Zeit für den Nächsten.
Regisseur Jonathan Liebesman (Gähn: DARKNESS FALLS, Würg: TEXAS CHAINSAW MASSACRE: THE BEGINNING) wählt Ridley Scotts BLACK HAWK DOWN Herangehensweise und präsentiert uns junge Soldaten, die unvermittelt in eine gewaltige Krise hineinstolpern. Finde ich an sich immer wieder reizvoll. Mitten in die Fresse, viel Handkamera, authentischer Look! Nur gab es bei Scott zumindest ein vernünftiges Drehbuch, welches die Situation spannend und gekonnt aufbaute, während bei Liebesman die üblichen Army Klischees kurz abgehandelt werden (der hadernde, erfahrene Held, der junge Soldat vom Lande, der nette Mexikaner, welcher NATÜRLICH den Löffel abgibt), und mit übelstem "Ich verteidige mein Land, etc." Gelaber vermengt werden. Überhaupt wird die Kriegsmaschinerie die ganze Zeit dermassen liebevoll ins Licht gerückt, daß man sich fast in einem Rekrutierungsfilm der US Army wähnt. Das erinnert schon fast an den ultimativen Kriegsgerät-Abspritzklassiker DER LETZTE COUNTDOWN ! Da ist für Charakterentwicklung eben keine Zeit. Wenn dann noch die ewige "Vasquez" Michelle Rodriguez (RESIDENT EVIL, LOST, MACHETE, AVATAR...), natürlich mit Knarre, um die Ecke schleicht, weiss der fleissige Actiongucker bescheid: Jetzt geht's ans Eingemachte.

Und das ungefähr ab der 25. Minute. Technisch top, aber dank ständigem Kamera-Extremgewackel, ziemlicher Montonie und nicht vorhandenem Spannungsbogen auch verdammt ermüdend. Da man sich wirklich einen Dreck um die Charaktere schert, selbst der sonst verlässliche Aaron Eckhardt kann hier nix mehr reissen, wird der Film zu einer knapp 90 minütigen Materialschlacht-Tortur, welche einem mit dem austauschbarsten Endlos-Dudel-Soundtrack der letzten Zeit gehörig die Birne weichkocht. Da können auch die hübschen Alien Mecha Designs und spektakulären Schauwerte nichts dran ändern. Und wenn die Jungs am Ende nach getaner Arbeit wieder zu den Waffen greifen um erneut zum Schlachtfeld zurückzukehren, kommt einem endgültig die Galle hoch (wenn man nicht schon eingeschlafen ist).

THE TROLL HUNTER (TROLLJEGEREN), Norwegen 2010, Regie: André Ovredal

2011-02-20T20:10:00.001+01:00

Es handelt sich mal wieder um gefundenes Videomaterial von höchster Brisanz. BLAIR WITCH Territorium. REC. CLOVERFIELD. Ich stehe ja drauf, schauen wir mal, so doof wie PARANORMAL ACTIVITY wird es schon nicht werden, dafür garantiert bereits der gelungene Anfang:
Der seltsame Hans ist in der Stadt aufgetaucht. Ein Jäger, wie es scheint, mit gewaltigen Kampfspuren an seinem Jeep. Ist er ein Wilderer und für die Bärenmorde in der Gegend verantwortlich? Ein Verrückter? Oder gar beides? Ein Studenten-Reporterteam versucht der Sache auf den Grund zu gehen und verfolgt den verschrobenen Mann auf Schritt und Tritt. Dieser denkt gar nicht daran, sein Geheimnis preis zu geben und wimmelt die jungen Leute immer wieder ab. "Glaubst du, Michael Moore hätte nach dem ersten Versuch aufgegeben?" Gesagt, getan. In tiefster Nacht, im dunklen, norwegischen Tann, verliert sich seine Spur. Doch da bebt die Erde. Bäume knarzen und knicken wie Strohhalme...."TRROOOLLL!!" Hans kommt aus dem Dunkel vorbei gerannt, Panik bricht aus. Stolpern, schreien. Cut.

"Es ist keine gute Idee, mir zu folgen."
Das Auto der Studenten wurde wie eine Zieharmonika zusammengefaltet und ist völlig von Schleim bedeckt. Dafür taut der Granitgesichtige Hans auf. Wenn sie machen, was er sagt, können sie ihn bei der Trolljagd filmen. Trolljagd? Moment mal. Noch hält man das alles für einen Scherz.
"Ist das eine Landmine?"
"Ja, aber sie ist nicht scharf."
Die Kids müssen sich gründlich waschen und anschließend kräftig mit Trollsekret einreiben, dann geht es zu Fuss weiter. Mit einer UV-Waffe wird den Riesen zu Leibe gerückt. Manche werden zu Stein, andere wiederum explodieren. Ihr Revier markieren sie übrigens wie Hunde- sie schiffen überall hin. Zwischendurch wird mit einer Tierärztin telefoniert.
Der erste richtige Trollkontakt mit einem dreiköpfigen Riesen verläuft spektakulär. In der Tat, sie werden zu Stein! GROSSARTIG!

Am Ende dieser feinen Pseudodoku wissen wir, daß die norwegische Regierung tote kroatische Braunbären auslegt, um von Kuhmorden abzulenken, Strom im Kreis leitet, um die Trolle im Zaum zu halten, selbige erst nur mit einem Kopf auf die Welt kommen, über 1000 Jahre alt werden, aggressiv auf christliches Blut reagieren und im allgemeinen wirklich nicht die Hellsten sind!

Was ein paar Unbekannte hier hinbekommen haben, ist neben dem ähnlich authentischen, amerikanischen MONSTERS einer der schönsten Monsterfilme der letzten Jahre. Die fantastische norwegische Landschaft trägt sehr zur Atmosphäre bei und die sympathischen Schauspieler schaffen es mit ihrer Ernsthaftigkeit, die hanebüchene Story mit perfektem Pokerface über die Bühne zu bringen. Der herrlich trockene nordische Witz tut dann sein übriges! Hinzu kommt eine erstaunlich perfekte technische Umsetzung, welche die Jagdszenen trotz Mikrobudget zu echten visuellen Highlights werden lässt, sei es eine Troll-Blutabnahme im Spezialanzug (mit schmerzhaftem Ausgang), eine Nacht in einem ziemlich vollen Trollnest oder die finale Konfrontation mit einem Godzillagroßen Giganten...Monsterfans wird das Herz angesichts der originellen Designs jedenfalls höher schlagen!

Eine durchgedrehte BBC Abenteuerdoku über Trolle in Norwegen- so ungefähr kann man sich diese kleine Genregranate vorstellen. Leider nehmen Plakat und Trailer eine Menge des Überraschungsfaktors vorweg, aber das soll keineswegs das Entertainment trüben: Ich hatte jedenfalls einen Heidenspaß!

ELECTRIC DRAGON 80000 V, Japan 2001, Regie: Ishii Sogo

2011-01-27T23:51:00.003+01:00

Da geht der Punk ab! Kultregisseur Sogo Ishii (deutsche Leserichtung!), hat bei mir seit seiner FAMILIE MIT UMGEKEHRTEM DÜSENTRIEB (1984) einen dicken Stein im Brett! Der Film ist absolut essentielles Japankino und ein großartiger Abgesang auf die Familie, gesellschaftliche Normen und das Leben in den Achtzigern an sich! Pflichtprogramm! Aber er kann auch anders...
Schon immer Rockmusik begeistert, unteranderem stammt von ihm auch die faszinierende Einstürzende Neubauten Kunstdoku 1/2 MENSCH (1986), drehte Ishii 1982 den bereits ähnlich gelagerten, ebenfalls von Punkmusik durchwaberten, aber passenderweise noch sehr groben Endzeit-Cyberpunk Klassiker BURST CITY. Im Vergleich dazu kommt ELECTRIC DRAGON schon fast als eine gelackte Stilübung daher, wofür auch die recht kurze Lauflänge von nur 55 Minuten spricht. Der Film wirkt wie ein überlanges, hochstilisiertes Punkrock Musikvideo und die bekloppte Ministory ist ein weiteres Indiz für die Tatsache, daß alle Beteiligten hier einfach mal so richtig die Sau rauslassen wollten...und das ist ihnen zweifelsohne gelungen!

Dragon Eye Morrison (ISHI THE KILLER Star Tadanobu Asano), Reptilien-Inspektor, und seit einem Unfall in seiner Kindheit im Besitz von Hochstrom Superpower (!), rettet während des Tages verschollen gegangene Lederhäuter, um des Nachts seine animalisch-elektrische Seite mit seiner E-Gitarre auszuleben. Der einzige Weg für ihn, die unbändigen Energien zu kanalisieren! Alles könnte so schön sein, jedoch kann ein Superheld nicht ohne eine anständige Nemesis das Dasein fristen, und so kommt der sinistre, Technologie vernarrte Thunderbolt Buddha (Masatoshi Nagase, SUICIDE CIRCLE) daher, um ihn immer wieder zum Duell herauszufordern, zum ultimativen Rock'n Roll Showdown!

Man merkt, hier steht die Machart weit über der Handlung! Ähnlich wie Shinya Tsukamotos TETSUO-THE IRON MAN (1989), welcher fast die gleiche simple Storyline in ein Stilgewitter verwandelte, ist ELECTRIC DRAGON ein geballter Angriff auf die Sinne, knackige Schwarz/Weiss Bilder, rasante Kamerafahrten und wilde Schnitte treffen auf brachiale Industrial/Punk Musik der Kombo Mach 1.6, jedoch bietet Ishii eher bizarren Humor und abgedrehte Ideen anstatt Splatterexzesse (die Gewalt bewegt sich im Bereich einer typischen TOM UND JERRY Episode). Somit werden selbst Kinder ab12 ihren Spaß an diesem anarchistischen Wahnsinn haben, dermaßen überdreht und spassig kommt Ishiis Comic daher. Und die Sehgewohnheiten der Kleinen sind heutzutage ja dank MTV und Michael Bay Epilepsie-Schnitt-verwöhnt...

Wohl bekomm's!

VINYAN, Frankreich 2008, Regie: Fabrice Du Welz

2011-01-19T20:05:00.008+01:00

Fabrice Du Welz' CALVAIRE (2004), hierzulande unter dem subtilen Titel CALVAIRE - TORTUR DES WAHNSINNS erschienen, war ja schon eine harte Nummer. Aber beeindruckend. Die seltsame Geschichte eines Altersheim Entertainers, welcher im belgischen (!) Niemandsland diversen Hinterwäldlern in die Hände fällt und einen bizarren, schrecklich - gallig humorigen Horrortrip erlebt, ist schon etwas ganz besonderes. Atmosphärisch inszeniert, mit exzellenten Darstellern besetzt und dabei sehr intensiv, stellte CALVAIRE eine außerordentlich gelungene Visitenkarte für den Debutanten Du Welz dar. Und man durfte gespannt sein, was denn da als nächstes aus Belgien hereinschneien würde!
Erst vier Jahre später erschien VINYAN auf der Bildfläche: Der große Tsunami in Thailand im Jahre 2004, welcher über 220.000 Menschen das Leben kostete, schwebt wie ein dunkler Schatten über der Geschichte der Französin Jeanne (irgendwie unheimlich: Emmanuelle Béart) und ihrem Mann, dem Engländer Paul (Rufus Sewell), welche sich auf die verzweifelte Suche nach ihrem Sohn machen, den sie während der Katastrophe verloren haben. Angeschürt durch ein Dokumentarvideo aus Burma, auf dem ein kleiner Junge in einem roten T-Shirt zu sehen ist, steigert sich Jeanne immer mehr in die Vorstellung, daß ihr Sohn dort noch lebt. Über sinistre Kanäle wird eine Überfahrt organisiert, welche an sich schon mit genug Tücken behaftet ist, aber der immer labiler werdende Geisteszustand Jeannes und die realen Gefahren des burmesischen Dschungels sind nichts im Vergleich zu dem irrealen Alptraum, in dem die Reise enden wird!

Tanzende Luftbläschen, riesige Titel wie aus einem Gaspar Noé Film, langsam färbt sich das Bild rot, Rauschen und Schreie tönen vom Soundtrack, schwarzes, wegtreibendes Haar, Emmanuelle Béart steigt aus den Fluten eines wunderschönen thailändischen Meeres. Das reicht völlig, um den Tsunami zu visualisieren und die Atmosphäre nahenden Unheils zu etablieren: Die Welle hat ihrem Leben einen Riss beigebracht, aber ausgerechnet die Frau wird sie schließlich ins Verderben führen...

Dabei stört noch nicht einmal, daß die Storyline stark an Nicholas Roegs Klassiker WENN DIE GONDELN TRAUER TRAGEN (DON'T LOOK NOW, 1973) erinnert. Aber vielleicht sollte man das eher als Huldigung an ein Meisterwerk sehen: Auch dort war es ein Ehepaar (Julie Christie und Donald Sutherland), welches das Kind durch Ertrinken verloren hat, im Gartenteich, gekleidet in einen roten Regenmantel (bei Du Welz ist es ein Junge im roten T-Shirt). Auch hier hat die Frau unheimliche Visionen nahenden Unheils. Ist es bei Roegs Film die Farbe Rot, welche immer wieder als Motiv auftaucht und Hinweise auf das unausweichliche Ende des Films geben, so sind es in VINYAN immer wieder Aufnahmen von Kindern, die zum Schluß hin einen mehr als beunruhigenden Charakter annehmen. Statt dem pittoresken Urlaubsgothik Thailands war es damals der eher klassisch morbide Charme Venedigs, welcher für gesträubte Nackenhaare sorgte. Und dies ist der Punkt, in dem sich die beiden Filme unterscheiden:
Komplett in Thailand gedreht, erzählt Du Welz die Geschichte einer Reise ins Herz der Dunkelheit, nutzt die Schönheit der exotischen Lokalitäten geschickt, um gegen Ende immer "dreckiger" zu werden. Wer selbst schon in Gefilden jenseits des Äquators unterwegs war, kennt dieses seltsame Gefühl des Ausgeliefertseins, man spricht die Landessprache nicht, muß sich den einheimischen Führern anvertrauen und wird des öfteren um sein Geld geprellt. Für das verzweifelte Ehepaar sind aber gerade die Kriminellen der einzige Weg, zum geliebten Kind zu gelangen, und Jeanne ist bereit dafür jede Art von Opfer zu bringen.

VINYAN ist ein ruhiger Film, welcher es oftmals bei Andeutungen belässt, aber die ganze Zeit über einen fiesen Beunruhigungs-Hammer über dem Kopf des Zuschauers kreisen lässt. Die Atmosphäre eines nahenden Unheils wird von Du Welz äusserst gekonnt heraufbeschwört und am Ende in gekonnt abgründige Bilder umgesetzt...und wieder bin ich gespannt, was der Belgier als Nächstes ausheckt! Angeblich wird das ALLELUIA sein, die Geschichte der "Lonely Hearts Killers" Martha Beck und Raymond Fernandez, welche zwischen 1947 und 49 geschätzte zwanzig Frauen ermordeten. Die ebenfalls ziemlich unheimliche Beatrice Dalle wird die Hauptrolle übernehmen.

"If you can't control your wife, THAT is not my concern."

The Objective, USA 2008, Regie: Daniel Myrick

2010-09-11T00:42:00.013+02:00

Der Irak Krieg hat die Fantasie der Menschen schon immer angekurbelt, zu groß ist die Anzahl an wilden Verschwörungstheorien, zu undurchdringlich die Geheimnisse der kargen Landschaft. Eigentlich wie geschaffen für das Horrorgenre. Kriegsfilme mit Horror- oder Science Fiction Verquickung gibt es ja so einige (der japanische Kulthit TIME SLIP, der ätzend patriotische DER LETZTE COUNTDOWN, Michael Manns faszinierender DIE UNHEIMLICHE MACHT (THE KEEP), der atmosphärische zweite Weltkriegs-Geisterfilm THE BUNKER, die Trashgranate OUTPOST, oder aber (nur von der Atmosphäre her ziemlich horrend) Jeff Burrs STRAIGHT INTO DARKNESS). Daniel Myricks Film ist jedoch der Erste dieser Art über den Irak.

Man sollte darauf eingehen, daß es sich bei Herrn Myrick um einen der beiden Köpfe handelt, die damals mit THE BLAIR WITCH PROJECT (1999) B- Movie Geschichte schrieben und nebenbei dank massiver Internetnutzung eine der ersten breitgefächerten Viralmarketing Kampagnen aus dem Boden stampften. Die ersten beiden Plätze des erfolgreichsten Films aller Zeiten werden zwar vom "König der Welt" James Cameron belegt, in Sachen Preis/Leistungsverhältnis läuft ihm das PROJECT bis heute bei 22.000 Dollar Produktionskosten und 240,5 Millionen Einspiel gewaltig den Rang ab!
Dennoch ist es um die beiden Macher relativ still geworden, Myrick produziert weiterhin niedrig budgetierte, nicht weiter erwähnenswerte Horrorfilmchen, während sein damaliger Partner Eduardo Sánchez zumindest 2006 mit der günstigen, aber effektiven Monsterhatz VERGELTUNG (ALTERED) punkten konnte.

THE OBJECTIVE schließlich kommt als eine angenehme Überraschung daher. Geschickt verbindet Myrick hier Elemente aus BLAIR WITCH mit AKTE X und dem "in die Fresse" Look des modernen Kriegsfilms:

Ein Team von Spezialisten unter Leitung des CIA Agenten Benjamin Keynes (sehr gut: Jonas Ball) ist auf einer Mission in Afghanistan um den religiösen Führer Mohammed Aban ausfindig zu machen. Mit Hilfe eines einheimischen Führers (Chems-Eddine Zinoune) macht sich das Team auf den Weg ins Gebirge, muß aber schon bald feststellen, daß neben den menschlichen Gegnern noch eine andere, unheimliche Macht ihre Finger im Spiel hat...eigenartige Geräusche in der Nacht, vermeintliche Autoscheinwerfer, die sich plötzlich in die Luft erheben, seltsame Lichter, Söldner, die einfach in Atome zerbersten und ein Blick durchs Nachtsichtgerät welcher Dinge offenbart, die sonst nicht sichtbar wären, Myrink steigert die Spannung mit recht einfachen Mitteln (man bedenke: wir begleiten hier nur eine handvoll Männer in ihrem Jeep, daß ist nicht BLACK HAWK DOWN) kontinuierlich und...okay, okay, genannte Beispiele hat man so auch schon anderswo gesehen, aber die trockene Wüstenatmosphäre stimmt und die ständige Aura einer überirdischen Präsenz wird schön aufrecht erhalten. Und das ohne Gefolter oder unnötiges Blutvergiessen, eher handelt es sich um einen Geisterhaus-Film. In der Wüste! Ein weiterer Pluspunkt sind die guten Schauspielerleistungen, diese Soldaten wirken authentisch, auch ohne große Testosteronspritzereien. Und der einheimische Abdul stellt eine gute Metapher für die gescholtene, Kriegs-müde Bevölkerung des Landes dar.

Das Ende präsentiert sich dann ebenfalls hübsch mysteriös und ich muß sagen, dieser Mix aus religiösen Motiven, Terrorismus Paranoia und dem Übersinnlichen hat mir gut gefallen! Aber ich liebe ja Wüstenfilme. Dschungelfilme. Schneefilme. Und Nebelfilme erst recht!

The Lost Skeleton Returns Again, USA 2009, Regie: Larry Blamire

2010-09-08T23:11:00.005+02:00

Das Skelett schien besiegt zu sein, aber es lebt! ES LEBT!! Seit seinem kleinen Kulthit THE LOST SKELETON OF CADAVRA (2001) hat der umtriebige Larry Blamire bereits drei weitere Trash Huldigungen fabriziert: TRAIL OF THE SCREAMING FOREHEAD (2007), DARK AND STORMY NIGHT (2009) und eben dieses neue Skelett Abenteuer. Traurig, das keines dieser gelungenen Filmchen in Deutschland auf DVD erschienen ist!
Denn dieser früh ergraute Mann weiss es, intelligente Parodien zu inszenieren, die nicht nach Pseudokult riechen! Nun ja, zumindest fast immer. Denn die Rückkehr des ollen Skeletts ist diesmal eher mau ausgefallen.
Überzeugte der erste Teil durch cleveren Wortwitz und surreale Einfälle, so käut die Fortsetzung dieselben Gags nur im neuen Gewande wieder. Aber so manche Pointe kann man guten Gewissens als Rohrkrepierer bezeichnen, besonders die Momente mit der albernen Hohepriesterin lösen fast körperliches Unbehagen aus! Dabei hätte alles so schön sein können: Diesmal geht es in die Dschungel Südamerikas, denn der fleissige Dr. Paul Armstrong ist dort auf der Suche nach dem seltenen Geranium-90 verschollen! Seine Frau, Ranger Brad, der nette Zwillingsbruder des Fieslings aus Teil Eins und ein neuer Charakter werden schon bald fündig, aber irgendwie ist Doc nicht mehr der Alte, sondern eher...verbittert! Der Dschungel hat dem guten Mann offenbar gewaltig zugesetzt.

Das Skelett existiert nur noch als Schädel und hätte gern einen neuen Körper, denn es wird immer komplizierter, Menschen wie Marionetten zu steuern. Ein zweites Team ist auch hinter dem Mineral her, daß niedliche Außerirdischenpärchen Lattis und Kro-Bar gesellt sich ebenfalls dazu, Amidala taucht auf, wirkt diesmal aber seltsam lustlos, und dann gibt es da noch die bereits oben angedeuteten Cantalope People mit ihrer total abnervenden Hohepriesterin. Dank eines größeren Budgets gibt es diesmal sogar ZWEI Monster (sogar unter Mitwirkung der KILLER KLOWNS FROM OUTER SPACE Chiodo Brothers!), welche gottlob etwas von der hysterischen Schabracke ablenken!
Nett ist auch der Gag, den Film zur Mitte hin in Farbe umzuswitchen, hat mich irgendwie an THE ANGRY RED PLANET erinnert...ist ja alles äusserst sympathisch und nett, man freut sich, die alten Charaktere wieder zu sehen, aber das hatte man bei GHOSTBUSTERS 2 auch, und trotzdem war der völlig daneben... einfach alles ändert irgendwie nichts daran, daß dem Werk nach zirka sechzig Minuten die Luft ausgeht. Da war der erste Film einfach viel homogener in seiner Schrägheit, ebenfalls natürlich speziell, aber rund!

Von daher höre ich jetzt einfach auf und mache lieber Appetit auf einen anderen Blamire, den bereits angesprochenen...

AMER, Frankreich/Belgien 2009, Regie: Hélène Cattet, Bruno Forzani

2010-09-07T15:36:00.004+02:00

Augen, überall Augen! In gewaltigen Ausmaßen füllen sie die Cinemascope Leinwand! Dazu: Der klassische Italosound, Morricone und Cipriani wehen dem Betrachter in hervorragender Qualität um die Ohren, extreme Soundeffekte, fast schon ins Parodistische übersteigert, kratzen am Hirne...

Willkommen in der Welt von AMER, der wohl schönsten Reanimation des Giallo Genres, jenen auf Gelb gecoverten Schundheftchen basierenden, überstilisierten italienischen Thrillern von Machern wie Mario Bava, Dario Argento oder Alberto de Martino. In drei Segmenten erleben wir eine junge Frau als kleines Mädchen, erblühenden Teenager und reife Schönheit, ein Trauma der Jugend führt zu sexueller Verwirrung und Mordphantasien...aber sind es wirklich alles nur Hirngespinste?

Eigentlich passiert hier nicht viel, man sollte AMER eher als eine Stilübung ansehen, einen Kunstfilm mit exploitativen Elementen- das Medium Film wird, wie schon lange nicht mehr, konsequent ausgenutzt, extremste Nahaufnahmen treffen auf völlig experimentelle Kameraspielereien, liebevoll Komponiertes auf wild Zusammengestückeltes...ebenso verhält es sich mit dem Soundtrack: Wie Tarantinos Werke der letzten Zeit besteht er aus bereits existierenden Soundtrackschnippseln der Großmeister. Und wenn dann Stelvio Ciprianis Titelthema aus DER TOD TRÄGT SCHWARZES LEDER ertönt, richten sich beim geneigten Fan die Nackenhaare auf!

Somit ist der Film weniger an dem, für das Genre typischen, Blutvergiessen interessiert, sondern eher an dem Erschaffen einer Atmosphäre, einer Retro-Welt in poppigen Farben, sonnendurchfluteten Küstengegenden, lustvoll knabbernden Schmollmündern in Nahaufnahme und...Rasiermesser zückenden Eindringlingen. Coming Of Age trifft Polanskis EKEL, sozusagen. Irgendwie auch ein tolles Double Feature mit der psychedelischen Jess Franco Huldigung FRANKENSTEIN'S BLOODY NIGHTMARE. Wirklich wundervoll.

DAYBREAKERS, Australien/USA 2008, Regie: The Spierig Brothers

2010-04-01T17:35:00.002+02:00

Fantasy Filmfest Nights 2010, Film Nummer Drei. Gerüchte gehen um, daß das Werk völlig ausverkauft ist, die wartende Menschenmasse hat an Menge und Geruch noch einmal zugelegt und in der Tat, das Kino platzt aus allen Nähten, teilweise sitzen die Fans sogar im Gang. Und das alles für die Spierig Brothers, deren Fun-Splatter-Gurke UNDEAD nicht gerade in guter Erinnerung geblieben ist?
In der Zukunft haben Blutsauger die Welt überrannt, Menschen sind zur aussterbenden Spezies geworden. Yuppie Vampire fahren in coolen, abgedunkelten Limousinen durch die Straßen, beim Imbiss an der Ecke gibt es Blutkonserven statt Pommes und Nachts regiert das High Life, während die Städte tagsüber schlafend da liegen.
Ein Vampir-Wissenschaftler (Ethan Hawke), müde vom Menschen opfern, welcher nach der Formel für synthetisch erzeugtes Blut sucht, tut sich mit einer Gruppe Widerständler zusammen, deren Anführer (Willem Dafoe), früher selbst ein Vampir, einen Weg gefunden hat, sich den Vampirismus sozusagen mit Sonnenlicht auszubrennen (!). Zusammen nehmen sie den Kampf gegen Charles Bromley (Sam Neill), den Obervampir und Chef über die wichtigste "Body Farm" auf...

BLADE weitergedacht, sozusagen. Das funktioniert größtenteils auch recht gut: Für einen relativ klein budgetierten 20 Mio. Dollar Film sieht DAYBREAKERS super aus, es gibt ein stimmiges grau-blau-Chromdesign, welches sich durch den ganzen Film zieht und der ganze Look ist im positiven Sinne gelackt. Es macht einfach Spaß zu sehen, wie denn wohl eine Vampirwelt so aussehen könnte. Die futuristischen Ideen wurden interessant mit den alten "Vampirregeln" gekoppelt und die Darsteller machen ihre Sache gut (allen voran die Star-Nager Ethan Hawke und Sam Neill). Leider fällt die Revoluzzer Truppe eher unter die Kategorie "Kanonenfutter", selbst Willem Dafoe kann da nicht viel dran ändern, aber das wird durch eine Menge Action und besonders am Anfang clevere Ideen Wett gemacht. Und zum Ende hin, wenn die Fledermäuse zum gegenseitigen Aderlass rufen, geht es dann nochmal richtig zur Sache!

Von den drei ausgewählten Filmen hatte ich zugegebenermaßen in DAYBREAKERS die geringsten Erwartungen gesteckt, zumal das Blutsaugergenre die besten Zeiten schon lange hinter sich gelassen hat. Aber in anbetracht schmalziger Langzahnschmonzetten wie TWILIGHT wirkt der neue Film der Spierigs geradezu wie eine Frischbluttransfusion! Solider Aussie-SciFi-Vampir-Noir-Splatter, sozusagen.

SPLICE, Kanada/Frankreich/USA 2009, Regie: Vicenzo Natali

2010-04-01T13:46:00.007+02:00

Fantasy Filmfest Nights, Teil Zwei. Raus aus dem Kino, hinein in die erhitzte, miefende Menge. Das Mallorca Syndrom ist wieder zu beobachten: Viele stehen in T-Shirts da, statt mit einem Handtuch markieren sie ihren Sitz mit der Jacke. Das nenne ich verdammt deutsch! Ein gewaltiger Pottwal von einem Menschen, glühend vor Hitze, schiebt sich vor mich- und verharrt. So stelle ich mir das in der Tokyotischen U-Bahn vor, nur das dort wenigstens alle klein sind! Doch plötzlich bricht der Damm und die Menge schwappt zurück ins Kino, zufälligerweise landen wir wieder in der selben Reihe, wahrscheinlich wegen all der Jacken! Zeit für ein kurzes Blättern im Programmheft und dann geht's weiter:

Eine der visuell schönsten Titelsequenzen dieses jungen Jahres verwöhnt das Auge des Betrachters. Wir gleiten durch Organe und Gefäße, die Namen der Mitwirkenden werden durch Adern dargestellt, gefällt mir sehr gut, bekannte Namen huschen über die Leinwand, Adrien Brody (DER PIANIST) und Sarah Polley (DAWN OF THE DEAD, DAS SÜSSE JENSEITS), Martin Hewitt (in jedem Natali Film dabei), Kameramann Tetsuo Nagata (LA VIE EN ROSE, NARCO), KNB Make Up Effekte, visuelle Effekte von C.O.R.E., zudem produziert von Guillermo Del Torro und natürlich unter der Regie von Vincenzo Natali (welcher uns bereits die interessanten CUBE, CYPHER und NOTHING schenkte)... das klingt doch nach einer runden Sache!

Dennoch gehen die Meinungen am Ende sehr auseinander. In der Tat beschreitet der Film dann doch eine andere Richtung, als ich eigentlich erwartet hatte.
Die erste Hälfte überzeugt völlig: Clive und Elsa, ihres Zeichens Wirtschafts-Genetiker, gelingt es tatsächlich, neues Leben zu erschaffen. Das es sich um Nacktschnecken-artige, amorphe Fleischklumpen handelt, ist dabei nicht von Belang, der erste große Schritt ist getan - welchem die labile Elsa direkt einen Zweiten folgen lassen will und in einem Moment des Wahns ihr eigenes Blut mit der neuen Genmasse vermischt. Bevor man sagen kann: "Cronenberg ick hör' dir trappsen!" kommt ein neues Mischwesen dank künstlicher, externer Fruchtblase zur Welt (übrigens eine der packendsten Szenen des Films). Halb Hase, halb Huhn, sieht dieses Wesen zunächst sehr skurril aus, durchläuft dann aber einige interessante Metamorphosen, um zu einem gar nicht mal so unattraktiven, weiblichen Humanoiden heran zu wachsen.

Großartig! SCIENCE Fiction, wie sie sein soll, verrückte Wissenschaftler, entgleisende Experimente, interessante Ideen, Kreaturen! Und das alles im David Cronenberg Look (Natali ist ein Fan, das ist kein Geheimnis)! Von mir aus könnte es immer so weiter gehen - aber es kommt halt anders. Nicht unbedingt schlechter, aber anders.

Während zunächst Elsa Muttergefühle für das Geschöpf entwickelt, wendet es sich später zusehends Clive zu und der Film mutiert zu einer Art "Gen-Unfall Ménage à trois", mit allem, was dazu gehört: Sex, Liebe, Eifersucht, und, äh, Mord. Für den durchschnittlichen Blutlecker ist das natürlich ein herber Schlag ins Gesicht. Der Film wirkt fast wie ein französisches Beziehungsdrama mit zum Ende hin wieder hoch schraubendem Horror Einschlag, ziemlich skurril, teilweise auch nervig, aber meiner Meinung nach mit einigen faszinierenden Momenten - die Mutation des Wesens ist schließlich längst noch nicht abgeschlossen! Zuviel zu verraten wäre hier fehl am Platze, ein paar gemeine Überraschungen hat SPLICE nämlich durchaus noch zu bieten.

Mit Natalis Film verhält es sich so ein bißchen wie mit Ang Lees HULK Verfilmung: Weit davon entfernt, perfekt zu sein, ist es dennoch ein exotisches Vergnügen, eine etwas seltsame Mischung aus ernsthaftem Drama und Schauwert-bedienendem Genrefilm. Aber das ist in den Zeiten von TRANSFORMERS durchaus etwas besonderes!

(REC )2, Spanien 2009, Regie: Jaume Balagueró / Paco Plaza

2010-03-31T16:01:00.023+02:00

Fantasy Film Fest Nights 2010, die Erste:
Ohne Fleiss kein Preis: Statt durch Untote mußte man sich mal wieder durch speckige, miefende, Fantasy Film Fest 1998 T-Shirt tragende Nerd Leiber kämpfen um in das diesmal etwas zu klein geratene Kino zu gelangen...egal, Waffe geladen und ab geht's!

Wir erinnern uns: (REC) war dieser gelungene kleine, im Fahrwasser von BLAIRWITCH PROJECT und CLOVERFIELD schwimmende Realo Zombiethriller mit dem Fernsehteam, welches eigentlich nur Feuerwehrleute auf einem Einsatz begleitet, dann aber in einem Mietshaus in eine handfeste Zombie Epidemie hineinstolpert. Natürlich mit den wie üblich tödlichen Konsequenzen! Alles klar? Gut.
Wackelige, zusammenbrechende Videobilder, eine beeindruckende Soundkulisse und garstige Überraschungen: Spaniens Horrorspezialist Jaume Balagueró (THE NAMELESS, DARKNESS) hat aus dieser einfachen Story einen packenden Egoperspektiven-Schocker gezaubert, der zudem mit einem wirklich unheimlichen, im Nachtsichtmodus gefilmten, Finale aufwarten kann! Die Leute rannten zu Massen ins Kino und schreiend wieder heraus, die Amerikaner bastelten ganz flott ein ganz mieses Remake und eine Fortsetzung des Originals wurde quasi sofort in Angriff genommen!

(REC)2 knüpft denn auch direkt an den gelungenen Erstling an und drückt von Anfang an ordentlich aufs Gaspedal: Mit einer Spezialeinheit dringen wir in das völlig abgeriegelte Haus ein, die Situation soll unter Kontrolle gebracht und das Gebäude gesichert werden. Was im ersten Teil bereits angedeutet wurde, wird nun geschickt ausgearbeitet: Der mitgekommene Priester verklickert den traumatisierten Polizisten, daß sie es nicht mit ordinären Zombies sondern mit Besessenen (!) zu tun haben und das um jeden Preis der Ursprung des Bösen, das besessene Monster-Mädchen aus dem ersten Teil, lokalisiert werden muß- am besten mitsamt Blutprobe. Das stösst nicht auf sehr viel Gegenliebe innerhalb der Truppe, aber es ist eh zu spät: Die Hölle bricht los!

Gerade dieser übersinnliche Faktor sorgt bei (REC)2 für das nötige Salz in der (Blut-)Suppe: Kreuze kommen zum Einsatz, es wird ein bißchen exorziert und ein fieses Dämonenkind krabbelt an der Decke entlang. Und auch der Nachtsichtmodus kommt wieder zum Einsatz: In einer der gelungensten Sequenzen macht er Dinge sichtbar, die dem Auge des Betrachters sonst verborgen geblieben wären! Zusammen mit der hysterischen Kameraführung und tiefsten Terrorbässen, bekommt man das filmische Äquivalent einer richtig wilden Geisterbahnfahrt geboten! Nur im Mittelteil, als eine Gruppe Jugendliche zu den Profis stösst, gerät der Film kurz ins Straucheln, fängt sich aber dank guter Darsteller recht schnell wieder, um dann seinem cleveren Finale entgegen zu jagen. Sehr viel Substanz oder gar Tiefe bietet das Gezeigte nicht, aber das ist in diesem Falle auch völlig egal: Der Film ist dreckig, schnell und durchaus für ein, zwei Gänsehäute gut, ein großer Spaß und am besten in einem Kino mit dickstem Soundsystem zu geniessen!

MOON, GB/USA 2008, Regie: Duncan Jones

2010-01-07T15:08:00.010+01:00

Der alte Feind, die Einsamkeit. Schon viele Filme setzten sich mit den zermürbenden Folgen langer Isolation von der Aussenwelt auseinander- aber nur sehr wenige so gekonnt wie Duncan Jones Erstling MOON.

Sam Rockwell spielt den Weltraum Malocher Sam Bell, welcher bereits seit drei Jahren auf dem Mond festsitzt, um die Förderung eines wichtigen Minerals zu überwachen. Sein einziger Gefährte ist Roboter Gerty (im Original von Kevin Spacey gesprochen) welcher seine Empfindungen durch Emotikon Gesichter ausdrückt. Der Zahn der Zeit hat schon übel an Sams Psyche genagt, er führt Selbstgespräche, bastelt seit Ewigkeiten an einem Modell seiner Heimatstadt herum und zeigt alle Zeichen eines nahenden Hüttenkollers. Der Mann will nach Hause, zu hübscher Frau und Kind! Aber niemand erhört ihn. Immer wieder erscheint ihm das Bild eines hübschen Mädchens, was schließlich zu einer fatalen Kollision mit einer Erntemaschine führt. Doch er wird gerettet. Und als er später auf der Krankenstation von Gerty geweckt wird, und sich erneut auf den Weg zur Unfallstelle macht, findet er einen bewusstlosen Fahrer in dem Mondvehikel. Sich selbst. Seinen Klon.

Dieser erste größere Twist des Films kommt nicht allzu überraschend daher, aber im Gegensatz zu einem M. Night Shyamalan, welcher einen ganzen Film nur darauf hinarbeiten lassen würde, nutzt Regisseur Jones diese Idee nur als Ausgangsbasis für sein packendes Science Fiction Drama.
Betrachtet man den Film, kommt einem öfter Douglas Trumbulls Hippie Science Fiction Klassiker LAUTLOS IM WELTALL in den Sinn. War es damals Bruce Dern, welcher eine innige Beziehung zu drei kleinen Robotern führte und der Einsamkeit der Sterne trotzte, so stellt auch Sam Rockwell hier einen typischen "working man" des Weltraums dar. Er ist im Grunde ein Farmer, der Tag ein, Tag aus seinem Job nachgeht. Allein. Größter Feind: Die Langeweile. Der Film nutzt diese Ausgangsposition für einige interessante philosophische und psychologische Betrachtungen, ohne den Spannungsaspekt aus den Augen zu verlieren.

Ein cleveres, realistisch anmutendes Design trägt sehr dazu bei:
Sams Welt ist weit von den sauber-sterilen Räumlichkeiten des STAR TREK Universums entfernt. Eher kommen einem die realistisch anmutenden, von Gebrauchsspuren übersäten, Innenräume von ALIEN oder OUTLAND in den Sinn: Seine Wohnecke ist mit Fotos von daheim übersät, Gerty ist mit Post Its und Kaffeespritzern übersät...es gibt nicht viele Sets, aber diese sind mit großer Liebe zum Detail gestaltet und leben förmlich. Die Raumstation und Gerty, der Roboter, sind ebenfalls eigenständige Charaktere und lenken den Zuschauer erfolgreich davon ab, sich neunzig Minuten nur auf den Hauptdarsteller zu konzentrieren. Inspiriert war man dabei vom sozialkritischen, realistisch gehaltenen Look des Science Fiction Kinos der siebziger Jahre: Vom Styling der Räumlichkeiten bis hin zu den diversen Grafiken glaubt man fast, einen verloren gegangenen Mini-Klassiker des Genres vor sich zu haben.

Sam Rockwell, ein sehr vielfältiger Schauspieler, welcher sowohl im Mainstream (demnächst: IRON MAN 2!) als auch im Independent Bereich unterwegs (CHOKE) ist, liefert hier wohl die beste Darstellung seiner Karriere ab- die schwierige Aufgabe, "Zwillinge" darzustellen, bewältigt er mit Bravour und schafft es, zwei sehr unterschiedliche Individuen zu etablieren. Und knüpft damit locker an Jeremy Irons Doppelrolle in Cronenbergs Meisterwerk DIE UNZERTRENNLICHEN an! Da es sich fast gänzlich um ein Ein-Personen Stück handelt, trägt er die Last des gesamten Filmes auf seinen Schultern und schafft es, den Betrachter bei Interesse zu halten. Unterstützt von einer straffen Regie, die an dem Film kein Gramm Leerlauf zuviel lässt.

MOON ist einer der homogensten und in seiner Aussage schönsten Science Fiction Filme der letzten Jahre. Ein packendes Ein-Mann Drama auf dem Erdtrabanten.

2009-12-03T17:03:00.014+01:00

PLAGUE TOWN, USA 2008, Regie: David Gregory

Eine äussert angenehme Überraschung kam mir gestern zuteil: Die Sichtung von David Gregorys stimmungsvollem Schocker PLAGUE TOWN. Einige Stimmen der Fachpresse hatten sich ja bereits positiv über dieses Hinterwäldlerdrama geäussert, und ja, ich muß sagen, Gregory verfehlt seine Ziele nicht. In der Tat fühlt man sich an die irreale, alptraumartige Atmosphäre erinnert, welche nur die atmosphärischen Grusler vergangener Zeiten, sprich der siebziger und frühen achtziger Jahre, verströmten. Und das ist für einen günstig produzierten Wald- und Wiesenhorror durchaus eine Auszeichnung!

Die Story passt natürlich auf einen Bierdeckel: Eine junge amerikanische Familie (Vater, neue Ehefrau, verhaltensgestörte Gruftitochter, ihre Schwester, die Zicke, und deren neuer britischer Urlaubslover) macht sich, aus therapeutischen Gründen sozusagen, auf den Weg ins wilde, urwüchsige Europa, sprich: England, um dort zu kitten, was noch zu kitten ist. Das geht natürlich kräftig daneben und die Truppe strandet, den letzten Bus verpassend, im saftig-grünen Hinterland. Bereits in der Anfangssequenz wurde etabliert, daß dort nicht alles koscher abläuft, denn der Fluch des Blutes grassiert in dieser Gegend...

...und das Resultat sind Inzucht-geschädigte, WIRKLICH unheimlich aussehende Kinder und Teenager, welche eine ganz andere Auffassung vom Spielen haben, als Sackhüpfen oder Eierlaufen! Es kommt zu ersten Feindkontakten, in denen Dad die obere Häfte seines Kopfes einbüsst und Ma empfindlich von einer Radkappe geküsst wird! Regisseur Gregory inszeniert diese Gewalthappen gekonnt, des öfteren entfuhr mir ein "Uhhhhh" ob der realistischen "Nachfühlbarkeit"- hier sind keine übernatürlichen Monster am Werke und eine zerfetzte Wange kann man sich eher vorstellen als ein Monstertentakel im Hirn! Aber PLAGUE TOWN ist nicht nur hohler Splatter. Atmosphäre ist hier alles, die gute Kamera und eine unheimliche Geräuschkulisse aus Stöhnen und Kichern im dunklen Tann sorgen für die wahrhaft unheimlichen Momente. Ganz zu schweigen von den Kindern, deren verstörendes, nicht allzu abgehobenes, Make Up wirklich gelungen ist!

Sieht man mal von den nicht gerade grandiosen, eher zweckmäßigen, darstellerischen Leistungen und der simplen Story mal ab, bekommt der geneigte Fan hier einen der feinsten Independent Schocker der letzten Zeit geboten- all jenen, die gelangweilt sind von Emo Vampiren, Folterknechten und Slasher Dumpfbacken, sei dieses Kleinod wärmstens empfohlen!

2009-12-02T16:16:00.012+01:00

GESETZ DER RACHE (LAW ABIDING CITIZEN), USA 2010,
Regie: F. Gary Gray

Der Rachethriller, ein Genre, welches vor allem in den Siebzigern durch den gewaltigen Erfolg von EIN MANN SIEHT ROT begründet wurde, eigentlich aber den guten, alten Western in die kalten Straßenschluchten der Großstadt transportiert, erlebt ja nun schon seit einiger Zeit so eine Art...Wiederentdeckung. Bekannte Recken wie Kevin Bacon (in dem erstaunlich gelungenen DEATH SENTENCE) oder Jodie Foster (in dem nicht ganz so dollen DIE FREMDE IN DIR) schultern die Bleispritze und räumen mit dem Kroppzeugs auf! Da schnalzt die CITY COBRA mit der Zunge! Exploitation Himmel!

Wie man etwas so Simples wie die Geschichte einer Rache (Bilderbuchfamilie geniesst die Idylle, böse Buben sind neidisch, machen Bilderbuchfamilie platt, einer von denen kommt davon und rächt, rääächt, räcccchhhhtttt!) in den Sand setzen kann- tja, das beweist F. Gary Grays GESETZ DER RACHE. Dabei fängt das Drama gar nicht so schlecht an: Die Optik stimmt, die Besetzung ist gut und der Härtegrad für einen 16er Film erstaunlich ausufernd...dummerweise gibt es keinen einzigen sympathischen Charakter in diesem Film. Gerard Butler als Rächer Clyde Shelton geniesst zu Beginn unser vollstes Mitleid, mutiert dann aber irgendwann zum Massenmörder, der auch Unschuldige aus dem Weg schafft. Jamie Foxx als sein Gegner, der Anwalt Nick Rice, spielt eh nur noch mit Autopilot, zudem ist sein Charakter ein eingebildeter Fatzke sondergleichen...und der ganze Rest eigentlich nur Kanonenfutter. Welches dann auch mitunter recht drastisch aus dem Wege geräumt wird!

Womit wir beim albernen Teil des Films gelandet sind. Die Erklärung, weshalb Shelton fähig ist, solche SAW-esken Fallen zu entwickeln, ist dermassen beknackt, wir konnten uns ein Kichern nicht verkneifen! Und dann noch die Auflösung....es...muß raus... wer den Film noch sehen will, bitte nicht weiterlesen....

SHELTON IST EIN QUASI GOTTGLEICHER SUPERTÜFTLER VOM GEHEIMDIENST, SEIN GEHIRN IST ÜBERALL, SELBST DIE KNASTWÄNDE KÖNNEN IHN NICHT AUFHALTEN: DA ER DEN VERDAMMTEN LADEN KOMPLETT UNTERTUNNELT HAT UND MIT TOLLEN VERKLEIDUNGEN ÜBERALL UNHEIL STIFTEN KANN. JA, UND ES GIBT SOGAR EINE ART BAT CAVE. UND TRARA: JAMIE FOXX MUSS SICH AM ENDE DIE HÄNDE WORTWÖRTLICH SCHMUTZIG MACHEN.

An sich wäre das alles ja kein Problem. Aber der Film nimmt sich so verflucht ernst. Gibt sich so verflucht kritisch und seriös. Und das ist sein DEATH SENTENCE.

2009-11-02T10:15:00.009+01:00

PARANORMAL ACTIVITY, USA 2007, Regie: Oren Peli

Da ist er. Gedreht für 11.000, Einspiel bis heute: 7o.000.000 Dollar. Tendenz steigend. Der neueste, der heisseste Scheiss. Aber eigentlich dann doch nicht. Wie so oft. Als Fan von Mockumentarys (Pseudo-Dokus) schaue ich mir aber natürlich jeden neuen Erguss an.

PARANORMAL ACTIVITY, eigentlich schon 2007 entstanden, von Paramount eingekauft und dank einer ausgeklügelten Vermarktungskampagne zum Monsterhit avanciert, ist im Grunde ein solider Amateurfilm, durchaus clever gemacht- aber im Grunde ein Film für die Videothek. Und wieder einmal ein Beispiel dafür, daß gute Werbung im wahrsten Sinne des Wortes Gold wert ist.

Ein paar Worte zur Minimal-Story: Ein junges Pärchen wird in seinem amerikanischen Suburbia Traumhaus von unheimlichen Phänomenen heimgesucht. Seltsame Geräusche, Stimmen und das Gefühl einer fremden Präsenz lassen vor allem Katie (Katie Featherston) keine Ruhe finden. Ihr Freund Micah (Micah Sloat), ganz der Skeptiker, installiert Video Equipment, um den Störenfried bei seinen Nachtaktivitäten aufzuzeichnen. Was ihm dann zum Entsetzen aller schließlich sogar gelingt...

Diese Videoaufzeichnungen des Schlafzimmers, verteilt über den ganzen Film, sind es dann auch, die einem im Gedächtnis bleiben. Passiert die ersten Nächte scheinbar fast gar nichts, so steigern sich die "Attacken" zum Ende hin merklich. Hier gelingen Regisseur Peli einige schön unheimliche Momente, welche die klassischen Angstvorstellungen vor der Dunkelheit gekonnt durchspielen. Anfangs subtil (Katie schlafwandelt und steht zwei Stunden am Bett, geht dann einfach fort und verschwindet in der Dunkelheit), später in puren Terror umkippend (die Decke wird weggezogen und etwas Unsichtbares packt die Schlafende, zieht sie vom Bett) wird das Videomaterial zum Star des Films. Besonders gelungen: Der Zeitzähler im Bild unten rechts, welcher dem Betrachter ein gutes Gefühl für die Länge des Zeitraums gibt, unheimlich "zuckende" Vorlaufsequenzen der Schlafenden verstärken dies noch.
Das funktioniert zu 60 Prozent der Filmes recht gut, kippt dann jedoch leider irgendwann ins Alberne. So überzeugend die Darsteller ihre Rollen auch verkörpern, irgendwann fragt man sich, warum die das Haus nicht einfach verlassen. Selbst wenn der Geist sie verfolgt, mit einem Hamburger bei der nächsten belebten McDonalds Filiale könnte man das Ganze zumindest erträglicher gestalten! Zudem steigern sich die Déjà-Vu Momente, vieles hat man in anderen, besseren Filmen schon so gesehen (Beisswunden à la POLTERGEIST, Video-Schockmomente wie aus MY LITTLE EYE und die BLAIR WITCH lungert sowieso hinter jeder Ecke) und somit kann der Film den erfahrenen Freund des gepflegten Grusels auch in dieser "frischen" Form nicht mehr aus der Gruft locken.
Und das Ende? Mir persönlich war es etwas zuviel des Guten, allerdings soll es ja verschiedene Varianten geben. Überhaupt scheint sich die jetzige Version von der Originalfassung ziemlich zu unterscheiden, klingt fast, als käme diese meiner etwas subtileren Wunschvorstellung etwas näher...

PARANORMAL ACTIVITY ist ein Film wie ein kurzer Besuch in der Geisterbahn, irgendwie kennt man alles, aber es macht dann doch Spass, sich auf den Trip einzulassen. Allerdings krame ich dann doch lieber den ungleich originelleren NOROI-THE CURSE hervor.

2009-04-16T17:03:00.010+02:00

OPEN SEASON-JAGDZEIT, USA/Spanien/UK/Argentinien 1974,
Regie: Peter Collinson

Ein junges Pärchen gerät in die Fänge dreier Jäger- nicht ahnend, daß SIE auf der Abschussliste der Soziopathen stehen!

Der Krieg in Vietnam. Studentenunruhen. Die Manson Morde. Das Attentat während der Münchener Olympiade. Die siebziger Jahre boten allerlei Stoff für düstere Film Thematiken, seien es der Einbruch von Gewalt in die Normalität (Wes Cravens LAST HOUSE ON THE LEFT, Sam Peckinpahs STRAW DOGS), Selbstjustiz (Michael Winners DEATH WISH, Don Siegels DIRTY HARRY), oder die Auswirkungen des Krieges (Michael Ciminos THE DEER HUNTER). Es gab kaum eine Zeit, in der die "Bestie Mensch" derart kritisch analysiert wurde.

OPEN SEASON vereint all diese Aspekte und vermengt sie zu einem packenden Ganzen. Im Gegensatz zu anderen Filmen des durch GRAF ZAROFF-GENIE DES BÖSEN begründeten Menschenjagd Genres (INSEL DER VERDAMMTEN, HARTE ZIELE) kommt Peter Collinsons Film psychologisch schlüssig daher und konfrontiert den Betrachter mit einer Gruppe Männer, die den Krieg nur scheinbar gut überstanden haben. So wie Vietnam unter der Oberfläche des stolzen amerikanischen Bewusstseins seine Narben hinterliess (nicht umsonst versuchte man in den Achtzigern, den Krieg im Kino dank RAMBO, MISSING IN ACTION und Konsorten immer wieder zu gewinnen), so sind auch diese Veteranen Opfer ihrer Ausbildung geworden, Killermaschinen im Outfit des Biedermanns. Und die exzellenten Darsteller, ein wahres "who is who" des Siebziger Jahre Kinos, angeführt von Easy Rider Peter Fonda und gefolgt von William Holden, Richard Lynch, John Philip Law und Helga Liné tragen den Hauptteil an der intensiven Stimmung dieses selten gezeigten Thrillers. Das wohl interessanteste Werk des mit 44 Jahren leider viel zu früh verstorbenen Collinson, welcher mit seiner Karriere beim Fernsehen begann und 1969 noch einen weiteren Kulthit des britischen Kinos inszenierte: THE ITALIAN JOB, mit Sir Michael Caine, später aufgebläht neu verfilmt mit Mark Wahlberg. Kein Kommentar.

Es sind keine Blutexzesse, sondern eher eine Atmosphäre der latenten Bedrohung und Gewalttätigkeit, die aus OPEN SEASON einen Nagelbeisser machen. Und auch heutzutage, in einer Zeit, in der lasche Waffengesetze und Vereinsamung des Individuums immer wieder zu Amokläufen führen und ein "zweites Vietnam" Präsidenten in den Wahnsinn treibt, hat der Film nichts von seiner subversiven Kraft eingebüsst.

AMERICAN MONSTER (Q - The Winged Serpent), USA 1982, Regie: Larry Cohen

2009-04-16T16:17:00.006+02:00

Ritualmorde! Eine atztekische Monstergottheit! Ein cleverer Dieb und sein Riesenei! David Carradine! David Allen Stop Motion Effekte! Die Mode des Jahres 1982! Und natürlich: New York!

Larry Cohen zählt zu den umtriebigsten B-Film Regisseuren aller Zeiten und bereicherte die Bahnhofskinos dieser Welt mit legendären, durchaus sozialkritischen kleinen Kulthits wie IT'S ALIVE (Die Wiege des Bösen, 1974), GOD TOLD ME TO (1976), STUFF (Ein tödlicher Leckerbissen, 1985) oder eben Q...was ausgeschrieben für Quetzacoatl steht, denn ein einzelner Buchstabe klingt nun einmal mysteriöser! Als Drehbuchschreiber versorgte er zudem Blockbuster wie BODYSNATCHERS (1993) oder PHONE BOOTH (NICHT AUFLEGEN, 2001), sowie diverse TV Serien von THE INVADERS bis NYPD BLUE mit Material. Kurzum: Ein Hansdampf in allen Gassen, der immer wieder versucht hat, sich seine künstlerische Integrität zu bewahren, egal wie dünn das Budget auch ausfallen sollte!

AMERICAN MONSTER hatte ich das erste Mal gegen Ende der Achtziger als stark gekürzte RTL Fassung zu Gesicht bekommen- schon damals empfand ich den Film vor allem aufgrund von Michael Moriartys Darstellung des nervösen, kleinen Diebes als ganz famos! Kabel 1 reichte dann irgendwann die ungekürzte Fassung MIT den Ritualmorden nach und meine Monsterfilmsammlung war um ein kleines Highlight reicher. Der Film legt ein gesundes Tempo an den Tag und zeigt uns ein entspanntes 1982er New York, wo die Leute gern schon mal auf dem Dach ihres Wolkenkratzers die Sonne geniessen, um dann plötzlich im Vorbeiflug von einer Riesenechse schnabuliert zu werden!
Es regnet Blut und Granitgesicht David "Bill" Carradine erscheint als tapferer Cop auf der Bildfläche. Richard "Shaft" Roundtree ist sein Kollege, hat aber auch keine Ahnung. Bis den beiden Moriarty in die Hände fällt, welcher zufällig weiss, wo sich das Nest der Monströsität befindet- denn er hat gerade erst seine Gangsterkollegen an das Urviech verfüttert! Die Lage wird zusehends turbulenter, die Leichen häufen sich und am Ende kommt es auf dem Chrysler Building zum spektakulären Kampf, Mann gegen Stop Motion Echse...

Und das bereitet einen teuflischen Spaß! Der Film nimmt sich keine Sekunde Ernst, die Schauspieler sind in Top Form (besonders Moriarty ist exzentrisch bis es kracht!) und David Allens Effekte ein wunderbares Testament an diese (im Spielfilm) ausgestorbene Animationstechnik.

Ein B-Movie, wie es sein sollte: Kompakt, knackig, und höchst unterhaltsam!

FEMALE TROUBLE, USA 1974, Regie: John Waters

2009-03-16T13:35:00.011+01:00

John Waters Epos des schlechten Geschmacks ist die Geschichte der Dawn Davenport (Divine!), einem rebellischen, rauchenden, sehr übergewichtigen amerikanischem Teenager, welche zu Weihnachten NICHT die gewünschten Cha Cha Stöckelschuhe erhält, daraufhin völlig ausflippt und von zuhause ausreisst! Völlig auf sich allein gestellt, fällt sie in die falschen Hände und wird von einem fiesen Typen (Divine!) geschwängert- der Startschuss für ein Abrutschen auf die Schiefste aller Bahnen: Dawn schlägt sich als Diebin und Kopf einer Mädchengang durch, fällt einem Säureattentat zum Opfer, wird schließlich aufgrund ihrer unglaublichen Hässlichkeit verehrt und zum Medienstar erhoben, um dann am Ende zur mordenden Amokläuferin zu mutieren!

War Waters vorheriges Werk PINK FLAMINGOS eigentlich nur eine einzige Provokation, gerichtet an das Amerika der Spiesser und Intoleranten, gekrönt mit auch heute noch schockierenden Ekelhöhepunkten, so ist FEMALE TROUBLE sein erster richtiger Film, mit einer existenten Story, cleveren Dialogen und wirklich absurden Ideen. Fast das komplette Team des Vorgängers ist wieder mit von der Partie (Wurstliebhaber David Lochary, Mink Stole, "Eiermann" David Swift, und natürlich, in einem schier unglaublichen Outfit, Edith Massey) und man könnte den Film fast für eine Art Prequel zu PINK FLAMINGOS halten, wenn da nicht das doch recht endgültige Ende wäre!

Waters Abrechnung mit der Unterhaltungsindustrie ist zudem moderner denn je, hinter all dem Exzess verbirgt sich eine derb-clevere Mediensatire: Dawn Davenport ist der Zerrspiegel all jener IT-Girls, die heutzutage Fernsehen und Internet unsicher machen und würde jede "Hilfe! Ich bin ein Star" Sendung in ein zünftiges Blutbad verwandeln! Waters huldigt hier ganz dem verehrten "True Crime" Genre und lässt Erinnerungen an die "großen" amerikanischen Serienmörder aufkommen, was FEMALE TROUBLE fast schon zu einer Art Vorgänger von Killersatiren wie NATURAL BORN KILLERS werden lässt. Nun ja, fast zumindest!

Marc Ewert

SCANNERS, Kanada 1981, Regie: David Cronenberg

2009-02-11T12:40:00.012+01:00

Ich kann mich noch genau an die Bilder erinnern: Als kleiner Bub, irgendwann Anfang der Achtziger Jahre, beeindruckten mich die Kinoaushänge und Plakate dieses Klassikers immens. Uiuiui, daß mußte einer dieser bösen Filme sein...

Nach seinem cleveren kleinen Ekelklassiker SHIVERS (Parasitenmörder, 1975), dem Mutationsschocker RABID (Überfall der teuflischen Bestien, 1977), der unscheinbaren Rennsport-Oper FAST COMPANY (1979) und dem unheimlichen THE BROOD (1979) führte David Cronenberg seine Reihe von „Körperhorror“-Filmen fort und explodierte mit SCANNERS förmlich auf die Leinwand. Der Film war ein ziemlicher Erfolg und machte ihn erstmals bei einem internationalen Publikum bekannt, was unteranderem daran lag, daß er Anfang der Achtziger auf der hippen „Blutwelle“ mitreiten konnte. Filme wie FREITAG, DER 13te oder ZOMBIE spielten Millionen ein und weckten ein Interesse an noch nie zuvor gesehenen Make Up Illusionen, Maskenbildner wie Dick Smith (welcher auch für SCANNERS verantwortlich war), Rick Baker, Rob Bottin oder Stan Winston wurden zu gefeierten Stars der Szene und Magazine wie Fangoria oder Cinefex fanden ein begeistertes Publikum...

Wie in einigen anderen Filmen des Regisseurs führt auch hier die Experimentierfreudigkeit der Wissenschaft zu einer Veränderung bei den Kindern der Testpersonen (man denke an Contergan), welche zu körperlich normalen, aber mit besonderen geistigen Fähigkeiten ausgestatteten Super-Telekineten heranwachsen. Gejagt von einer geheimen Organisation unter Führung von Dr. Paul Ruth (Patrick THE PRISONER MacGoohan) und deren brutalem Scanner Spürhund Darryl Revok (beeindruckend: Michael Ironside), versucht Held Cameron Vale (etwas blass um die Nase: Stephen Lack) seiner Vergangenheit auf die Spur zu kommen.

Bis sich die beiden Kontrahenten schließlich am Ende in einem beeindruckenden Scanner Match gegenüber stehen!

Betrachtet man den Blutgehalt heutiger Mainstream Epen, kommt Cronenbergs Schocker schon fast dezent daher und kann zudem mit einer spannenden Story aufwarten, die auf unterhaltsame Weise Horror, Verschwörungsthriller und Science Fiction verbindet. Cronenberg orchestriert einige packende Action Sequenzen und Dick Smiths explodierende Köpfe und „Bladder“ Effekte beeindrucken noch heute- gute, alte Handarbeit, sozusagen! Kein Pixel weit und breit! Hinzu kommt ein fantastischer Soundtrack von Altmeister Howard Shore, welcher gekonnt elektronische und orchestrale Elemente verbindet.

Wer auf den Geschmack gekommen ist, kann sich übrigens auf DVD noch die zwei Fortsetzungen (ohne Cronenbergs Mitwirken) sowie diverse Spin Offs wie SCANNER COP zu Gemüte führen...welche natürlich in keinster Weise gegen das Original anstinken können!

2009-01-13T14:13:00.007+01:00

ALS DIE FRAUEN NOCH SCHWÄNZE HATTEN, Italien 1970,
Regie: Pasquale Festa Campanile

2009 geht es bei MONDO BIZARR heiter weiter: Pünktlich zum Fasching schlagen die Neanderthaler mit schlecht sitzenden Perücken in Düsseldorf ein! QUANDO LE DONNE AVEVANO LE CODA ist wohl eine der skurrilsten Softsexkomödien, die je aus dem Lande der Pasta über unsere Bahnhofskinos herein gebrochen ist! Ein fester Bestandteil der güldenen RTL "Lederhosen-Phase", konnte man dieses schier unglaubliche Werk damals des öfteren im Privatfernsehen sichten. Der kleine Marc war beeindruckt, was vor allem an der deutschen Raquel Welch (nun ja, der Vergleich hinkt vielleicht) Senta Berger gelegen hat, welche mit ihren rothaarigen Reizen die Augen der Steinzeitmenschen zum Glühen bringt! Das ist auch die Urzeit-gemäß simple Story dieser Posse: Eigentlich waren die Jungs nur auf der Suche nach "Schmackofatz", als ihnen dies überirdische Wesen über den Weg läuft! Wie heisst es so schön auf dem deutschen Plakat, "Sie suchten das Feuer und fanden den Sex!"

Bella Senta war ja damals international äusserst umtriebig (Desagnats FRÜHSTÜCK MIT DEM KILLER, Tessaris MANN OHNE GEDÄCHTNIS, Peckinpahs STEINER-DAS EISERNE KREUZ), ebenso wie viele andere deutschsprachige Recken dieser Ära, großartige Köpfe wie Herbert Fux, Udo Kier oder Helmut Berger. Obwohl die Berger schon in einigen anspruchsvollen Werken gewirkt hatte, sollte man Campaniles Film aber eher unter Jugendsünden verbuchen...einige andere bekannte Gesichter des italienischen Kinos sind übrigens ebenfalls mit von der Partie- Giuliano Gemma, attraktiver Sonny Boy aus diversen Italowestern (mein persönlicher Favorit: DER TOD RITT DIENSTAGS mit Lee Van Cleef und einem absoluten Ohrwurm Soundtrack von Riz Ortolani), sowie Frank Wolff, den es von Radley Metzgers Meisterwerk THE LICKERISH QUARTET irgendwie hierhin verschlagen hat! Regisseur Pasquale Festa Campanile war in erster Linie für seine albernen Komödien bekannt, unteranderem einige Adriano Celentano Rohrkrepierer wie DON TANGO, überraschte aber auch mit dem schier brillianten Road Movie Thriller WENN DU KREPIERST - LEBE ICH!: Franco Nero, Corinne Clery und David "Krug" Hess liefern sich hier ein Psychoduell, daß sich gewaschen hat!

Schlußendlich "Schmackofatz". Wer sich schon immer gefragt hat, wo dieses wunderbare Wort herstammt, der sollte sich diesen Film zu Gemüte führen! Auch die Synchronisation ist natürlich ein Kind ihrer Zeit und das wahre Highlight des Films- es riecht förmlich nach Rainer DIE ZWEI Brandt!

Auf in die Steinzeit! Helau!!

Marc Ewert

2008-12-22T14:18:00.011+01:00

DER GROSSE KRIEG DER PLANETEN (Wakusei daisenso),
Japan 1977, Regie: Jun Fukuda,

Im Jahre 1977 brach ein Phänomen über die Welt herein: George Lucas' KRIEG DER STERNE feierte seine Premiere und eroberte dank noch nie zuvor gesehener Spezialeffekte die Hitlisten. Da liessen die (vor allem italienischen) Nachahmer nicht lange auf sich warten und versuchten mit einem Budget von 100 Lire dem 15 Millionen Dollar Epos Konkurrenz zu machen, bzw. ihr Stückchen vom Kuchen abzuzwacken. STAR CRASH von Luigi Cozzi hat ja dank Caroline Munros Oberweite und David Hasselhoffs Föhnwelle mittlerweile einen geradezu legendären Ruf in der Trash Gemeinde aufgebaut, auch KAMPF UM DIE FÜNFTE GALAXIS mit "Beisser" Richard Kiel war ein drolliger Spass, gar nicht zu reden von den legendären Trash Bomben Alfonso Brescias!

Aber auch die Japaner schickten ihre eigenen Space Operas ins Feld- und die konnten es ja bekanntlich schon immer bunter, wilder, wahnsinniger! Altmeister Jun Fukudas WAKUSEI DAISENSO ist denn auch ein unglaublich poppiges Spektakel geworden, welches sich hinter der 1980er Verfilmung von FLASH GORDON nicht zu verstecken braucht: Psychedelica at it's best! Zwar verzichtet Fukuda (FRANKENSTEINS MONSTER JAGEN GODZILLAS SOHN) auf die Schauwerte Ornella Mutis, dafür wird das Trash verwöhnte Auge mit einer wundersamen Weltraumgaleere (!), knallbunten Laserduellen, einem schier unglaublichen Chewbacca Verschnitt und Faschings-kompatiblen Fieslingen belohnt! Ein fast schon märchenhafter Kampf des Guten gegen das ewig Gestrige, Kintopp für die ganze Familie!

Trailer für den ähnlich gelagerten STERNENKRIEG IM WELTALL, Japan Wahnsinn, ebenfalls mit Galeere und, zumindest bei meinem VHS Tape, ohne Schluss!

Fluglahm: REPTILICUS, Dänemark/USA 1961, Regie: Poul Bang, Sidney W. Pink

2008-09-23T11:15:00.006+02:00

Vor ungefähr drei Jahren weilte ich mit meiner Liebsten in Dänemark, genauer gesagt im wunderschönen Kopenhagen. Attraktive, ausgeglichene Menschen, wunderschöne, mit Liebe restaurierte Bauten, schnuckelige Cafés und Second Hand Läden lassen einen fast vergessen, daß hier einst eines der grauenerregendsten Monster der Filmgeschichte sein Unwesen trieb: REPTILICUS!
Ja, Dänemark ist nicht nur eine der Hochburgen des europäischen Kunstkinos, das Geburtsland des brillianten Dogma Lars (von Trier) und Wiege rabenschwarzer Satiren (ADAMS ÄPFEL), nein, dieses kleine, wohlhabende Fleckchen Erde kann sich auch rühmen, einen eigenen Riesenmonster Film auf die Beine gestellt zu haben! Das kann Deutschland nicht von sich behaupten- und Genre Fan Roland Emmerich hat seinen unterirdischen, überhaupt nicht lustigen Monsterheuler GODZILLA ja lieber in New York als zB. in Hamburg gedreht!

Dabei geht ja ein ganz wunderbarer Charme von all diesem Lokalcholorit aus: Blonde, rosa wangige Dänen und -innen lümmeln am Strand herum, die sommerliche Stimmung kommt schön nordisch rüber, die Blümlein spriessen....und hochdekorierte Wissenschaftler wundern sich, was eine Erdbohrung da zu Tage gefördert hat: Gewebematsch, an eine Leber mit Anhängsel gemahnend! Und es kommt noch besser- ein ganzes Schwanzstück prähistorischer Natur wird ans Tageslicht gebracht und vorerst auf Eis gelegt. Dummerweise entschlummert einer der Gelehrten wegen Überarbeitung, das Thermostat läuft Amok und der Tauprozess wird (wie weiland bei DAS DING) in Gang gesetzt. Und siehe da, oh Wunder, die Mocke lebt! "Seesternen kann man auch einen Arm abschneiden, und ein Neuer wächst heran. Plattwürmer kann man gar in mehrere Teile zerlegen, trotzdem bilden sich aus diesen neue Würmer!" Ja, die Natur steckt voller Wunder, aber auf so manch Überraschung möchte man dann doch lieber verzichten. Fast wähnt man sich in einer David Cronenberg Körperhorror Fantasie!
Es wächst und wächst und am Ende dieser Mini Evolution steht ein Wesen, welches auch einer LSD Version der Augsburger Puppenkiste entsprungen sein könnte: REPTILICUS!

(Legendäre, gekürzte Sequenz eines fliegenden Reptilicus)

Offenbar hielten die Effektmeister nicht viel von Stop Motion Animation und bewegten ihr Reptil stattdessen mit teilweise gut sichtbaren Fäden durch die Kulissen. Und Kopenhagen mit
angemalten Bierdeckeln nachzubauen, war bestimmt keine leichte Aufgabe! Aber die wahren Highlights sind eher subtiler Natur: Reptilicus scheint unter einer gewaltigen Nebenhöhlenentzündung zu leiden und wirft ständig gewaltige Mengen grünen Schleimes aus! Menschenmassen rennen durch die Strassen Kopenhagens und schwupps! legt sich eine grüne Masse über das Bild. Oder diese wunderbare Szene einer Nahrungsaufnahme: Eine dänische Bauernfamilie sitzt bei Tisch, da kommt Herr Reptilicus vorbei und gobbelt den unglaublich mies einkopierten Vater herunter...ICH LIEBE DIESEN FILM!!
Die amerikanische Version, welche von einem gewissen Sidney W. Pink optimiert wurde, mußte gar auf ein paar Effekte verzichten, und obige Flugszene durfte dank ihrer Eirigkeit weichen. Man muß allerdings dazu sagen, daß sie wirklich nicht viel schlechter als der Rest des Films abschneidet...
Kopenhagen wird zu Tokyo, als das Monster der Stadt den Krieg erklärt- und der Film zu einer Werbung für die königliche Armee. Bilder (teilweise Stock Footage) von Soldaten und Kriegsmaschinerie bestimmen nun den Film, und immer wieder rennen Menschen in Panik davon, mal von links, mal von rechts!

Am Ende wird das verwirrte Tier schließlich mit einem gezielten Schuss aus der Bazooka ins Nirvana befördert. Aber die große Freude über den Sieg will sich nicht einstellen, die Opfer waren zu groß- und das Vieh auch irgendwie ganz niedlich! Und im letzten Bild zuckt ein Stückchen Reptilicus am Boden des Meeres, leider ist es in keiner Fortsetzung zurückgekehrt. Aber vielleicht drehe ich ja Teil Zwei: In Düsseldorf, Bierdeckel bemalen kann ich auch!

(Schmankerl zum Schluß: REPTILICUS in 10 Minuten!)

2008-08-24T12:17:00.013+02:00

Freitag, 22.August, Fantasy Film Fest 2008:
100 FEET, JACK BROOKS: MONSTER SLAYER, MARTYRS

Aus zeitlichen Gründen hatte ich mir dieses Jahr nur einen Tag für das FFF reserviert, drei Filme, die einen ganz guten Querschnitt durch das Programm darstellten. Da der ganze Rest eh auf den kleinen, runden Silberlingen landen wird, muß man auch nicht das Gefühl haben, allzuviel verpasst zu haben- das Programmheft platzt auch dieses Jahr wieder vor DVD Ankündigungen!

Letztes Jahr habe ich mich für blairwitch.de in Bochum herum getrieben, dieses Jahr war wieder Köln angesagt. Leider versprüht der Cinedom nicht den Charme letzterer Location, aber die alt bekannten Gesichter vergangener Jahre liessen fast so etwas wie Heimkehrstimmung aufkommen. Die Jungs tragen sogar noch ihre Shirts vom Fantasy Film Fest 2001- zum Glück tritt man nicht in so engen Körperkontakt wie auf den beliebt-berüchtigten Filmbörsen, die Nase wird geschont..

Der erste Film, Eric THE HITCHER Reds 100 FEET, stellte sich so denn als angenehme Überraschung heraus: Ein geradezu klassischer, schnörkelloser Geisterfilm mit einer hervorragend aufgelegten Famke Janssen in der Hauptrolle. Und einem Suspense Twist, den wir bereits aus der FENSTER ZUM HOF Variante DISTURBIA kennen: Marnie (Janssen) kehrt nach dem Tod ihres Mannes (B-Movie Recke Michael Paré) in ihr altes Stadthaus zurück. Jahrelang seinen Misshandlungen ausgesetzt, hatte sie ihn in Notwehr erstochen- und ist nach einem Gefängnisaufenthalt nun zu Hausarrest verdammt. Eine elektronische Manschette sorgt dafür, daß sie sich nur innerhalb eines Radiusses von 100 Fuss bewegen kann, ein Übertreten der Grenze löst einen Alarm aus, der bereits nach wenigen Minuten die Polizei zur Stelle ruft.
Allein in einem alten, in jeder Ecke knarzenden Haus...wo vor nicht allzu langer Zeit ein Mord geschehen ist. Und der nach Rache dürstende Geist des Gatten sein Unwesen treibt: Was mit knarzenden Dielen und Bewegungen im Dunkeln beginnt (immer begleitet von John Frizzels gelungener, düsterer Klangwelt) wird schon bald zu einem handgreiflichen Kampf ums Überleben. Wie zu alten POLTERGEIST Zeiten fliegen Gegenstände durch die Gegend und Marnie muß so einiges einstecken...was im Splatter Highlight des Films mündet, der wortwörtlichen Zerschlagung der erblühenden Romanze mit dem netten Jungen aus der Nachbarschaft. Ein Moment, der durchaus in einem Atemzug mit Jennifer Jason Leighs niederknüppelndem Ende in THE HITCHER genannt werden kann!

Eric Red baut die Spannung gekonnt auf, um dann gegen Ende noch einmal richtig in die Vollen zu gehen. Der Schluß ist wie bei fast allen Geisterdramen etwas unbefriedigend, aber im großen Ganzen unterhält 100 FEET dank gelungener Technik und überzeugender Darsteller ganz famos!

Kleine Pause, und weiter ging's! JACK BROOKS: MONSTER SLAYER stand auf dem Programm. Ehrlich gesagt hatte ich wirklich keine großen Erwartungen in diesen Film gesteckt, wurde aber auch hier angenehm überrascht. Eine simple Story (junger Klempner mit Aggressionsproblemen nach einer traumatisierenden Monsterattacke in der Kindheit muß sich mit einem alten japanischen Monstrum herumschlagen) wird dank guter Handarbeit (erstaunlicherweise kein CGI weit und breit), netten Gags und skurrilen Charakteren (besonders der stetig mutierende Robert Englund hat sichtlich Spaß an seiner Rolle) zu einer netten achtziger Jahre Monsterfilmhuldigung. Gegen Ende geht dem Spektakel mit steigendem Matschfaktor etwas die Luft aus, aber für einen netten DVD Abend im Kreise von Gleichgesinnten reicht es allemal!

Was man vom letzten, und besten Film des Abends nicht unbedingt behaupten kann. Den netten DVD Abend verlebt man mit diesem neuen Werk der französischen "harten Welle" definitiv nicht, dafür wird man ihn aber auch so schnell nicht vergessen. Punkt. Im Vorfeld wurde ja bereits viel gefaselt, Leute verliessen angeblich in Scharen das Kino, andere brachen direkt zusammen...der Film wurde in einem Atemzug mit hohlem Folterdreck wie HOSTEL genannt und war seit längerem mal wieder ein Werk, welches in Frankreich eine 18er Freigabe erhalten sollte, dann aber doch ohne Schnitte ab 16 in die Kinos gelangte. In Deutschland wird er wohl nicht so viel Glück haben.

MARTYRS ist eine Meditation über die Gewalt. Beeindruckend rund, von einem technischen wie darstellerischen Standpunkt, wirkt der Film eher wie ein düsteres, unglaublich brutales, aber fast schon lyrisches Arthouse Kammerspiel mit David Cronenberg Optik. Könnte ich mir auch gut als Theaterstück vorstellen.
Interessant strukturiert, erzählt MARTYRS in der ersten Hälfte die Geschichte einer Rache: Eines Tages steht die junge Lucie (intensiv: Mylène Jampanoi) mit gezückter Schrotflinte vor der Tür einer Bilderbuchfamilie. Als ihre Freundin Anna (Morjana Alaoui) eintrifft, um sie aufzuhalten, sind bereits alle tot. Lucie wurde vor Jahren von Fremden in einem entlegenen Fabrikgebäude übelst misshandelt. Zwar gelang ihr die Flucht, aber die Traumata haben sie nie los gelassen und nun glaubt sie, ihre Peiniger ausfindig gemacht zu haben. Aber erst nach Lucies Selbstmord und der Entdeckung einer geheimen Luke und unheimlichen, sterilen Kellerräume mit einem weiteren Folteropfer, weiss Anna, das ihre tote Freundin immer Recht hatte. Aber es ist bereits zu spät...
Nun beginnt die zweite Hälfte des Films. Anna gerät in die Gewalt einer bizarren Gruppe, die sich vom unendlichen Leid des Märtyrers einen Blick jenseits der Barrieren des Jenseits erhofft...

Und gerade diese zweite Hälfte des Films dürfte für den schon jetzt berüchtigten Ruf des Films verantwortlich sein. Gerade die Mischung aus Niedertracht und realistischer Grausamkeit macht es für den Betrachter schwierig, hinzusehen. Die Verwandlung eines hübschen Mädchens in etwas Entstelltes, quasi Animalisches. Dabei geht der Film erst gegen Ende über das bekannte "Guantanamo" Mass hinaus- man kann sich sehr gut vorstellen, daß in finsteren Verliessen, irgendwo auf der Welt, Menschen wegen eines Verdachts oder einer Überzeugung zu Tode geprügelt werden. Schlafentzug, Flüssigkeitsentzug, Degradierung, ein Großteil der Grausamkeiten des Films wird immer noch von Menschenhand ausgeübt. Morjana Alaoui als Anna leistet Unglaubliches und der kühlen Regie Pascal Laugiers ist es zu verdanken, daß der Film nicht in eine dumme, spekulative Richtung à la GUINEA PIG abgleitet, sondern den Betrachter wirklich zum Nachdenken und Diskutieren anregt. Auch wenn das Thema Folter oder Gewalt lautet. Dies ist ein Werk für ein denkendes Publikum (mit starken Nerven) und durchaus eine intellektuelle Herausforderung, wie sie auch berüchtigte Filme wie DIE 120 TAGE VON SODOMH, von Pasolini, oder IRREVERSIBEL von Gaspar Noé darstellten. Auch MARTYRS respektiert seine Opfer, und hält der Menschheit den Schmutz befleckten Spiegel vor- um schließlich mit einem eigenartig lyrischen, fast schon ironischen Ende in die Tiefe zu rasen.

2008-08-21T18:40:00.010+02:00

Ein Abend mit Rainer Brandt

Buio Omega, der geheime Filmclub, immer für Überraschungen gut, konnte auch dieses Jahr mit einem ganz besonderen Stargast aufwarten, welcher sich nahtlos in eine Reihe von Größen wie Doris Wishman, Franco Nero oder Paul Naschy einfügte- wunderbaren Menschen, die aus dem internationalen Exploitationkino längst nicht mehr wegzudenken sind! Diesmal war es Synchronpapst Rainer Brandt, welcher mit seiner prachtvollen Erscheinung die wunderschöne Gelsenkirchener Fussgängerzone beehrte!

(Ebenfalls freudig erregt: Die Gosejohanns.)

Das Kino war geradezu prall gefüllt, die ganze Schose wurde gar in einen anderen Saal verlegt, und meine tapferen Mitstreiter Christian R. und Wolfgang P. und ich harrten gespannt der Dinge, die da so lauerten. Ein multimedialer Abend sollte es werden, Rainer im Interview, immer wieder unterbrochen von authentischen deutschen Kinotrailern der vergangenen Tage...

(Verdammt gespannt: Christian "Splatting Image" Kessler.)

Und dann war es so weit, der Maestro und seine zwei Interviewer (der nette junge Herr, welcher immer die Ankündigungen spricht und ein nasses Handtuch namens Bobby Peru, selbst ernannter, größter Rainer Brandt Kenner des Universums) betraten die Bühne und die Meute brach in ein gewaltiges Klatschgewitter aus, da war kein Halten mehr! Rainer, sichtlich gerührt, versuchte den Geräuschpegel zu senken, dies gelang aber erst nach einiger Zeit...und dann ging es los!

Und was soll ich sagen: Der Mann hat nix von seinem Esprit verloren! Die Stimme von, unteranderem, Elvis Presley und Jean Paul Belmondo schöpfte aus dem Vollen und der Kinosaal ging auf eine Zeitreise, von den Fünfzigern bis in die güldenen Achtziger! Von seiner Karriere als Schauspieler (yip, der Mann hat eine zünftige Ausbildung!) bis zu den ersten Synchronjobs für obigen Hüftschwinger, den Italowestern und dem Durchbruch als Dialogschreiber und Sprecher von DIE ZWEI. Interessant dabei: Rainer, ein waschechter Berliner, hat wirklich so eine koddrige Schnauze und er bezeichnete die teilweise schon fast surrealen Dialoge dieser Serie als Mischung aus Berlinerisch, Jiddisch und Kneipengespräch, eine eigene Sprak, die er sich im Laufe der Zeit erarbeitet hatte (und für die er auch berühmt-berüchtigt war, denn man sollte erwähnen, das er mindestens genauso viele Filme mit seiner Synchro in den Abgrund riss!).

Bud Spencer und Terence Hill profitierten ja ebenfalls von seinen in alle Richtungen davon fliegenden Worthülsen und er erzählte von der Synchroarbeit in den Siebzigern, als es wohl noch gang und gäbe war, europäische (vor allem italienische und französiche) Filme vor Ort, zB. in Cinécitta abzumischen und Einfluss auf den Soundmix zu nehmen...so lernte er unteranderem auch Sergio Leone kennen, Belmondo natürlich auch, phantastische Geschichten, es klingt fast zu schön, um wahr zu sein- David Lean rief ihn an, um ihm zur Synchro von DIE REISE NACH INDIEN zu gratulieren, und Pierre Richard verhalf er mit der Synchro von DER GROSSE BLONDE MIT DEM SCHWARZEN SCHUH zum Erfolg...egal ob Synchrolatein, oder nicht, der Mann kommt so schön schnoddrig und charmant rüber, das Gelsenkirchener Publikum frass ihm aus der Hand!

Seit Mitte der Siebziger mit seinem eigenen Synchronstudio vertreten, konnte Herr Brandt natürlich auch so einige Indiskretionen über die Kollegenzunft ablassen, was sich ebenfalls als äusserst unterhaltsam herausstellte: Dem Alkohol scheint dieses Berufsbild ja nicht gerade abgeneigt zu sein! Toll oder auch erschütternd, die Geschichte von Kollege X, welcher im Vollrausch Selbstmord begehen wollte und bei einer Bekannten aus dem Fenster der Parterrewohnung sprang...

Und so neigte sich ein famos bunter Abend langsam dem Ende, nach über zwei Stunden in der Wärme hatten wir unseren Rainer Brandt Durst gestillt und ignorierten die große Signierorgie geflissentlich, ebenso den darauf folgenden Belmondostreifen (die kann ich eh' noch singen!).
Der Mann ist fürwahr unerschütterlich, ein echtes Unkraut vergangener Tage, und man fragt sich schon, wie ein öder Michael Bay Stinker mit gossenhafter Rainer Brandt Synchro aussehen würde!

Drum stimmen wir an: "Rainer, Rainer, keiner kann's wie Rainer!"

2008-06-14T17:00:00.006+02:00

THE SIGNAL, USA 2007,
Regie: David Bruckner, Dan Bush, Jacob Gentry

Einer der interessantesten Horrorfilme des letzten Jahres ist in den Staaten mittlerweile auf DVD erschienen: THE SIGNAL surft auf faszinierende Art und Weise mit den Gefühlen des Betrachters herum, und kippt von Terror in schwarzen Humor, von Paranoia in blutgetränkten Horror. In meinem blairwitch.de Artikel zum Film habe ich mich schon ausführlich über die rätselhafte Handlung ausgelassen: Ein seltsames Signal, übertragen durch Fernsehen, Radio oder Telefon verwandelt die Menschen in Instinkt gesteuerte Bestien, die Gesellschaft bricht völlig zusammen und ein junges Liebespaar versucht dem ausbrechenden Chaos zu entkommen, jeder auf seine Art und Weise...

Die amerikanische DVD von Magnolia Pictures kommt mit einigen hübschen Extras daher, die den Film tatsächlich noch mehr aufwerten und dem Betrachter die Liebe, mit der die drei jungen Regisseure ans Werk gegangen sind, deutlich macht. Obiges Kurzfilmchen ist eine von insgesamt drei Webisodes, die im wahnsinnigen Universum von THE SIGNAL spielen, und den Ausbruch der "Krankheit" in verschiedenen Varianten präsentieren. Dieser Film ist denn auch der Beste, auch wenn alle sehenswert und hervorragend gedreht sind- zum praktischen Vergleich sind sie komplett auf der DVD enthalten.
THE HAP HAPGOOD STORY ist eigentlich ein Kurzfilm, der von Jacob Gentry für das 48 Hour Film Festival gedreht wurde, nun aber als Fragment am Anfang von SIGNAL zu betrachten ist. Dieser ist ebenfalls in voller, zehn minütiger Länge auf der DVD enthalten, ist aber eher für Komplettisten interessant (zwei Darsteller aus dem Hauptfilm wirken hier ebenfalls mit). INSIDE TERMINUS: THE MAKING OF THE SIGNAL ist eine schöne, kleine Doku, die trotz kurzer Spielzeit randvoll mit wertvollen Informationen gepackt wurde, jederder drei Regisseure erklärt seine Tricks und man erfährt, wie man Leute effektvoll köpft, ohne zu tief in die Tasche zu greifen, oder mit möglichst wenig Aufwand Autounfälle inszeniert! Ein paar geschnittene Szenen, das Signal selbst und ein Audiokommentar runden das gelungene Paket ab.

Und ist diese Version des Hauptfilms jetzt anders als die noch recht unbearbeitete Fassung, die letztes Jahr auf dem Fantasy Film Fest lief? Sie sieht jedenfalls besser aus, ansonsten sind mir keine großen Schnittänderungen aufgefallen, sogar die Gewalt blieb unangetastet.

THE SIGNAL ist selbst nach dem zweiten Ansehen noch ein faszinierendes Stück Independent Kino. Eine stetig wachsende Kultgemeinde sei ihm gewünscht!

2008-04-14T14:05:00.014+02:00

PINK FLAMINGOS,

USA

1972, Regie: John Waters

Wird man heutzutage dank der Jungs von JACKASS oder SCARRED an jeder Ecke mit Tabubrüchen traktiert, so war es früher noch etwas wirklich erlesenes und besonderes, wenn ein fetter Mann im Frauenfummel ein warmes Stück Hundekot in seinen Mund schiebt. Kaut. Und schluckt. Eine Szene, die PINK FLAMINGOS mit einem Schlag in die Gazetten brachte. Und in Deutschland ist er bis heute nicht auf DVD erschienen. Was aber wohl eher an einer Art Rechteproblematik liegen sollte.

Dieser Film ist fürwahr legendär. John Waters. Der Regisseur. Ein Mann, der unteranderem dank der Simpsons endgültig in den Olymp der Kultpersönlichkeiten gehievt wurde! Jene wunderbare Episode, in der Homer befürchtet, dass Bart schwul wird- weil er sich eben mit diesem seltsamen John angefreundet hat. Aber am Ende siegt (in der Realität oft leider nicht) die Menschlichkeit, und die verschwitzten, muskulösen Stahlarbeiter Amerikas singen YMCA... John Waters, der Mann, der den Spagat von fast pornographischem Trash bis zum Broadway und in den Kino Mainstream hinein schaffte. HAIRSPRAY als Big Budget Extravaganz mit John Travolta als dicker Vettel- wer hätte das gedacht?!

John Waters bekannte sich bereits zu einer Zeit zu seinem Schwul-Sein, als dieses in gewissen Gegenden noch mit Teeren und Federn geahndet wurde. Und nicht nur das: Dieser Typ, mit einer Vorliebe für alles, was irgendwie kitschig (schrille Accessoires) oder geschmacklos (Charles Manson) ist, dreht Filme, die man durchaus als grenzüberschreitend bezeichnen kann. Nach diversen experimentelleren Kurzfilmen (HAG IN A BLACK LEATHER JACKET (1964); ROMAN CANDLES (1966); EAT YOUR MAKE UP (1968)) folgte 1969 sein erster abendfüllender Film MONDO TRASHO. Mit von der Party: Seine seit ROMAN CANDLES etablierte Dauermuse Divine, ein schwer gewichtiger Transvestit, welcher in PINK FLAMINGOS die Rolle seines Lebens spielen sollte. MONDO TRASHO beschreitet bereits die Wege, für die Waters in den siebziger Jahren berühmt-berüchtigt werden sollte- eine schräge Handlung mit noch seltsameren Charakteren, die geschmacklose Dinge vollführen, trifft auf eine schon fast Dogmatische Machart. Je billiger desto besser. Waters filmt auf 8 und 16 mm an realen Schauplätzen, meistens in Baltimore, zu Naturlicht und Konservenmusik. Und es funktioniert! Mit dem nachfolgenden MULTIPLE MANIACS (1970, Divine spielt die Anführerin einer Gang von Side Show Freaks und Psychopathen, die irgendwann von einem riesigen Hummer (nicht das Auto!) vergewaltigt wird) und besonders seinem Trash Meisterwerk PINK FLAMINGOS entwickelt er einen völlig eigenen Stil, der die Drogen umwölkten Studenten in den Siebzigern zu Scharen in die Mitternachtsvorstellungen der kleinen Kultkinos treiben sollte. Danach folgte noch die ähnlich schrägen FEMALE TROUBLE und DESPERATE LIVING, bis dann mit der „Geruchs“- Komödie POLYESTER (am Kinoeingang wurden Karten mit verschiedenen Geruchsfeldern verteilt, die man bei passenden Szenen während des Films reiben musste!) die mildere Phase des Herrn Waters eingeläutet wurde.

PINK FLAMINGOS ist aber noch die geballte Ladung John Waters und ihn mit Worten zu beschreiben, ist nicht so ganz einfach. Die Geschichte an sich ist simpel: Divine lebt mit ihrem siffigen Hippiesohn Crackers und ihrer verwanzten Mutter Edie in einem vergammelten Wohnwagen und erfreut sich ihres Titels „filthiest person alive“. Bis zu dem Tag, an dem Connie und Ray Marble in ihr Leben treten und versuchen, ihr den mühsam erworbenen Titel streitig zu machen...PINK FLAMINGOS präsentiert eine geradezu wundersame Parade der aberwitzigen Abscheulichkeiten: Mutter Edie sitzt mit Windeln im Laufstall, Sohn Crackers vergewaltigt Hühner, auf einer Geburtstagsfeier wird mit dem Anus musiziert und Polizisten geopfert....und das ist nur der normale Tagesablauf! Als der „Krieg“ der Freaks ausbricht, belegt Divine mit ihrer Sippe das Haus der Marbles mit einem Fluch- indem sie aber auch wirklich alles ablecken! Und sie befreien die gefangenen Frauen aus deren Folterkeller! Unaufhaltsam und dabei immer höchst unterhaltsam steuert der Film einem äußerst dramatischen Finale entgegen. Und natürlich jenem Ende, welches sich danach für immer in das Gedächtnis des Betrachters brennen wird. Ja, es ist definitiv kein Schokopudding.

PINK FLAMINGOS war und ist ein einziger Schlag in das Gesicht des Spießertums, ein äußerst witziges Stück amerikanischen Independent Kinos, wie es auf diese Art einfach nicht mehr produziert wird. Nicht einmal vom Regisseur selbst, denn dieser ist, wie bereits erwähnt, mittlerweile fester Teil der amerikanischen Popkultur und dank Filmen wie CRY BABY, HAIRSPRAY und SERIAL MUM völlig gesellschaftstauglich. Aber hier und da leuchtet der alte Wahnsinn noch einmal auf- wie bei seinem vorerst letzten Werk von 2004, A DIRTY SHAME, in dem Tracey Ullman nach einem Schlag auf den Kopf ungeahnte Formen der Geilheit entwickelt und in die Untergrund Sexszene Baltimores abtaucht...Danke, John

2008-03-25T16:54:00.011+01:00

NINJA SCROLL, Japan 1993,
Regie: Yoshiaki Kawajiri

Im Zuge von Katsuhiro Otomos Manga- und Animeklassiker AKIRA (verfilmt 1988) gelangten Anfang der 90er Jahre Massen von Animes in die Videorekorder der Nation. Sehr gut kann ich mich noch an die Faszination erinnern, die blutgetränkte Fantasy Werke wie FIST OF THE NORTH STAR (1986), WICKED CITY (1987, ebenfalls unter der Regie von Yoshiaki Kawajiri) oder UROTSUKIDOJI- LEGEND OF THE OVERFIEND (1989) auf mich ausübten. Dies war definitiv meilenweit von den niedlichen Welten des Herrn Disney entfernt! Hier regierten harte Fäuste, Sex, Splatter und neugierige Tentakel! Die große Splatter Renaissance mit Peter Jacksons BAD TASTE hatte ich gerade hinter mich gebracht, und da kamen diese wilden Zeichentrickspektakel gerade Recht.

Die Faszination verebbte jedoch schon bald wieder: Nach dem hundertsten abgerissenen Kopf oder großäugigen Anime Nymphchen setzte die Ermüdung ein. Und nur wenige Klassiker blieben in guter Erinnerung zurück, zu welchen man aber besagten WICKED CITY und eben NINJA SCROLL wirklich zählen muß. Regisseur Kawajiri spart nicht mit Sex und Gewalt, baut diese aber wesentlich eleganter in seine Handlung ein. Bei ihm steht immer noch die Story im Vordergrund. Zudem hat er im Falle NINJA SCROLL die klassischen Samurai Filme gut studiert und läßt auf Momente der Stille immer ein ordentliches Gewitter folgen- sprich: Er arbeitet auf wirklich gekonnte Weise mit klassischer Suspense, was besonders während eines Duells in einem Bambus Hain spürbar wird. Immer wieder baut er wie bei den großen Vorbildern die Natur in das Geschehen mit ein, seien es düstere Wälder, Seen oder Gebirge. Und auch die Gegner erweisen sich als äußerst fantasievoll in ihrer Gestaltung: Riesen, die sich bei Bedarf in Stein verwandeln können und gewaltige Doppelklingen schwingen, eine unheimliche Frau, deren Schlangentattoo lebendig wird oder eben die titelgebenden Ninjas, wahrhaftige Schattenkrieger, die immer wieder geschickt eins mit der Dunkelheit werden...

NINJA SCROLL funktioniert dank seiner gelungenen technischen Umsetzung und seiner zeitlosen, spannenden Story heute noch wie vor fünfzehn Jahren und lohnt, wieder entdeckt zu werden. Das dieser Klassiker noch keine offizielle Veröffentlichung in Deutschland erfahren hat, ist wirklich ein Jammer, besonders wenn man bedenkt, was für eine Masse an Anime Müll bereits in unseren Landen erschienen ist.

Regisseur Kawajiri drehte seitdem auch den gelungenen VAMPIRE HUNTER D (2000) und realisierte die (leider nicht so tolle) "Program" Episode von THE ANIMATRIX, schreibt Drehbücher, und war als Animationskünstler an einigen der wichtigsten japanischen Trickfilme der letzten Jahre beteiligt.

2008-02-28T12:45:00.017+01:00

ATOMIK CIRCUS- LE RETOUR DE JAMES BATAILLE,
Frankreich/GB/Deutschland 2004,
Regie: Didier Poiraud, Thierry Poiraud

Hier ist er nun: Der vermutliche beste Film des Universums!
James Bataille (Jason Flemyng, BUBE, DAME, KÖNIG, GRAS), Stuntman, und gerade aus dem Knast geflüchtet, kehrt nach einem Jahr in das kleine Sumpfkaff zurück, wo seine Pechsträhne begann: Weil er Concia (Vanessa Paradis), der hübschen, singenden Tochter des Barbesitzers Bosco (Jean- Pierre Marielle) verfallen ist und bei einem mißglückten Stunt dessen Etablissement in Schutt und Asche legte und zudem das alljährlich stattfindende "Beef Pie Festival" ruinierte, wurde er zu einer nicht unerheblichen Freiheitsstrafe von 133 Jahren verurteilt. Doch die Liebe treibt ihn an den Ort seiner Untat zurück. Dummerweise sollen ihm jedoch ein schmieriger Talentsucher (Benoit Poelvoorde, der Killer aus MANN BEISST HUND) und eine überhaupt nicht eingeplante Invasion von tentakelbewehrten, Menschen-assimilierenden Aliens einen gewaltigen Strich durch die Rechnung machen! Zum Glück ist James Bataille eine echte Kämpfernatur...

Der geneigte Betrachter erkennt sofort: Man benötigt eigentlich gar keine Story, um den besten Film des Weltalls zu fabrizieren! ATOMIK CIRCUS ist ein wildes Popspektakel, ein filmgewordener Independent Comic, in dem wirklich ALLES möglich ist! Eben noch lauschte man Vanessas lieblichen Klängen (so gut wurde sie noch nie abgelichtet) und schon fliegen kleine Knuffelhunde durch die Kulissen! Oder Manager verwandeln sich in Alienmutanten! Zitate hagelt es zuhauf, TCM, H.P. Lovecraft und CHIPs (!!) geben sich ein großes Stelldichein und in der zweiten Filmhälfte wandelt man gar auf blutigen SplatCom Pfaden...echte Brüller Monty Pythonscher Bauweise gibt es auch so einige- besonders der Dorfdepp mit seinem seltsamen Köter, welchem er wie einst beim Python Sketch mit der "Mäuseorgel" seltsame Geräusche entlockt, hat schon was für sich. Das Herrchen läßt sich von abgetrennter Gesichtshaut ebenfalls nicht beirren ("..ich hab's mit Benzin desinfiziert") und zieht einfach einen Sack drüber!

Obiges Promo Reel kann nur einen wagen Eindruck von dem Wahnsinn vermitteln, welcher schon früh über den ahnungslosen Betrachter hereinbricht! Ein Film, dessen gesamtes Team zwecks Budgetbeschaffung wohl für Drogenexperimente zur Verfügung stand! Dabei ist das Ganze zudem noch extrem stilisiert zusammengefrickelt und zeugt von großer Handwerkskunst. Sonnendurchflutete Sumpfzonen, schöne Scope Kompositionen, gelungene CGI Effekte (die Aliens erinnern mit ihren seltsamen, vibrierenden Fühlern nicht zufällig an heimische Mücken und andere Krabbler) und ein knalliger Soundtrack machen aus ATOMIK CIRCUS einen echten Augen- und Ohrenschmeichler für Freunde des Abstrusen. Auch in anderen Dimensionen.

THUNDERBIRDS ARE GO (FEUERVÖGEL STARTBEREIT), GB 1966, Regie: David Lane

2008-01-09T14:32:00.002+01:00

"Excitement is GO! Adventure is GO! Danger is GO!"

Thunderbirds. Das ist diese britische TV-Serie von 1965, welche in TEAM AMERICA- WORLD POLICE so liebevoll persifliert wurde. Da alles aus der Schmiede Gerry Andersons irgendwie mit Puppen und Modellen zu tun hatte (CAPTAIN SCARLET; UFO; SPACE 1999; TERRAHAWKS; SPACE PRECINCT) sind die Miniatureffekte von Derek Meddings auch hier fast schon die eigentlichen Stars. Liebevoll umfährt die Kamera jedes neue Design. Der Fantasie sind keine Grenzen gesetzt.
Handlungsmäßig wird einem typische Serienaction vorgesetzt: Die reiche Tracy Sippe hat es sich als Ziel gesetzt, als eine Art private Spezialeinheit des 21. Jahrhunderts die Welt zu beschützen und muß sich Folge für Folge aller möglichen Gefahren erwehren- seien es fiese Agenten, Aliens oder einfach nur Naturgefahren, das Team von "International Rescue" ist immer zur Stelle!

Nach dem immensen Erfolg der Serie sollten die actionreichen Abenteuer der "International Rescue" auch im Kino fortgeführt werden- und das ist THUNDERBIRDS ARE GO, gedreht in knallbunten Farben, Supermarionation und Cinemascope!
Und was hat die Filmversion zu bieten? Neben den üblichen tollen Effekten einige durchaus psychedelische Momente, unteranderem einen sensationellen Gastauftritt von Cliff Richards und seiner damaligen Band "The Shadows" auf dem Mond. Mit einer Gesangsnummer, die es wirklich in sich hat! Die Story ist natürlich trivial wie eh und jeh, eine wilde Geschichte um die Rakete Zero X, welche bei ihrem Jungfernflug abstürzt, denn Sabotage ist offenbar am Werke! Als dann zwei Jahre später der Nachbau auf Reisen geht, wird der Tracy Clan hinzugezogen, um das Flugobjekt sicher zu seinem Ziel ins All zu geleiten- natürlich nicht, ohne die üblichen Gefahren in Form von Mondmonstern, Sabotageakten und bösen Buben zu konfrontieren...

Liebe und Hiebe, beeindruckende Modellbauten, massig Explosionen, noch mehr beeindruckende Modellbauten und hervorragende Darsteller- THUNDERBIRDS ARE GO ist ein Spektakel für das Kind im Manne und die Action-Barbie Liebhaberinnen unter den Frauen!

COFFY, USA 1973, Regie: Jack Hill

2008-01-09T12:13:00.003+01:00

Aaah, Pam Grier! Seit ihrem Glanzauftritt in Quentin Tarantinos sympathischer Blaxploitationhuldigung JACKIE BROWN (1997) und ihrer Rolle in der Lesbensoap THE L-WORD (2004-2008) ist diese Ikone des schwarzen Siebziger Jahre Kinos auch jüngeren Generationen ein Begriff. Nach ihrem ersten (kleinen) Auftritt in Russ Meyers BEYOND THE VALLEY OF THE DOLLS (1970) wurde sie zum Inbegriff der starken, schwarzen Frau, die den notgeilen Mackern Mohres lehrte! Das führte zu denkwürdigen Momenten in Granaten wie BLACK MAMA, WHITE MAMA; THE BIG BIRD CAGE; SCREAM BLACULA SCREAM oder FRIDAY FOSTER mit Mr. Isaac Hayes! Ihre besten Filme aus dieser Phase sind aber die einfach gestrickten Rachespektakel COFFY und FOXY BROWN (1974), beide entstanden durch die sichere Hand von Exploitation Kultregisseur Jack Hill (welcher auch eine der besten Horrorkomödien aller Zeiten inszenierte: SPIDER BABY). Ausgerechnet als weisser Regisseur schaffte er es, äußerst erfolgreich auf der damaligen schwarzen Welle zu reiten und die gute Pamela war dabei sozusagen seine Muse- mit abgesägter Schrotflinte!! Ja, der Abschaum der Menschheit hat nicht viel zu lachen, wenn Coffy ("..is the color of her skin..") mit Rasierklingen im Haar und Messer in der Hose den Drogenabsturz ihrer kleinen Schwester rächt. Dabei sollte sie als Krankenschwester doch eher Leben erhalten, als sie zu terminieren!

Auch heute noch können diese Filme famos unterhalten und verdienen dank der funkigen Soundtracks (in diesem Falle gar von Roy Ayers) und des schier unglaublichen Schlaghosen-Polyester-Afro-Looks definitiv eine Wiederentdeckung!
Und das vor allem mit der an bunten Metaphern äußerst reichen deutschen Synchronisation, welche das rüde Geschehen passend untermalt und für einige Schenkelklopfer gut ist...

CQ, USA 2001, Regie: Roman Coppola

2007-11-13T09:31:00.002+01:00

Roman Coppola, Sohnemann des berühmten Francis Ford und Musikvideoregisseur aus der Clique um Spike BEING JOHN MALKOVICH Jonze, präsentierte mit CQ („Seek You“) quasi sein Gesellenstück als Filmregisseur. Eine Huldigung an das europäische Popkino der sechziger Jahre schwebte dem jungen Roman vor, als Kulthits wie Roger Vadims BARBARELLA (1968) oder Mario Bavas DANGER: DIABOLIK mit ihrer wilden Ausstattung und noch verrückteren Ideen die Kinokassen füllten. Und man muss zugeben, dass Experiment ist geglückt!

Scheinbar eine Love Story, ist CQ tatsächlich ein Film über die Liebe zum Trivialkino:
Paris, 1969- Als der junge amerikanische Cutter Paul (Jeremie Davis), den Auftrag erhält, ein Ende für einen wilden Sci-Fi-Agentenfilm zu finden, verliebt er sich in die Hauptdarstellerin Dragonfly. Fantasie und Realität verwischen zusehends und der junge Mann, welcher eigentlich nur Nouvelle Vague Filme drehen wollte, findet sich in einer wilden Liebes- und Agentenstory wieder! Aber keine Angst, Agentin Dragonfly hat das letzte Wort....

Der Stil und die Atmosphäre dieser vergangenen Ära werden liebevoll handgemacht nachgestellt und besonders die Dreharbeiten zu DRAGONFLY, dem Film im Film, sind für einige Schmunzler gut: Raumschiffe an Fäden, ein exaltierter Regisseur, sexy Kostüme und liebevolle Sets lassen die unterhaltsamen B-Movies der damaligen Zeit wieder aufleben. Der Lounge-mäßige Soundtrack schließlich füllt dann die letzten Lücken authentisch aus..

Hinzu kommt eine wirklich hinreissende Hauptdarstellerin (Model Angela Lindvall) und diverse bekannte Gesichter (Gérard Depardieu, Giancarlo Giannini, Jason Schwartzman. Billy Zane, John Philipp BARBARELLA Law, Dean Stockwell und l.M.Kit Carson) geben sich zudem ein Stelldichein. All diese Ingredienzien machen aus CQ eine sympathische, kleine cinematische Wundertüte über die Irrungen und Wirrungen des Filmemachens und die Liebe zum Kino. Ein hervorragendes Double Feature mit Bertoluccis DIE TRÄUMER, welcher allerdings eher die dunklen Seiten der Endsechziger beleuchtet.

2007-10-18T14:48:00.002+02:00

A TALE OF TWO SISTERS, Südkorea 2003, Regie: Ji-woon Kim

Nachdem die große Welle des asiatischen Horrorfilms ihren Zenith ja nun bereits weit überschritten hat, sollte man sich auch noch einmal an die etwas unbekannteren Perlen erinnern, welche im Zuge des gewaltigen Erfolges von Hideo Nakatas THE RING (Japan, 1997) vornehmlich in unsere Videotheken schwappten. Denn zwischen all dem wertlosen Geröll finden sich hier einige echte Goldnuggets, welchen mitunter bereits die zweifelhafte Ehre des amerikanischen Remakes zuteil gekommen ist. So geschehen mit Kiyoshi Kurosawas meisterhaftem KAIRO (Japan, 2001).

Aber auch der mit 11 Auszeichnungen bedachte koreanische Riesenerfolg A TALE OF TWO SISTERS (2003) wird gerade für den amerikanischen Teeniemarkt aufbereitet. Grund genug, sich das hervorragende Original von Ji-woon Kim (A BITTERSWEET LIFE) noch einmal zu Gemüte zu führen. Denn sonst würde dem Betrachter ein Film entgehen, welcher zu den besten intelligenten Gruseldramen der letzten Jahre gezählt werden kann: Zwei junge Schwestern, Bae-Soo mi (Su-jeong Lim) und Bae- Soo yeon (Geun-yeong Mun), welche nach dem Tode ihrer Mutter in die Psychiatrie eingeliefert wurden, kehren ins elterliche Haus zurück. Doch die Freude über die Heimkehr währt nicht lange, denn die Atmosphäre ist dank der schönen, jungen Stiefmutter sichtlich angespannt. Besonders Su-mi tritt ihr feindselig gegenüber, während ihre jüngere Schwester sogar Angst vor der geheimisvollen Frau hat. Als bereits in der ersten Nacht zudem seltsame Dinge geschehen, keimt bei den Mädchen langsam der Verdacht, dass noch eine andere Art von Präsenz in dem großen, alten Haus ihr Unwesen treibt...

Weit von den groben Schockmechanismen des amerikanischen Kinos entfernt, entwickelt Regisseur Ji-woon Kim sein düsteres Märchen behutsam und mit großer Sorgfalt. Die Charaktere werden detailliert eingeführt und sind psychologisch schlüssig. Wir haben Mitleid mit den durch den Tod ihrer Mutter traumatisierten Schwestern und fragen uns, weshalb die Stiefmutter so verhasst ist- A TALE OF TWO SISTERS ist somit ein klassisches Familiendrama, welches sich mit den Auswirkungen der Vergangenheit auf die Zukunft beschäftigt und die exzellenten Darsteller geben ihr bestes, den Betrachter in das komplexe Storygeflecht einzubeziehen.

Aber auch Genrefreunde kommen auf ihre Kosten, denn der Film kann mit ein paar hervorragend orchestrierten Gänsehautmomenten aufwarten, die in Verbindung mit der eleganten Kameraführung und dem brillianten Sound Design in einem Atemzug mit Klassikern wie THE EYE von den Pang Brothers oder eben THE RING (ja, auch hier hat das Böse lange schwarze Haare!) genannt werden können. Als wenn Roman Polanski eine Geistergeschichte verfilmen würde- das ist die schön/schreckliche Welt von A TALE OF TWO SISTERS.

2007-09-17T16:06:00.004+02:00

DER PHANTASTISCHE PLANET (LA PLANÈTE SAUVAGE); Frankreich/Tschechoslowakei 1973; Regie: René Laloux

"Uiii, es gibt noch andere Welten des Zeichentricks jenseits von Walt Disney!"

Das mußte ich ungefähr Anfang der Achtziger Jahre herausfinden, als ich erstmals über diese gewaltige Stück psychedelischen Animationskinos stolperte! Es war einer dieser üblichen Sonntag Nachmittage: Das STAR WARS Spielzeug lag müde in der Ecke rum und für LEGO Raumfahrt fehlte einem auch gerade die Muße, also mußte die gute, alte Glotze wieder herhalten. Immerhin gab es ja drei tolle Programme, die einen mit allen erdenklichen bunten Sendungen versorgten! Tja, und nach einem Blick in die Hörzu stand für mich fest, daß ich dem PHANTASTISCHEN PLANETEN eine Chance geben wollte...
Was sich als zweischneidiges Schwert herausstellen sollte, denn der Film ist für einen knapp zehnjährigen Bengel nicht mal so eben zu goutieren! Das fürwahr exotische Styling, die unheimlichen Geräusche, die seltsame Musik und die überhaupt nicht auf Kinder zugeschnittene Handlung liessen mich etwas irritiert zurück, aber die Geschichte von der Wiege der Menschheit, von den "Oms" (von "hommes") und ihrer Revolution gegen ihre blauhäutigen, außerirdischen Herrschern, die "Draags", hatte sich durchaus in mein Hirn gebrannt. Vor allem die beeindruckenden Bilder, welche mich damals eher an Buchillustrationen als an typische Zeichentrickfilme erinnerten, hinterließen ihren Eindruck: Seltsame Landschaften und Wesenheiten! Faszinierende Biomaschinen! Bizarre Rituale! Von nun an war das der Film mit den seltsamen blauen, rotäugigen Riesen! Dummerweise hatte ich mir den Titel nicht gemerkt und somit sollte ich erst Mitte der Neunziger wieder über diesen Kultklassiker stolpern. Meine Freundin Katrin hatte ihn damals auf Atlas Videokassette in ihrem Besitz (wofür ihr großer Neid meinerseits sicher war) und als er dann Ende des Jahrhunderts in Amerika bei Anchor Bay auf DVD herauskam, sollte er auch endlich in meinem Regal landen...

Regisseur und Autor (in Kooperation mit Roland Topor) René Laloux hatte hier wirklich seine große Stunde und konnte leider später nicht mehr an dieses exotische Highlight anknüpfen. Sein ebenfalls recht gelungener HERRSCHER DER ZEIT (1982) folgt eher normalen Science Fiction Pfaden und weiss vor allem durch Jean "Möbius" Girauds Design der fantastischen Welten zu gefallen, während man den 1988 entstandenen GANDAHAR nur als Schuss in den (Hippie-) Ofen bezeichnen kann. Hier tummeln sich gut gebaute Nackedeis in farbenfrohen Seifenblasenwelten!

DER PHANTASTISCHE PLANET hingegen funktioniert sowohl als intelligente politische Parabel auf die Besetzung der Tschechoslowakei durch Rußland als auch als klassisches Science Fiction Entertainment vom Kampf des Einzelnen gegen das fremdartige System. Das erkannte auch die damalige Hippie- und Studentenszene, welche dem Film in Frankreich einen Achtungserfolg bescherte. In den Staaten erwarb gar B-Movie König Roger Corman die Rechte und der Film wurde ein kleiner Klassiker des Drogen- und Undergroundkinos, bis er dann plötzlich wieder für Jahre von der Bildfläche verschwand, nur am Leben gehalten von unregelmäßigen TV Ausstrahlungen zu seltsamen Sendezeiten. Zum Glück hat das Medium DVD dann schließlich die digitale Zukunft dieses Meisterstücks gesichert....

Wer sich also an Computer animierten, plappernden Autos oder grünen Trollen satt gesehen hat, sollte diesem wunderbaren Exoten durchaus mal einen Blick schenken, es lohnt sich!

Turn on, tune in, and drop out.......

2007-08-06T13:21:00.000+02:00

AUS AKTUELLEM ANLASS:
MONDOBIZARR BEI DEN HAFENLICHTSPIELEN
23.8.2007
Ueckerplatz
Kaistrasse
40221 Düsseldorf

Eintritt frei. Bei schlechter Witterung findet die Vorführung drinnen statt.

Vorprogramm: FRÜCHTE DER LANGEWEILE von Hanns- Marcus Müller, Jörg Rühenbeck

Die Hafenlichtspiele in Düsseldorf erfreuen sich seit einigen Jahren großer Beliebtheit. Während einer Woche (17.8. bis 25.8.) wird unter freiem Himmel ein vielschichtiges Kinoprogramm aus Kunst, Unterhaltung und Musik aufgeboten. Dieses Jahr wird MONDOBIZARR den Donnerstag bestreiten, mit einem Film, der sowohl die Freunde des Skurrilen als auch Kunstliebhaber frohlocken lassen dürfte...

Der Hauptfilm:
SIAM SUNSET, Australien 1999, Regie: John Polson

Ein Film voller Überraschungen. Nach besagtem Kühlschrankunfall, der einen erstmal mit offenem Mund sitzen läßt, verfolgt man mit Spannung die irrwitzige Odyssee des Perry, die sich von einem Drama zum Roadmovie mit Mystery- Motiven entwickelt, um schließlich in einem Thrillerfinale im Outback zu münden. Natürlich ist das Ganze eine Komödie. Auf die australische Art. Im Grunde die Geschichte eines Mannes auf der Suche nach Seelenfrieden (für welchen die neue Farbe SIAM SUNSET steht), würzt Regisseur Polson seinen Film mit surrealen Momenten und skurrilen Charakteren und gemahnt des öfteren an andere großartige australische Genremixe à la TWO HANDS. Linus Roache (BATMAN BEGINS) ist hervorragend als Perry, welcher in einer beeindruckenden Szene sogar aus seinem Essen die exakte Farbe von Danielle Cormacks Oberteil herausmixt. Überhaupt ist die Love Story zwischen dem Farbenentwickler und der Flüchtigen herrlich unsentimental, ebenso wie der ganze Film. Und dank des bedrohlich aufspielenden Ian Bliss (MATRIX 2, 3), welcher als echter Fiesling eine Menge einstecken muß und am Ende auf WIRKLICH spektakuläre Art abtritt, bekommt die Geschichte noch zusätzlich Drive. Überhaupt erzeugt der Film des öfteren einen "Sense Of Wonder", den man in einer kleinen Independentkomödie von Down Under so nicht erwartet hätte: Da weist nach einem Erdbeben plötzlich ein Riss in Form eines Pfeils auf Perrys Zelt, dutzende Kühlschränke regnen in einer MAGNOLIA artigen Sequenz vom Himmel und ein Erhängter baumelt in einem Zimmer voller flatternder Schmetterlinge. Eine poetische Bildsprache, wie man sie mittlerweile schon des öfteren gesehen hat (besagter MAGNOLIA; DIE FABELHAFTE WELT DER AMÉLIE; WELCOME TO DONGMAKGOL), die aber 1999 noch frisch und unverbraucht war. Die schönen Scopebilder der australischen Weiten tun ihr übriges, um aus SIAM SUNSET eine echte Wundertüte zu machen, die einen mit einem seeligen Schmunzeln auf dem Gesicht entläßt. Ein Kleinod.

2007-07-30T12:36:00.003+02:00

FRANKENSTEIN'S BLOODY NIGHTMARE, USA 2006, Regie: John R. Hand

Farbenprächtige Super 8 Bilder treffen auf digitale Farbverfremdungen während seltsame elektronische Klänge aus den Boxen wabern... John R. Hands Debutfilm FRANKENSTEIN'S BLOODY NIGHTMARE ist, gelinde gesagt, erstaunlich. Mit sicherer Hand inszeniert, wird man an die Zeit erinnert, als man erstmalig faszinierend außerirdische Werke wie DER ANDALUSISCHE HUND, ERASERHEAD oder EL TOPO sah, Filme, die sich jeglichem Zuschauergeschmack entzogen und mit ihrer Traumlogik und den gewaltigen Bildwelten mit der Zeit eine treue Fangemeinde um sich scharten.

FRANKENSTEIN hat nicht die schiere Brillanz dieser Klassiker, läßt einen aber jede Sekunde daran denken, daß der menschliche Geist frei ist, und erst wirklich erblüht, wenn er keinerlei Konventionen unterworfen ist. John R. Hand (Regie, Hauptdarsteller, Schnitt, etc.!) nutzt diverse Formate um seine Alptraumwelt zu erschaffen und schafft es, eine fast perfekte No Budget- Huldigung an das Midnight Movie der Siebziger Jahre zu entwerfen: Seltsame Bildausschnitte, zerfliessende Fotos, Bava-eske Farbfilterexplosionen, Solarisierungseffekte, verzerrte Stimmen, seltsame Synchronisation- einfache, in der Wirkung aber äußerst effektive Tricks, die den Film zu einem echten Trip werden lassen. Nach eigener Aussage inspiriert von dem körnigen Look der Filme Jess Francos, kommen einem noch andere mögliche Inspirationsquellen in den Sinn, man denke an Roger Cormans psychedelischen THE TRIP (1968), George Lucas Kurzfilmversion von THX 1138 (1967) oder die Werke Guy Maddins, besonders den wunderbaren CAREFUL (1992), welcher ebenfalls viel mit Filtern und den Mitteln des Stummfilms experimentiert, und den Betrachter in delirierende Traumzustände versetzt.

Die Story von FRANKENSTEIN ist dabei eher der äußere Rahmen, welcher den Trip zusammenhält, und erzählt von dem jungen, brillianten Viktor Karlstein, welcher die Liebe seines Lebens verliert und schließlich ein biomechanisches Monster losschickt, Körperteile zu ihrer Erhaltung zu besorgen. Morde geschehen und der Alptraum nimmt seinen Lauf. Das klingt wie eine X- beliebige, trashige Home Video Produktion, mutiert aber dank der formalen Umsetzung und einer Fülle an bizarren Einfällen zu etwas wirklich völlig eigenem. Normale Kinogänger und Horrorfans, die eine Dusche Blut erwarten, sollten dann auch einen Bogen um den Film machen, FRANKENSTEIN ist eher eine künstlerische, experimentelle Erfahrung, als klassisches Erzählkino, Pulp meets Art!
Daher füllt der brilliante Elektronik Score von "The Greys" die visuellen Lücken schließlich auch perfekt aus. Oftmals fühlt man sich fast in ein seltsames Musikvideo einer Elektrocombo wie THE BOARDS OF CANADA versetzt, der Klangteppich ist für eine Produktion dieser Größenordnung wirklich außergewöhnlich!

FRANKENSTEINS BLOODY NIGHTMARE weckt in einem die Lust, die nächste Videokamera zu packen und loszufilmen! Wenn es doch so einfach wär? Aber eigentlich ist es das ja.....

THE THREE BURIALS OF MELQUIADES ESTRADA, USA/Frankreich 2005, Regie: Tommy Lee Jones

2007-06-11T13:15:00.004+02:00

Als die Leiche des jungen, mexikanischen Cowboys Melquiades Estrada (Julio César Cedillo) entdeckt wird, macht sich sein Freund Pete (Tommy Lee Jones) auf die Suche nach dem Mörder.
Er findet heraus, daß der Grenzpolizist Mike Norton (Barry Pepper) den Mexikaner erschossen hat, und entführt den jungen Mann, um sein letztes Versprechen einzulösen- Melquiades auf heimischem Boden der Erde zu überantworten. Für beide Männer beginnt eine erbarmungslose Odyssee über die mexikanische Grenze, nur mit dem faulenden Leichnam des Mexikaners als einzigem Wegbegleiter...

Tommy Lee Jones liebt man als bärbeissigen Charakterdarsteller, aber das dieser Mann auch noch ein begnadeter Regisseur ist, läßt selbst den Kenner mit der Zunge schnalzen. Das dachte wohl auch das Kommitee des Cannes Film Festivals und nominierte den von Luc Besson Co-produzierten Neo Western 2005 für die goldene Palme, Auszeichnungen gab es schließlich für die beste Hauptrolle (Tommy Lee) und das beste Drehbuch von Guillermo Arriaga. Umso verwunderlicher ist es, daß dieses hoch dekorierte Werk noch nicht in Deutschland erschienen ist, stattdessen muß ich mich mit der britischen DVD ohne Untertitel begnügen- und das ist bei dem Akzentkauderwelsch dieses kleinen Meisterwerks wahrlich kein einfaches Unterfangen!

THREE BURIALS erinnert des öfteren an die Spätwerke Sam Peckinpahs (zB. BRING MIR DEN KOPF VON ALFREDO GARCIA), aber auch David Lynchs recht untypischer STRAIGHT STORY kommt einem in den Sinn. Die filmische Reise entwickelt sich zusehends zu einem Seelentrip für den frustrierten Grenzpolizisten Mike. Er wird auf fast biblische Weise von seinem neuen brutalen Mentor geläutert und findet dadurch zum wahren Leben zurück. Im "normalen" Leben ein frustrierter Mann am Arsch der Welt, welcher wie ein Zombie seine Frau Lou Ann (January Jones) im Vorbeigehen vögelt, während sie eine Soap guckt, erfährt Mike durch Petes brutalen Eingriff eine neue Adrenalineinspritzung- und erscheint am Ende sogar "lebendiger", als vorher!

Barry Pepper, welcher mich erstmals als Scharfschütze in Spielbergs DER SOLDAT JAMES RYAN beeindruckte, schafft es hervorragend, die schwierige Wandlung vom rassistischen, gefrusteten Bullen und Unsympathen zum unschuldigen Opfer zu vollziehen. Kotzend, blutend, weinend, lachend, der Mann liefert eine exzellente, facettenreiche Darstellung ab. Tommy Lee Jones als skrupelloser Racheengel glänzt auch nur mit einem Hauch von Mimik. Wenn er angetrunken und einsam aus Mexiko seine Geliebte anruft und um ihre Hand anhält, aber abgewiesen wird, während im Hintergrund ein Mädchen auf einem verstimmten Klavier spielt, dann ist das einfach wunderschön traurig.
Gerade diese Momente der Einsamkeit sind es, die nachhallen. Jede Hauptperson ist allein oder in sich gefangen: Pete verliert seinen einzigen Freund. Melquiades ist allein in einem fremden Land. Mike und seine Freundin durchleben die Ehehölle, haben sich schon lange nichts mehr zu sagen und sind zudem Fremde in der Stadt. Dorfpolizist Belmont scheitert an der Einsamkeit seines Berufes. Der alte Blinde, welchen die beiden Reisenden auf ihrem Trip treffen, fleht sie an, ihn zu erschiessen, da sein einziger Sohn an Krebs gestorben ist und ihn nicht mehr besuchen kommt...
Das klingt jetzt äusserst düster, ist aber gottlob nicht ohne Ironie erzählt, immer wieder gibt es skurrile Gestalten oder Momente, die das Geschehen auflockern. Allein die bizarren Momente von Petes Methoden der Leichenkonservierung schwanken brilliant zwischen Trauer, Ekel und schwarzem Humor. Und der Trip selbst besticht durch seine Mischung aus bildgewaltigem Existenzwestern, Geiseldrama und Selbstfindungsgeschichte.

Hoffen wir, das Herr Jones noch des öfteren im Regiestuhl Platz nimmt, der alte Cowboy hat scheinbar noch einige Asse im Ärmel!

SUNSHINE, GB 2007, Regie: Danny Boyle

2007-05-11T10:13:00.003+02:00

Die Sonne stirbt. Und mit ihr die Erde. Eine Gruppe Astronauten macht sich auf den Weg zu dem sterbenden Riesen um ihn mit einer gewaltigen Sprengung zu reaktivieren. Technische Probleme, die Sichtung des verschollen geglaubten Vorgängerschiffes und die eigene Psyche lassen den Trip zum Horror mutieren.

In England gewaltig gefloppt, in Deutschland ebenfalls eher am dahindümpeln. Das hat dieses vortreffliche Science Fiction Spektakel nicht verdient. Gute Darsteller (allen voran Cillian Murphy, Mark Strong und Michelle Yeoh), brilliante Effekte und eine wirklich schön stilisierte Kameraarbeit des Düsseldorfers Alwin H. Küchler (CODE 46) machen diesen durchweg spannenden Weltraumthriller zu einem echten Highlight für den geneigten Fan. Die letzten zwanzig Minuten werden zwar eher konventionellen Slasher-Schrecken geopfert, und auch sonst ist die Liste der (gut) kopierten und zitierten Filme recht lang- zB. nähert sich die tödliche Strahlung der Sonne den Astronauten an der Aussenseite des Raumschiffes à la DEEP IMPACT, eine Flucht zurück durchs All ohne Raumanzug wird zum Himmelfahrtskommando à la EVENT HORIZON, die Untersuchung des zweiten Schiffes ist spannend wie in 2010, und die finale Flucht vor dem Bösen, während die Bombe in die Sonne stürzt, erinnert nicht von ungefähr an ALIEN. Das Déjà- vu Problem hatten wir ja auch schon mit Boyles 28 DAYS LATER, welcher sich mitunter schamlos aus dem George A. Romero Universum bediente, aber dennoch wesentlich besser gelang als dessen schwacher DAY OF THE DEAD, vom später folgenden LAND OF THE DEAD ganz zu schweigen...

Aber selten wird dermaßen gut remixed! Popkultur besteht aus dem Recyceln bekannter Motive, und Regisseur Danny Boyle, meiner Meinung nach einer der momentan feinsten "Popregisseure", hat noch nie einen Hehl daraus gemacht. Entertainment steht im Vordergrund, und das auf hervorragende Art und Weise. Der Kinobesucher wird mit wild klopfendem Herzen in seinen Kinositz gepresst und kann sich dem Höllenritt einfach nicht entziehen. SUNSHINE ist durchweg spannend und das Finale kommt ebenfalls hübsch konsequent daher!

Schnell ins Kino, bevor diese Perle wieder verschwunden ist!

TAKASHI MIIKE'S KRIEG DER DÄMONEN (YOKAI DAISENSO), Japan 2005, Regie: Takashi Miike

2007-05-10T16:12:00.003+02:00

Vielfilmer Miike hat ja schon so ziemlich jedes Genre abgegrast, seien es Softsexfilmchen, Horrorfilme (AUDITION, ONE MISSED CALL), bizarre Psycho- aber auch stille Dramen (VISITOR Q; BIRD PEOPLE IN CHINA), Musicals (THE HAPPINESS OF THE KATAKURIS), Actionfilme (DEAD OR ALIVE), Splatterspektakel (ICHI-THE KILLER), Superheldenepen (ZEBRAMAN), und, und, und.
Bei fast vier Filmen pro Jahr kann da nicht alles gut sein, was der Meister da so ausscheisst, aber KRIEG DER DÄMONEN ist eine sympathische Überraschung: Ein altmodisches Monsterspektakel (kleiner Junge verbündet sich mit den Yokai Monstern gegen einen bösen Überdämon) im ultramodernen Gewand mit aufwändigen, natürlich nicht immer guten Computeranimationen, aber dann und wann überraschend phantasievollen Effekten. Highlight sind natürlich die vielfältigen Yokai Monster selbst, die sich seit den ersten drei Yokai Kinofilmen (YOKAI HYAKU MONOGATARI, 1968; YOKAI DAISENSO, 1968; TOKAIDO OBAKE DOCHU, 1969) besonders bei den japanischen Kindern großer Beliebtheit erfreuen. Sich aus der gewaltigen Sagenwelt des Landes bedienend, treffen hier Schirmförmige Einbeiner mit langer Zunge auf unheimliche Frauen, die ihre Hälse wie eine Schlange ausfahren können (ein Highlight auch des ersten YOKAI Filmes), und Riesenköpfe auf Dämonenfratzen- es ist eine wahre Fundgrube an fantastischen Charakteren, die allein den Film schon sehenswert macht. Und die Grundthematik, der Verlust der Fantasie durch das Erwachsen werden, verleiht dem Werk eine fast schon philosophische Note und ein wirklich wunderbares Ende.
KRIEG DER DÄMONEN ist vortrefflicher japanischer Mainstreamkintopp mit achtziger Jahre Flair. Hervorragende Unterhaltung, nicht mehr und nicht weniger!

2007-04-11T14:07:00.003+02:00

300, USA 2007, Regie: Zack Snyder

Das Böse kommt in der plakativen Welt des Kinos in vielen verschiedenen Formen daher. Manchmal hübsch, oft aber hässlich oder gar monströs wird die dunkle Seite dargestellt. Wirklich ärgerlich wird es aber erst, wenn Minderheiten herangezogen werden, aufgrund ihrer visuellen Auffälligkeiten dem Bösen ein Gesicht zu verleihen. In der mehr als spießigen Weltsicht eines Filmes wie 300 sind das leider die Homosexuellen (natürlich eher die offensichtlich tuntige Variante in der Gestalt des Xerxes), Körperschmuckliebhaber, körperlich deformierte Behinderte und generell Menschen einer anderen Hautfarbe. Die Guten sind knackige, eingeölte Mannsbilder mit Sixpack-Bäuchen, die gerne heldenhaften Pathos dahinsülzen und generell jede Chance nutzen, sich für den großen Endsieg zu opfern.

Zwar versteckt sich der Superhit 300 hinter einer unglaublich polierten, modernen Oberfläche- seine Weltsicht hingegen ist so altbacken wie die Story an sich. Der Film wirkt wie all die amerikanischen Kriegsfilme der Siebziger- und Achtziger Jahre, hohlen antikommunistischen Epen wie MISSING IN ACTION oder die RAMBO Fortsetzungen, in denen die Amerikaner immer wieder versuchten, den verlorenen Vietnamkrieg zumindest an der Kinofront zu gewinnen. 300 erscheint wie ein Motivationsfilm für die Truppen an der irakischen Front: "Männer, es läuft schlecht, aber haltet durch und vor allem: Sterbt heldenhaft!"

Da der Film dann auch noch äusserst humorlos daherkommt, wirken die Monologe der Darsteller umso peinlicher. Da war der ähnlich gelagerte PATHFINDER der bessere und ehrlichere Film- hier wurde dem Zuschauer wenigstens purer Pulp geboten, 300 hingegen versucht, den Dreck als Kunst zu verkaufen. Und das auf einer rein visuellen Ebene.
Was im Kinotrailer noch höchst imposant daherkommt, ermüdet im eigentlichen Film nach kurzer Zeit: Bereits nach der fünften Extremzeitlupe oder CGI Blutspritzerei erschleicht den Betrachter das große Déjà-Vu Erlebnis. SIN CITY und SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW, ebenfalls bis zur Unendlichkeit manipulierte Computerspektakel, gingen da wesentlich phantasievoller zu Werke- und begegneten der teilweise doch recht sterilen Optik mit erzählerischem Charme. Frank Millers Comicvorlage funktioniert auf einem reinen Bilderbuchlevel hervorragend, bietet aber für einen fast zweistündigen Kinofilm viel zu wenig Erzählfleisch. Besonders das Ausbauen der Rolle der Königin sollte den homosexuellen Aspekt des Spektakels abschwächen und einen zweiten Handlungsstrang eröffnen, ging aber ebenfalls völlig in die Hose: Ihr Auftritt vor dem Ältestenrat, mit anschließender Demaskierung des feigen Verräters, gehört mit zum holprigsten und klischeehaftesten Mummenschanz der letzten Jahre.

Gewaltverherrlichend, rassistisch, faschistoid. Zum Glück kann man diesen martialischen Quatsch einfach nicht Ernst nehmen. 70 Millionen Dollar Einspiel am ersten Wochenende. Huhaaaaaaaaaaar.

2007-03-22T12:14:00.004+01:00

THE CHILD (CHI L'HA VISTA MORIRE), Italien 1972, Regie: Aldo Lado

Aldo Lado, welcher uns bereits mit dem stimmungsvollen MALASTRANA (1971) beglückte, nimmt mit seinem teilweise wirklich unheimlichen Giallo THE CHILD bereits die unheilvolle Stimmung von Nicholas Roegs WENN DIE GONDELN TRAUER TRAGEN (GB 1973) vorweg. Beide Filme schaffen es auf meisterhafte Art und Weise, die morbide Stimmung Venedigs geschickt in die Handlung einzubinden. War es in Roegs Mystery Drama ein rot gekleideter Zwerg, der in den Gassen Venedigs auf Menschenjagd ging, so ist es in THE CHILD die Gestalt einer in Trauer gekleideten Frau, welche unter den Kindern Venedigs ihre Opfer sucht. Auch die Tochter des Bildhauers Franco Serpieri zählt zu den Toten, und er macht sich in seiner Verzweiflung auf die Suche nach dem Mörder. Verdächtige gibt es zuhauf: Galerist Serafian (Adolfo Celi) scheint sich eigenartigen Hobbys zu widmen, und ein junger Künstler sowie ein Pfarrer scheinen ebenfalls ihre Finger im Spiel zu haben...
Die Story wird zwar gegen Ende unnötig wirr, dennoch erweist sich Regisseur Lado besonders in der ersten Hälfte des Films als absoluter Meister seines Fachs und sorgt für einige nervenzerrende Momente. Der erste Mord in den verschneiten Bergen mit einer rabenschwarzen Gestalt mit Schleier, die zwischen den Bäumen umherhuscht und zu Ennio Morricones unheimlichem Leitthema ein Kind erschlägt (einer dieser einmaligen LA LA LA Seventies Kinderchöre) ist von einer ganz eigenen Stimmung geprägt. Überhaupt trägt Morricones Score unglaublich zur Atmosphäre des Films bei, auch wenn es sich wohl um eine seiner simpelsten Fingerübungen handelt. Die Kameraführung ist ebenfalls exzellent und fängt die Gassen und Plätze der Stadt perfekt ein, wechselt geschickt aus Totalen in die POVs des Mörders. Es gibt immer wieder subtile visuelle Andeutungen (der Mörder nähert sich einem Mädchen, während parallel geschnitten, ein Schlachter seinen Laden schließt und ein großes, blutiges Stück Fleisch sichtbar ist) und Parallelmontagen, die Nicholas Roegs GONDELN scheinbar stark beeinflußt haben: Auch hier gibt ist es ein junges Ehepaar, welches nicht mit dem Verlust des Kindes fertig wird, und der Ehemann (erstaunlich gut: Ex-Bond George Lazenby!) die Initiative ergreifen muß und eigene Nachforschungen anstellt. Das nahtlose Verbinden unterschiedlicher Zeitebenen läßt sich hier ebenfalls bereits ausmachen. Letztendlich ist GONDELN aber der homogenere der beiden Filme, Lado verstrickt sich am Ende zu sehr in einem unnötigen Handlungsgewirr.

Dennoch ist THE CHILD einer der, trotz schwieriger Thematik, elegantesten Giallos und hätte eine deutsche DVD Veröffentlichung mehr als verdient, zumal die Synchronisation durchaus gelungen ist. Die amerikanische Anchor Bay DVD bietet den Film in sehr guter Qualität und im korrekten Scope Format, fährt aber leider mit einer typisch schlechten englischen Synchro auf. Die alte deutsche VHS hingegen gibt den Film nur in einem unzureichenden 1,75:1 wieder. Aber vielleicht erbarmen sich ja die Jungs von Koch Media dieses kleinen Klassikers. Schön wär's!

2007-03-21T10:33:00.001+01:00

PATHFINDER, USA 2007, Regie: Marcus Nispel

Hach, was waren das noch für wunderbare Zeiten! CONAN metzelte sich durch die Kinos und eine Welle von wunderbar grottigen, zumeist italienischen, Barbarenfilmen folgte in seinem gewaltigen Fahrwasser: DAS SCHWERT DES BARBAREN war da noch einer der Tollsten, GUNAN-KÖNIG DER BARBAREN ist geradezu legendär in seiner Perückenhaftigkeit, CONQUEST von Lucio Fulci einer der trippigsten und THOR mit Conrad Nichols wohl der absolut erbärmlichste aller Barbarenklopper. ATOR war ja eigentlich auch ein Barbar, den hatte ich fast vergessen. Herrjeh. Und das spielte sich alles nur Anfang der Achtziger ab! Und parallel gab es dann ja noch die große Italo- Endzeitwelle, losgetreten von MAD MAX 2... Als dann 1984 CONAN-DER ZERSTÖRER (mit Grace Jones) als Fortsetzung über die Lichtspielhäuser hereinbrach, war die Welle schon wieder am versiegen, auch wenn man noch einmal erfolglos versuchte, mit RED SONJA einen weiblichen CONAN zu etablieren. Reine moderne Wikingerspektakel hingegen gibt es nur sehr wenige: Ausgerechnet 1995 brachte die ehrenwerte New Line Schmiede den äusserst lustigen ISLANDIC WARRIOR (THE VIKING SAGAS), eine Art CONAN im Wikinger Outfit, heraus. Ebenfalls mit Ralf Möller, welcher ja auch in PATHFINDER eine kleinere Rolle spielt. In I.W. trägt er den ganzen Film auf seinen gewaltigen Schultern und macht ganz lustige Gesichter! Sein Vater (im Film) begeht übrigens Selbstmord, indem er seinen Zwölffingerdarm um einen gewaltigen Felsbrocken wickelt! Harte Zeiten, sag ich euch!
PATHFINDER schlägt eigentlich in genau dieselbe Kerbe- nur das er 40 Millionen Dollar mehr gekostet hat und visuell schon ziemlich effektvoll daherkommt. Irgendwo an die düstere Optik der HERR DER RINGE Epen angelegt, bieten Daniel Pearls schattenreich- neblige Bilder doch einiges fürs Auge. Der legendäre Kameramann, welcher schon den ersten TEXAS CHAINSAW MASSACRE fotografierte und dann im Laufe der Zeit zu einem der begehrtesten Musikvideo Kameramänner avancierte und auch Marcus Nispels gelungenes CHAINSAW Remake filmte, ergeht sich in teilweise wunderschön anzuschauenden Matsch und Modder Tableaux. Teilweise fühlt man sich fast an die Illustrationen Frank Frazettas (FEUER UND EIS) erinnert, überhaupt schwebt über dem ganzen Film eine drollige Achtziger Jahre Aura, die auch von der mehr als dürftigen Story noch verstärkt wird. Aber man kann Kacke auch in Goldpapier einwickeln, es bleibt dennoch Kacke: Die Geschichte eines gestrandeten Wikingerjungen, der von ein paar liebevollen Indianern aufgelesen wird, unter ihnen heranwächst, dann seine Ziehfamilie aber wieder an eine marodierende Gruppe Wikinger verliert und natürlich blutig Rache nimmt, ist an Klischees kaum zu übertreffen. Hauptdarsteller Karl Urban (welcher so effektiv den Killer in DIE BOURNE VERSCHWÖRUNG spielte) hat ausser Physis nicht viel zu bieten und die bösen Nordmänner kommen eher als Orgs denn als Menschen herüber. Zumal der Soundtrack jeden Auftritt der nordischen Krieger mit völlig albernen Grunz- und Knurrlauten unterlegt! Das war in dem anderen Wikingerspektakel der 90er, DER DREIZEHNTE KRIEGER, geschickter gelöst. Irgendwie denkt man die ganze Zeit, man hat eine gelackte Trashversion von APOCALYPTO vor sich- ein Film, der seine einfache Storyline zu wesentlich besserem Effekt nutzt. Und was das ganze Spektakel mit Nils Gaups hervorragendem Originalfilm von 1988 zu tun hat? Keine Ahnung!

Dennoch funktioniert das turbulente Ganze recht gut als Pulp Comic Spektakel: Der Film legt ein gesundes Tempo vor, ist hundsbrutal (wohl neben Fulcis CONQUEST und Milius CONAN der rüdeste Barbarenkracher) und weiss durchaus zu unterhalten! Meine Lieblingsszenen: Ralf Möller läßt sich das Auge zunähen und zetert wie ein alter Klingone. Und der goldige Moment, in dem unser Held die fiesen Wikinger in eine Grubenfalle locken will, und stattdessen ein Riesenhaufen Indianer hineinfällt, welche von den dankbaren Fieslingen dann in Einzelteile zerlegt werden!

Nicht gerade MEIN DINNER MIT ANDRÉ, aber man bekommt, was man verdient. Grunz!!

BRAND UPON THE BRAIN!, Kanada 2006, Regie: Guy Maddin

2007-03-14T12:47:00.003+01:00

Berlinale! Die deutsche Oper! Ein großes Orchester! Isabella Rosselini als Erzählerin! Live Geräuschemacher! Ein wahnwitziger Film in einem gewaltigen Rahmen!! Und eine verspätete Review.

Guy Maddin, großer Fan des expressionistischen Stummfilms und Regisseur wunderbar verschrobener Werke wie TALES FROM THE GIMLI HOSPITAL, CAREFUL oder THE SADDEST MUSIC IN THE WORLD, legt mit BRAND UPON THE BRAIN! sein neuestes Glanzstück vor, einen richtigen Stummfilm samt wilder Schwarz/Weiss Perspektiven, Zwischentiteln und pompösem Orchestersoundtrack. Die wahnwitzige Story dieses Werkes, die immerhin ein Waisendrama mit Lesbenerotik, Mad Scientist- und Paranoiahorrormotiven sowie krankhafter Mutterliebe kombiniert, dürfte den netten Abonnenten-Omas, welche rechts und links von uns im völlig überhitzten Saal Platz nahmen, doch so einige verstörte Säufzer entlockt haben...
Was soll ich sagen? Diese ganze Veranstaltung war einfach einmalig!! Von Maddins aufgeregter Ansage (und turbulentem Abgang, wo der schüchterne Regisseur während der dritten Applauskaskade beim Gang von der Bühne fast gegen einen Wandvorsprung rannte!) bis zur perfekten Interaktion der Agierenden mit dem Film, dieser Abend war etwas ganz besonderes! Es ist wirklich selten, daß man solch kleinen B-Movies, die innerhalb einer Woche in Guerillamanier abgedreht wurden, solch einen gewaltigen Rahmen, noch dazu auf einem der wichtigsten Filmfestivals, beschert. Und das verdientermaßen!

BRAND UPON THE BRAIN! kehrt zu Maddins wilden B-Movie Wurzeln zurück und ist sein bester Film seit langem- die Story mit einfachen Worten auszudrücken, fällt schwer, funktioniert auch eher als ständig fließender Strom des Unterbewußten und verarbeitet diverse Zitate von so unterschiedlichen Genregrößen wie James Whale, Ed Wood, David Lynch oder Robert Wiene:
In Maddins Film kehrt Guy an den Ort seiner Jugend zurück, ein Waisenheim in einem alten Leuchtturm, und die schreckliche Vergangenheit bricht wieder über ihn herein. Die despotische Mutter, der Vater, welcher nur für die Wissenschaft lebte und den Waisenkindern aus einem Loch im Nacken den "Nektar" saugte, um damit die ewige Jugend der Mutter zu erhalten, die erste Liebe, all diese Dinge tauchen vor dem geistigen Auge dieses am Leben gescheiterten Mannes auf, während er die Wände des Leuchtturms streicht....

David Lynchisch in seiner Alptraumästhetik, versetzt Maddin sein wildes Gebräu mit einem schelmischen Augenzwinkern und fährt auch auf der technischen Seite einige Kabinettstückchen auf. Schnell gedreht, kreiert Maddin einen fast schon neuartigen Doku-Stummfilmlook und erinnert in seiner ungehobelten, kreativen Machart auch an die Frühwerke Sam Raimis. Wie damals, Anfang der Achtziger, ein paar Filmstudenten in den Wald gingen, um TANZ DER TEUFEL zu drehen, so stellte Maddin innerhalb einer Woche sein psychedelisches Leuchtturmdrama auf die Beine. Wunderbar frisches Independent Kino. Standing Ovations. Ein toller Abend!

Wie sangen einst Terrence und Philipp: "Blame Canada, blame Canada..."!!

2007-03-13T14:02:00.002+01:00

DREI EISKALTE PROFIS (THREE THE HARD WAY), USA 1974, Regie: Gordon Parks, jr.

Ein Werk, welches an geballter Blaxploitation-Testosteronpower nur schwer zu übertreffen ist: Jim Brown! Fred Williamson! Jim Kelly! Regie: Gordon SUPERFLY Parks, jr.!! Stunt Coordinator: Hal SCHLITZOHR Needham!!! Die Crème de la Crème des schwarzen Actionkinos trifft auf den Stuntkönig der Siebziger Jahre! Und in der Tat, was einem hier geboten wird, grenzt ans schier Unglaubliche:
Unsere drei Kultrecken finden nämlich zusammen, weil sinistre Nazischergen einen Virus entwickelt haben, der NUR farbige Mitbürger meuchelt, und das muß unter härtestem Waffen- und Körpereinsatz verhindert werden! Weg mit dem Nazikroppzeug!

Dies MUSS einfach einer der brilliantesten Blaxploitationfilme überhaupt sein- zumindest storytechnisch, denn man muß sich schon durch einige gewaltige Füllszenen kämpfen: Musikvideoartige Sequenzen, in denen unsere Helden mit dem Boot oder mit einem schicken Auto durch die Gegend gurken, und uns mitunter bis zu fünf Minuten unseres Lebens stehlen! Aber wo es Schatten gibt, da existiert auch Licht, und dieses wird unteranderem von drei Grazien symbolisiert, welche ihre Opfer einer dermaßen grauenhaften Sexfolter unterziehen, daß diese dem Zuschauer komplett vorenthalten wird. Man könnte ja vom Zusehen wahnsinnig werden. Nur das männliche, schwitzende, starrende und vor allem wimmernde Opfer, welches diese Hyänen in Frauengetalt zurück lassen, zeugt von ihren schockierenden Taten. Auch Jim Kellys großer Auftritt, in dem er eine handvoll Polizisten auf offener Straße weichprügelt, ist ganz famos! Dabei zählt er doch zu den Guten! Stuntmeister Hal Needham sorgt zudem für ein paar ganz lustige Actionszenen, die sich teilweise sogar wirklich sehen lassen können- zumindest für ein Budget von 100 Dollar. Überhaupt ist für einen Blaxploitationkracher (welche ja oftmals ausser coolen Typen und guter Musik nicht viel zu bieten hatten) erstaunlich viel los, und das sorgt in Verbindung mit der hanebüchenen Story für glänzende Augen beim nicht allzu anspruchsvollen Betrachter! Der funky Soundtrack ist ebenfalls erwähnenswert, man kann den Sängern sogar bei der epischen Probe beiwohnen (auch so eine Füllszene). Und ein kleiner Corbin "L.A. LAW goes THE DENTIST" Bernsen rennt auch irgendwann mal durch die Kulisse.

Fazit: DREI EISKALTE PROFIS ist eine echte Spaßgranate- dermaßen Over The Top, daß es schon fast eine Parodie auf das Genre sein könnte. Ein tolles Double Feature mit dem ähnlich brillianten DAS SÖLDNERKOMMANDO (obwohl der noch bessere Sprüche bietet)!

2007-03-09T12:10:00.002+01:00

MAMA, PAPA, ZOMBIE

Eine der wunderbarsten Achtziger Jahre Antihorror-Hetzdokus in voller Länge:

Mama, Papa, Zombie
Hochgeladen von tschakka

Meine Güte, was haben sich die Zeiten zum Positiven verändert. Die Dokumentation stammt noch aus der Anfangszeit der großen Indizierungs- und Beschlagnahmungswelle und zeigt, daß die Diskussion über das Für und Wider von Gewaltfilmen (und heute auch -spielen) wirklich uralt ist und auch in Zukunft immer wieder aufflammen wird. Die Hetzkampagnen der damaligen Zeit suchen jedoch ihresgleichen, und das nicht nur in Deutschland: In England wurden harte Filme als "Video Nasty" gebranntmarkt und ebenfalls verboten oder zensiert. Von 1983 bis in die Neunziger erstreckte sich diese Phase der harten Zensur, bis dann erst durch das Aufkommen von DVD die Gesetze gelockert wurden (früher konnte man ja nichtmals 18er Fassungen im Kaufhaus um die Ecke erwerben).
Wer sich mal wieder aufregt, daß zwei Sekündchen seines Splatterspektakels fehlen, der soll sich mal diese wunderbare Zeitblase einer vergangenen Ära zu Gemüte führen. Heute schon fast wieder nostalgisch niedlich, aber eigentlich nur traurig.

2007-03-03T16:28:00.001+01:00

THE FALL, Indien/UK/USA 2006, Regie: Tarsem

Neben Guillermo Del Torros PAN'S LABYRINTH, welcher die Grauen der Realität mit der Fantasiewelt eines Kindes auf gekonnte Weise kontrastierte, geht auch der gerade auf der Berlinale gelaufene THE FALL von Tarsem (Singh) auf das Wechselspiel zwischen Realität und Fiktion ein. Der Regisseur, Veteran unzähliger Musikvideos (darunter REMs LOSING MY RELIGION) und Werbespots, sowie Verantwortlicher für das bildgewaltige, erzählerisch aber eher maue Jennifer Lopez Vehikel THE CELL (USA, 2000), legt mit seinem neuen Film ein erstaunlich reifes, rundes Werk vor. Produziert von David Fincher und Spike Jonze und gedreht in knapp zwanzig Ländern, kommen sowohl die Sehnerven als auch die grauen Zellen nicht zu kurz:

Ein kleines, indisches Mädchen liegt 1920 mit gebrochenem Arm in Los Angeles im Krankenhaus. Auf ihren gelangweilten Trips durch die Krankenhausflure kommt sie in das Zimmer eines jungen Mannes, welcher dort das Bett hüten muß. Die beiden freunden sich an, und er beginnt ihr eine spektakuläre Geschichte vom Kampf des Guten, in Gestalt von fünf Abenteurern, gegen das Böse zu erzählen. Als Gegenleistung schickt er sie auf eine Mission, ihm ein gewisses Medikament zu besorgen...nicht ahnend, daß er, vermutlich querschnittsgelähmt, seinem Leben ein Ende bereiten will.

Klingt düster- ist es eigentlich auch. Jedoch wird die harte Realität immer wieder durch die farbenprächtigen Fantasy Sequenzen gebrochen, Tränen und Freude stehen hier sehr nah beieinander. Besonders die Darstellerin des Mädchens, Catinca Untaru in ihrer vermutlich ersten Rolle, leistet Unglaubliches. War die junge Darstellerin von PANS LABYRINTH schon beeindruckend, so kann man vor der noch jüngeren Catinca nur den Hut nehmen. Eine dermaßen natürliche Darstellung von einem Kind zu erhalten, grenzt an ein wahres Wunder und verleiht den "realen" Szenen eine wunderbare Natürlichkeit.
Ganz im Kontrast zu den opulenten Szenen seiner Erzählung. Hier schöpft Tarsem aus dem Vollen und inszeniert ein surreales Abenteuerspektakel, wie man es seit CABEZA DE VACA (Mexiko/Spanien 1991) nicht mehr zu Gesicht bekam: Fantastische Kostüme und Sets, gewaltige Landschaftspanoramen und erstaunlich gewalttätige Scharmützel (dies ist, ebenso wie PANS LABYRINTH, kein Kinderfilm!) stehen in hartem Kontrast zu den anrührenden, aber ruhig inszenierten Krankenhausszenen. Der Trend zu schwuler Ästhetik wird nach dem homoerotischen 300 hier noch weiter geführt und zeigt die Banditen in mitunter etwas seltsam anzuschauenden Outfits und Posen- aber was soll's? Übertrieben im Stile der Stummfilmära erzählt, richten sich die Fantasiesequenzen immer nach dem momentanen Zustand des labilen Erzählers, was mitunter zu schockierenden Wendungen führt und den Betrachter in ein Wechselbad der Gefühle stürzt.

THE FALL (der Titel bezieht sich auf den fatalen Sturz des jungen Stuntmans von einer Brücke) ist ein Film über die Liebe zum Kino und die Macht der Phantasie und stellt für jeden, der schon einmal gebannt einer Geschichte gelauscht hat oder mit großen Augen staunend im Kino sass, eine echte Offenbarung dar. Unbedingt in einem solchen zu geniessen!

2007-03-03T14:39:00.002+01:00

THE HOST, Südkorea 2006, Regie: Bong Joon-ho

Hach, Monsterfilme! Schon Frank Zappa besang seine Vorliebe für B-Movies mit glubschäugigen Mutanten. Und man muß zugeben, ein neu erscheinendes Monsterspektakel ist in der Regel ein Grund zum Feiern. Leider ist es in letzter Zeit etwas still geworden, in diesem schon fast nostalgisch anmutenden Subgenre: Psychopathen, Folter, blutiger Realismus und geisterhafte schwarzhaarige Mädchen beherrschen momentan die Leinwände. Gelungene, ironische Monsterepen wie Peter Hyams DAS RELIKT (USA 1997) oder Ron Underwoods TREMORS (USA 1990) haben schon länger nicht mehr das Licht des Projektors erblickt, sieht man von dem nur teilweise geglückten JEEPERS CREEPERS (USA 2001) einmal ab. Okay, der neue KING KONG war ein wirklich rührendes Monster, aber das war ja nur ein Remake. Es gab auch einige Filme mit monströsen Gastauftritten (man denke nur an die Kreaturenvielfalt der HERR DER RINGE Abenteuer), aber richtige Monsterfilme sind selten geworden. Besonders im Mainstreambereich.
Von daher stellt der (ausgerechnet!) aus Südkorea stammende THE HOST eine echte Überraschung dar! Direkt zum erfolgreichsten koreanischen Film aller Zeiten avanciert, präsentiert sich die bunte Mischung aus Komödie, Familiendrama und Monsterspektakel als höchst unterhaltsame Wundertüte mit einigen überraschenden Wendungen und einer wirklich wundervoll realisierten Mischung aus Riesenkaulquappe und Molch mit Überbiss!
Die Story ist dabei schnell erzählt: Der völlig verseuchte Han Fluss gebiert ein gewaltiges Monstrum, welches direkt zu Beginn (in einer wirklich traumhaft gefilmten Sequenz) ahnungslose Wochenendbesucher des nahen Ufers schnabuliert und zudem die Tochter des armen Imbissbudenbesitzers Park Hee-bong (Byun Hee-bong) entführt. Die nicht allzu helle, aber liebenswerte Sippe macht sich nun auf die Suche nach der Verschollenen, welche tatsächlich noch am Leben ist, und im Versteck der Bestie mit einem weiteren Überlebenden, einem kleinen Jungen, Zeuge der seltsamen Lebensgewohnheiten des Ungetüms wird! Wenn Katzen Gewölle hervorwürgen, was machen dann menschenfressende Riesenamphibien?

Der Film macht einfach einen Heidenspass, überzeugt technisch auf der ganzen Linie (Effekte unteranderem aus Peter Jacksons WETA Trickschmiede) und bietet zudem eine Ansammlung von herrlich verschrobenen Charakteren, weit entfernt von den austauschbaren Teenieknallchargen des westlichen Kinos: Einer der Helden ist geistig zurückgeblieben und ein anderer schließlich knapp über Sechzig! Persönlich empfand ich die für so manchen bestimmt gewöhnungsbedürftige Mischung aus Komödie und Sozialdrama sehr ansprechend, aber man sollte schon ein paar asiatische Filme genossen haben, um diesen wilden Genre Mischmasch wirklich würdigen zu können.
Der Erfolg auch in den westlichen Kinos scheint den Machern jedenfalls recht zu geben: Allein die oben kurz angesprochene "Flußufersequenz" revolutioniert den Monsterfilm auf eine Art und Weise, wie die ersten zwanzig Minuten von DER SOLDAT JAMES RYAN (SAVING PRIVATE RYAN) das Genre des Kriegsfilms und die beeindruckenden "Auferstehungssequenzen" der Dreibeiner aus KRIEG DER WELTEN technisch den Alien Invasionsfilm prägten- dank des spektakulären Spiels mit Egoperspektiven und Hintergrundaction wird man wird völlig in den Film involviert. Die faszinierenden Momente im Unterschlupf der Riesenquappe erreichen zudem eine Authentizität, wie man sie seit dem ersten ALIEN Film so nicht mehr erlebt hat. Aber dies ist nur die rein technische Seite, der Film hat aber wesentlich mehr zu bieten, als ein Hollywoodsches Plastikprodukt: Auch wenn THE HOST später in ein ruhigeres Tempo übergeht, funktioniert er gerade aufgrund seiner Liebe zu seinen Charakteren wesentlich besser als Familiendrama als Spielbergs vergleichbares "Aliens gegen Kernfamilie" Drama, dessen überagierende Persönlichkeiten und unnötig schmalziges Ende einen des öfteren irritiert am Kopf kratzen liessen.

Kurzum: THE HOST ist eines der feinsten Mainstream Monsterspektakel seit langem und verspricht ausnahmsweise mal nicht mehr als er halten kann- einfach gut unterhalten zu wollen.

2007-01-31T18:54:00.002+01:00

EVIL ALIENS, GB 2005, Regie: Jake West

Wenn man die letzten 20 Jahre in einem Atombunker, völlig abgeschnitten von der Aussenwelt verbracht hat, dann könnte einem dieses Spektakel durchaus gefallen. Anfang der Neunziger hätte ich auch noch meinen Spaß mit diesem "Beer'n Bretzl Movie" gehabt...
Harry Knowles, leider nicht sehr geschmackssicherer Kultschreiberling der "Ain't It Cool News" Website fand den Film jedenfalls richtig töfte. Allerdings mochte der auch den Esoterik Kitsch THE FOUNTAIN oder den völlig versemmelten HOSTEL- man kann ja so gut mit Regisseur Eli Roth. Harry Knowles ist eben ein echter Nerd. Ebenso wie EVIL ALIENS Regisseur Jake West:

Das Filmchen jedenfalls dürfte für alle interessant sein, die noch nie ein Epos von Peter Jackson, Sam Raimi oder George A. Romero gesehen haben. Ohne die Intelligenz oder eher Cleverness von Filmen wie EVIL DEAD 2, BAD TASTE oder BRAINDEAD, werden hier die üblichen Fäkalflachwitze von Knallchargen gerissen, während des öfteren Gliedmaßen durch die Gegend segeln. Neben einer zugegeben erstaunlich derben Alien-Analsonden-Penetration am Anfang (wahrscheinlich der einzige Grund für die Existenz dieses Films) und ein paar drolligen Effekten im weiteren Verlauf der Handlung, gibt es in der Tat nicht viel, was für dieses Werk spricht. Der Humor kann es jedenfalls nicht sein, denn Regisseur West vergeigt fast jeden Witz. Die unerträgliche Grimassen schneidenden Darsteller besorgen dann den Rest. Wenn am Ende dann sogar der Rasenmäher aus BRAINDEAD einfach gegen einen Mähdrescher ausgetauscht wird, freut man sich nicht an dem Zitatreigen, sondern stöhnt eher über die Einfallslosigkeit des Regisseurs, welcher schon seinen "Coole Lack- und Ledervampire"-Erstling RAZOR BLADE SMILE (1998) dezent in den Sand setzte. Okay, der gute Mann ist ein echter Fan des Genres, aber warum immer nur zitieren und nicht lieber selbst was Originelles auf die Beine stellen? Quentin Tarantino, der größte Fan von allen, schafft das doch auch irgendwie!
Immerhin sind die Make Up Effekte schön handgemacht und man wähnt sich des öfteren in einer Achtziger Jahre Videopremiere. Was aber auch nicht unbedingt ein Kompliment ist.
Auch die CGI Effekte sind überdurchschnittlich für ein Budget von knapp 1,3 Millionen Dollar, aber das sind halt alles nur technische Pluspunkte. Vielleicht hab ich auch einfach schon zu viele Fun Splatter Epen gesehen- EVIL ALIENS jedenfalls wird dieses Untergenre nicht neu beleben und reicht höchstens als kleiner roher Burger für zwischendurch. Für Allesseher und Gorehounds geeignet. SHAUN OF THE DEAD und SLITHER haben da mehr zu bieten.

Eigentlich heisst es ja auch JAKE WEST'S EVIL ALIENS. In aller Bescheidenheit.

2007-01-28T11:31:00.002+01:00

NOROI - THE CURSE, Japan 2005, Regie: Koji Shiraishi

Okay. Der alte Trick. Entdecktes Filmmaterial mit verstörendem Inhalt. In Rainer Erlers brilliantem DIE DELEGATION (1971) sind es die Aufnahmen eines verstorbenen Reporters, welcher einer UFO-Verschwörung auf der Spur war. Ruggero Deodatos effektiver, aber nur schwer verdaulicher CANNIBAL HOLOCAUST (1979) präsentiert uns die entdeckten Filmrollen einer im Dschungel verschollenen Reportercrew, welche den letzten Kannibalen nachforschte. Und THE BLAIR WITCH PROJECT (1999) von Daniel Myrick und Eduardo Sanchez entführte uns in die düsteren Wälder Amerikas und avancierte dank einer brillianten Internetkampagne zum erfolgreichsten Independent Film aller Zeiten.
Das Genre der Pseudodokumentation verkauft die geschickt kaschierte Illusion als Realität- Filmmaterial, meistens 16mm oder DV, wirkt roh zusammengeschnitten und unbearbeitet, die Kamera ist wackelig, nur Originalton wird verwendet, die Schauspieler sind nicht als solche zu erkennen...in einer guten Pseudodoku ist die Illusion perfekt- das einzige, was diese am Ende dieser Filme immer zerstörte, war der ganz normale Vor- oder Abspann, welcher die vermeintliche Doku als Spielfilm entlarvte. Und das wurde im Falle von NOROI geschickt gelöst:

"The names of persons and organizations in this movie have been partially changed."
"Produced byTaka Ichise"
"Directed by Koji Shiraishi"

Das Bild einer Videocassette auf schwarzem Grund wird eingeblendet.

Erzähler: "This video documentary is deemed too disturbing for public viewing."

Das ist alles. Ein Abspann existiert ebenfalls nicht. Der Film beginnt...
Masafumi Kobayashi (in der imdb ausgegeben als "Himself"), Autor und Journalist des Paranormalen, sammelte Informationen über diverse seltsame Ereignisse, die ihn auf die Spur eines unheimlichen Rituals bringen sollten, in dem ein alter Dämon namens Kagutaba beschwört wurde. Kobayashi zeichnete all seine Entdeckungen auf Video auf. Im April 2004 vollendete er diese seine letzte Doku namens THE CURSE. In der Nacht zum 12. brannte sein Haus nieder. Dort wurde die Leiche seiner Frau entdeckt, aber von ihm selbst fehlt jede Spur...

Was zunächst wie eine willkürliche Ansammlung absonderlicher Ereignisse wirkt, erschließt sich mit der Zeit als lauter rote Fäden, die geschickt zusammenlaufen und sich nur als Teile einer größeren Geschichte herausstellen. Clever wird eine japanische Fernsehsendung (natürlich auch fake, aber man weiss' ja nie!), in der paranormal begabte Kinder getestet werden, eingeflochten. Oder eine lustige kleine Jugendshow, in der ein "Super Psychic" besucht wird. Das macht NOROI-THE CURSE ähnlich wie Daniel Minahans SERIES 7- THE CONTENDERS (2001) zu einer bissigen Mediensatire, welche die Sehgewohnheiten des Publikums hinterfragt und gleichzeitig einen Einblick in die recht bizarre Fernsehwelt Japans gibt.
Und das auf die unheimliche Art! Der Film jagt einem einige wohlige Schauer über den Rücken, denn neben den schon fast altbewährten Schocks des Japanhorrors fährt NOROI besonders in der zweiten Hälfte schwerere Geschütze auf, um schließlich am Ende in einem wahren Crescendo des Grauens zu münden. Viele nette kleine Details am Rande sorgen zudem für eine stetig ansteigende Spannungskurve und die guten Darsteller verpacken die ungewöhnlichen Ereignisse überzeugend. Das Rad wird hier zwar nicht wirklich neu erfunden, aber eine so liebevoll gestaltete Pseudodoku hat es schon seit einiger Zeit nicht mehr gegeben.
Regisseur Koji Shiraishi, welcher auch eine Episode zu DARK TALES OF JAPAN beisteuerte, beweist mit Ironie und Sinn für psychologischen Grusel, daß man mehr von der japanischen Horrormythologie erwarten kann als glatte, über das Gesicht fallende, schwarze Haare!

2007-01-27T21:32:00.001+01:00

Das Leiden der anderen:
THE FOUNTAIN, USA 2006, Regie: Darren Aronovsky

Drei Geschichten präsentiert der Regisseur von PI und REQUIEM FOR A DREAM seinem verstört dreinblickenden Publikum, welches ob des Bombardements an kitschig- religiöser Symbolik und seltsam Hippie-esken psychedelischen Spezialeffekten bereits nach einer halben Stunde bereut, keinen Trip geschmissen oder zumindest einen kleinen Joint geraucht zu haben...

Das Konzept an sich ist nicht unbedingt neu (und wurde in THE HOURS und dem hierzulande immer noch nicht erschienen DUST (2001) wesentlich bravouröser umgesetzt), sollte aber in den Händen eines Könners wie Aronovsky eine erfrischende Wiederbelebung erfahren. Dachte ich. Doch es kam leider anders: Sein mehrere Jahrhunderte umspannendes Epos von der großen Liebe krankt an so einigen Ecken. Hugh Jackman, welcher als besessener Wissenschaftler versucht, das Leben seiner an einem Hirntumor erkrankten Frau (toll wie immer: Rachel Weisz) mit Hilfe eines Wunderbaumes zu retten, bildet den Hauptstrang. Parallel wird die Geschichte des Buches erzählt, an welchem sie gerade schreibt, welches die Gegenwart quasi in der Welt des spanischen Eroberers Tomas und seiner bedrohten Königin Isabel (ebenfalls Jackman und Weisz) versetzt. Und dann gibt es da noch die ferne Zukunft, in der Jackman glatzköpfig und dank dem Wunderbaum mittlerweile unsterblich, in einer Glaskugel durch das All reist, um in einem Farbschlierendurchwebten Finale seiner schon irgendwie buddhistisch angehauchten Bestimmung entgegenzuschweben.

Man zuckt anerkennend mit der Augenbraue: Das ist schon starker Tobak.

Aronovskys großer Fehler besteht leider darin, daß er seine Geschichte bar jeden Humors erzählt und einen esoterischen Trip heraufbeschwört, der bis jetzt noch von jedem Regisseur in den Sand gesetzt worden ist, egal, ob man nun Jan BLUEBERRY Kounen, M. Night SIGNS Shyamalan oder Mel PASSION CHRISTI Gibson heisst: An religiöser Metaphorik haben sich bis jetzt noch die meisten verhoben. Es sei denn sie heißen Ken Russell! Und wenn der geBrynnerte Jackman am Ende im Lotussitz in eine Art Space Gebärmutter fliegt, dann bleibt einfach kein Auge trocken...

Dabei will ich dem Film gar nichts Böses- aber dieses Baby hat Aronovsky leider in den Sand gesetzt! Die Bilder sind teilweise natürlich wirklich beeindruckend, aber die eigentliche Story läßt einen trotz der guten Darsteller kalt und ertrinkt oftmals in unnötiger Kitschmetaphorik. Wobei ich die Szene mit dem Wunderbaumsaft trinkenden Conquistador, dem nach dem Genuss der Substanz ALIENmäßig ganze Primelbüschel aus der Brust schiessen, definitiv dieses Jahr für die güldene Himbeere nominieren würde!

THE FOUNTAIN, welcher ja schon eine beeindruckende Produktionshistorie hinter sich hat, und nach dem Aussteigen von Brad Pitt von knapp 70 Millionen Dollar auf 35 zurückgestuft wurde, gewaltige Drehbuchveränderungen inklusive, sollte als kleiner Ausrutscher dieses Ausnahmeregisseurs gewertet werden und nicht davon ablenken, daß man von Darren Aronovsky noch so einige Überraschungen erwarten kann. Hoffentlich demnächst auch wieder gute.

Bis dahin gilt: Lieber nochmal REQUIEM FOR A DREAM gucken.

LUCKY NUMBER SLEVIN, USA 2oo5 , Regie: Paul McGuigan

2007-01-14T20:14:00.003+01:00

Es gibt Filme, die machen es einem nicht gerade einfach. Die Ingredienzien stimmen, sowohl vor als auch hinter der Kamera stehen fähige Leute, die Story ist solide, aber aus irgend einem Grund will der richtige Funken nicht überspringen. Im Falle dieses Films ist es sicherlich die "Schuld" Quentin Tarantinos und Bryan Singers (DIE ÜBLICHEN VERDÄCHTIGEN), daß einen das Gefühl eines Déja-Vus des öfteren befällt...
Als Tarantino Anfang der 90er Jahre den coolen Gangstertypus der Siebziger quasi neu erschuf und ihm wunderbar clevere Wortspielereien in den Mund legte, während er andere schwere Jungs auf teilweise ziemlich garstige Art und Weise ins Jenseits beförderte, so war das erfrischend und innovativ. Leider sind seitdem über zehn Jahre vergangen, und Dutzende von lustig brabbelnden bösen Jungs überschwemmten seitdem die Leinwand. Nicht zuletzt dank der Filme des völlig überschätzten britischen Tarantino Epigonen Guy Ritchie (BUBE, DAME, KÖNIG, GRAS; SNATCH) wurde Gewalt zusehends zu einer fröhlichen Angelegenheit und die umständlich, mit allerlei visuellem Schnickschnack getarnten Storys mit der Zeit so flach wie das Wattenmeer bei Cuxhafen. Und das ist noch nichts im Vergleich zu den vielfachen Direct-to-Video Abstürzen, die nun in den Videotheken vor sich hinstauben. Da ist eine Überraschung wie CRANK pures Balsam für die Augen, ein kleiner Actionthriller, der derbe und wirklich witzige Gags, oder Tarantinoismen, mit irrsinnigen Actioneinlagen verbindet. Und das auf angenehm neue Art und Weise.
LUCKY NUMBER SLEVIN positioniert sich da genau zwischen den Stühlen. Die Geschichte des jungen Slevin (Josh Hartnett), der nach dem Mafiamord an seinen Eltern beschließt, Rache zu nehmen und daraufhin die verantwortlichen Gangster "The Boss" (Morgan Freeman) und "The Rabbi" (Sir Ben Kingsley) gegeneinander ausspielt, ist nicht mehr als eine weitere YOJIMBO Variante. Dennoch wird einem das Ganze durch die typisch verschachtelte Erzählweise mit schon früh zu erahnendem, und von mir (Hups!) bereits verratenem Handlungskniff frecherweise für neu verkauft. Zudem funktioniert die Mischung aus trockenem Humor und düsterem Rachedrama nur leidlich, was einen besonders gegen Ende öfters mal erstaunt mit den Ohren schlackern läßt.
Was schade ist, denn die Darsteller sind allesamt in Topform, besonders der sonst eher als Minimalmimiker aufgefallene Josh Hartnett weiss zu überraschen (obwohl de Palmas BLACK DAHLIA beweist, daß dieser Film wohl eher ein Ausrutscher war), Morgan Freeman wirkt väterlich und bedrohlich gleichermaßen, Lucy Liu ist ungemein niedlich und Bruce Willis glänzt in seinen mysteriösen, wortkargen Auftritten als Killerlegende. Stanley Tucci, Mykelti Williamson und Robert Foster runden den bunten Reigen ab. Regisseur McGuigan schwelgt, wie schon in dem homogeneren GANGSTER NO.1 in zwar übertrieben auf Kult getrimmten (und teilweise sogar witzigen) Dialogen und psychedelischen Bühnenbildern. Wilde Kamerakapriolen, wie die schon typischen Todes-POVs (man denke nur an GANGSTER NO.1!) und schon vielfach gesehene SplitScreen- und Überblendungstricks machen aus LUCKY NUMBER SLEVIN ein immer unterhaltsames, am Ende aber leider doch etwas schales Gebräu, welches etwas zu willkürlich mit seinen diversen Stimmungswechseln umspringt. Schade, denn etwas mehr wirkliche Originalität hätte dem Film gut gestanden.
Dennoch: Für mal eben zwischendurch ganz nett anzuschauen.

2007-01-10T18:24:00.002+01:00

Auf dem Bauernhof hört dich niemand schreien:
ISOLATION, GB/Irland 2005, Regie: Billy O'Brian

Bauernhöfe. Quell romantischer Kinderphantasien. Michel aus Löneberga. Natur. Leben auf dem Lande. Aber auch Jauche. Fäulniss. Ausscheidungen. Tod.
Womit wir uns in der idyllischen Landwelt der kleinen Horrorgranate ISOLATION wiederfinden. Der Kundige denkt jetzt sofort: Ha! Schon wieder amoklaufende Hillbillies, die ahnungslose Großstadtteens zu Mettbrötchen verarbeiten!! Aber nein, weit gefehlt, eher findet man sich in Welten wieder, die David Cronenberg in seiner frühen Schaffensphase gerne bereist hat. Wissenschaftliche Experimente laufen schief und grauenerregende organische Veränderungen sind die Folge. Körperhorror. Urängste werden angesprochen. Was sind das für Pusteln auf meinem Arm? Wie ist es, eine Kuh rektal zu untersuchen und plötzlich von etwas in ihr drin gebissen zu werden? Oder mit dem Traktor nachts in einem großen Jauchebecken steckenzubleiben und sich dann durch den Schmodder auf den Rückweg machen zu müssen, wissend, daß irgend etwas dort drinnen sein Unwesen treibt....
ISOLATION bietet einige dieser schön ausgetüftelten, unangenehmen Momente, verfällt aber nicht in primitive B-Horror Niederungen. Der Film ist sehr sorgfältig gemacht und bietet schön düstere Bildkompositionen und Atmosphäre en masse. Der Bauernhof, auf dem das Genexperiment sich verselbstständigt, ist zudem keine Almhütte mit baufälliger Scheune, sondern ein ziemlich modernes Gehöft, dessen Labor und weitläufige Scheunen für einige schaurige Momente sorgen. Und Paul Lynch, Veteran diverser britischer Dramen, liefert eine überzeugende Leistung als Existenzbedrohter Bauer ab- auch die anderen Charaktere liefern realistische Porträts, aber das ist ja eh eine der großen Stärken des britischen phantastischen Films. Als Zyniker könnte man ISOLATION fast als ALIEN auf dem Bauernhof bezeichnen, da die zweite Hälfte doch in eine ziemliche Monsterhatz ausartet und zudem mit einem etwas mauen Ende aufwartet. Dennoch steht der Film über den meisten Kopien, weil er einfach auf dem Boden bleibt. Die größte Bedrohung geht hier von der menschlichen Seite aus, und das macht diesen blutigen Irland Trip zu so einem effektiven Schocker, welcher damit in der besten Tradition des neuen britischen Horrorkinos von Filmen wie 28 DAYS LATER, THE BUNKER oder THE DESCENT steht. Einen blutigen Daumen nach oben!!

APOCALYPTO, USA 2006, Regie: Mel Gibson

2006-12-21T13:12:00.003+01:00

Gute Actionfilme zeichnen sich zumeist durch eine klare, simple Storyline aus. In APOCALYPTO ist es die Geschichte des jungen Indianers Tiger Paw (Rudy Youngblood), dessen kleines Walddorf von den Maya überrannt wird. Zwar kann er seine junge schwangere Frau und seinen Sohn in einen ausgetrockneten Brunnen herablassen und somit vor dem Massaker retten, jedoch werden er selbst und andere Dorfbewohner als Sklaven entführt, in die Stadt gebracht und als Opfer für die erboste Gottheit feil geboten. Nur durch einen Wink des Zufalls kann er jedoch entkommen, und eine nervenaufreibende Jagd durch den Urwald beginnt, während der einsetzende Regen langsam den Brunnen füllt....
Nachdem Mel Gibson in letzter Zeit eher durch Peinlichkeiten besonders antisemitischer Natur aufgefallen war, erwartete man fast eine Fortsetzung seines Jesus Exploitationschockers DIE PASSION CHRISTI, einem Werk, welches unter dem Deckmantel der religiösen Akkuratheit eher an die Folterklassiker der Siebziger Jahre à la HEXEN-GESCHÄNDET UND ZU TODE GEQUÄLT erinnerte. Dennoch (oder genauer: gerade deswegen) wurde sein, noch dazu von ihm selbst produziertes, Machwerk ein weltweiter Superhit, welcher in einer familienfreundlicheren Version sogar noch einmal in die US-Kinos gebracht wurde, um dort auch bei den Jüngeren abzusahnen. Und nun APOCALYPTO. Zum Glück hat Gibson sich hier wieder auf seine BRAVEHEART Wurzeln bezogen und serviert das, was er am besten kann: Harte Action im detailverliebten Historiengewand! In der Tat besitzt dieser nicht gerade zimperliche Film einige grandiose Schauwerte, für die sich ein Besuch im Kino definitiv lohnt-sei es nun die um höchsten Realismus bemühte HD Kameraarbeit von Dean Semler oder der exotische Soundtrack von James Horner (welcher schon lange nicht mehr so gute Arbeit abgeliefert hat). Die Darsteller, welche in einem Dialekt der damaligen Zeit sprechen, sind eher Beigabe, es sind die Schauwerte, die zählen:
Nach einem beschaulichen Beginn im idyllischen Dörfchen des Hauptdarstellers entwickelt sich der Film mit der Entführung der Dorfbewohner zu einem wahren Horrortrip. Auf beeindruckende Weise öffnet sich das Geschehen vom Primitiven und Kleinen zur gewaltigen Größe und dem Fortschritt der "Großstadt". Riesige Minen mit staubbedeckten Sklaven, gewaltige Tempel, die unheimlich geschmückte Herrscherkaste, das schockierende Opferritual am höchsten Punkt der Stadt (mit unfreiwilliger Herzentnahme und rollenden Köpfen) und die Hetzjagd während der letzten halben Stunde des Films bieten klassisches Abenteuerkino satt! Allerdings nicht für Nervenschwache- wie schon bei seinen letzten Filmen frönt Gibson dem fröhlichen Aderlass und die 18er Freigabe ist mehr als verdient. Die Story läßt sich zwar auf einem Bierdeckel unterbringen, aber hey, es ist ja ein Äktschnfuim!
Erst am Ende wird es dann des guten doch etwas zuviel: Die spannende, aber nichtsdestotrotz schon öfter gesehene Hetzjagd (man denke an den recht ähnlichen Survivalklassiker THE NAKED PREY (1966) von Cornel Wilde) läßt den Film nach der beeindruckenden ersten Hälfte leider etwas abflachen, und die parallele Unterwassergeburt sowie gerade zufällig eintreffende Spaniergaleeren strapazieren das Logikkonstrukt doch etwas über.
Aber was soll's? Wie sagt man im Englischen so schön:
APOCALYPTO delivers!

GARTH MARENGHI'S DARKPLACE, GB 2004, Regie: Richard Ayoade

2006-12-01T12:01:00.003+01:00

I'm Garth Marenghi- author, dream weaver, visionary, plus actor. You are about to enter the world of my imagination. You are entering my Darkplace."
So fängt eine der innovativsten, mutigsten und schockierendsten Serien der achtziger Jahre an: GARTH MARENGHI'S DARKPLACE, den wahnsinnigen Gehirnwindungen des Horrorautors Marenghi entsprungen und nach nur wenigen Folgen eingestellt. Erst 2004 wurden ausgewählte Episoden der britischen Öffentlichkeit wieder zugänglich gemacht, nun konnte man sich selbst ein Bild von den beeindruckenden Visionen dieses Horrorgenies machen...
Halt! Kommando zurück! Diese Serie gibt vor, in den gloriosen Achtzigern gedreht worden zu sein, vom billigen, Videogenerierten Vorspann, über die verblassten Bilder bis hin zu den miesen Spezialeffekten! DARKPLACE ist der äußerst clevere Versuch, den Look und die trashigen Storylines britischer und amerikanischer Science Fiction- und Horrorserien vergangener Zeiten nachzukreieren. Und das mit geradezu erschreckender Perfektion! Die Typen! Die Frisuren! Die Klamotten! Die verstellten, teilweise schlecht nachsynchronisierten Stimmen und noch (bewußt) übleren Dialoge! Handgemachte Effekte treffen auf völlig durchgeknallte Ideen, keine noch so bizarre Situation wird ausgelassen, und das so konsequent, daß selbst die Anfangscredits gefaked sind- der Geist des ominösen Garth Marenghi schwebt über allem (selbst die Titelmelodie wurde nach seinem Pfeifen der Melodei gestaltet)....
Ähnlich wie Lars von Triers HOSPITAL DER GEISTER spielt DARKPLACE in den trostlosen Gängen des gleichnamigen Krankenhauses, in dem die Ärzte Dr. Rick Dagless M.D. (Garth Marenghi persönlich, bzw. Matthew Holness), sein Freund Dr.Lucien Sanchez (Matt Berry), die telekinetisch begabte Assistentin Liz Asher (Alice Lowe) und der etwas trottelige Chef der Truppe, Thornton Reed (Regisseur Richard Ayoade) ihr Unwesen treiben. Seltsame Dinge geschehen an diesem Ort, und unsere Helden müssen des öfteren um ihr Leben fürchten, wenn alte Freunde explodieren und Höllentore öffnen, Bügeleisen wie einst bei CARRIE durch die Gegend levitieren, riesige, zweibeinige Augen männliche Patienten vergewaltigen, die gesamte Belegschaft sich in Affenmenschen verwandeln, tote Schotten Rache nehmen und ahnungslose Patienten sich in Space Broccoli verwandeln! Und das ist erst die Spitze des Eisbergs...Das brilliante an diesem ganzen Wahnsinn ist die Tatsache, daß diese unglaublichen Ereignisse immer wieder durch kurze Interviews mit Garth Marenghi, welcher auch jede Folge eröffnet, und (Pseudo-) Produzent Dean Lerner unterbrochen werden, in denen sie immer wieder feststellen, wie toll ihnen die Serie wohl gelungen ist: "Ich dachte, wenn ich sie nach so vielen Jahren wiedersehe, würden die ganzen Fäden albern aussehen- aber dem ist nicht so, wir haben hervorragende Arbeit geleistet!" Auch der Kommentar zu den diversen Zeitlupensequenzen ist goldig: "Die Episoden waren ursprünglich nur acht Minuten lang- so fanden wir einen geschickten Weg sie zu strecken!"
Das DARKPLACE nicht zu einer völlig bescheuerten Nummernrevue verkommt, ist vor allem den Darstellern zu verdanken, welche völlig seriös, dabei aber richtig schön schlecht aufspielen. Besonders Regisseur und Stand Up Comedien Richard Ayoade treibt einem als unbeholfener Laiendarsteller, welcher den Text offensichtlich abliest, immer wieder Tränen der Freude in die Augen, aber auch die anderen Rollen haben alle Gelegenheit zu glänzen. Absoluter Brüller der letzten Folge: Das achtziger Jahre "One Track Lover" Musikvideo mit Lucien Sanchez aka. Matt Berry. Es verschlägt einem den Atem.
Ähnlich wie bei THE LOST SKELETON OF CADAVRA (siehe Review) wird dem wahren Kult mit großem Respekt und Augenzwinkern gehuldigt, DARKPLACE zeigt dem Betrachter auf, daß Serien wie DR. WHO oder MONDBASIS ALPHA 1 mitunter vielleicht billig aussahen, dies aber durch große Freude an der Fabulierkunst wieder wett machten und gerade dadurch ihren ganz eigenen Charme versprühten.
Diesen Effekt erzielt auch DARKPLACE beim Betrachter und macht hochgradig süchtig: Wo Kunst auf Slapstick trifft und Surreales à la NUMMER SECHS auf Natursekt trinkende Menschenaffen, dort kann die Welt nur in Ordnung sein....
"You're not getting my rod without a fight!"

2006-11-21T10:18:00.000+01:00

AUS AKTUELLEM ANLASS:
AMOK

In Emsdetten kam es gestern zu einem Amoklauf an der Geschwister-Scholl-Realschule, in dessen Verlauf 11 Menschen verletzt wurden- der 17 jährige Täter Sebastian B. richtete sich schließlich selbst.

Das Schema ist dasselbe wie bei den letzten bekannten Amokläufen à la Erfurth oder Columbine: Zurückgezogen lebende, sozial gestörte Jugendliche mit einer großen Faszination für Waffen und Ballerspiele streifen sich lange Kutten über und richten ein Massaker an, bei dem sie, durchaus von langer Hand geplant, ihrem Hass auf Mitschüler und Lehrerschaft freien Lauf lassen. Am Ende steht der Freitod. Mittlerweile kann man fast von einer Blaupause sprechen- man kennt die Ursachen, handelt aber nicht dementsprechend. Anstatt das soziale Umfeld dieser Kinder (das sind sie größtenteils noch) zu untersuchen, besonders das Verhältnis innerhalb der Familie und im Freundeskreis, wird erstmal wieder schön oberflächlich gegen gewalttätige Computerspiele und Splatterfilme gewettert. Man schreit wieder nach einer strengeren Zensur- als hätte man aus den Fehlern der Vergangenheit nicht gelernt!
Schon öfters wurden Spielfilme mit tatsächlichen Gewalttaten in Verbindung gebracht (TAXI DRIVER; NATURAL BORN KILLERS; MATRIX), aber auch Bücher (AMERICAN PSYCHO) und Musik (CANNIBAL CORPSE, etc.) galten in den falschen Händen schon als Inspiration zum Morden. Man sollte dabei aber bedenken, daß selbst ein Löffel in den falschen Händen zur Waffe mutieren kann- verbieten wir deswegen alle Esswerkzeuge?

Es handelt sich um ein Problem des Individuums, nicht der Masse. Für jeden Amokläufer gibt es Millionen von Menschen, die nicht durch Videospiele zum Killer werden. Oder die nach Sichtung von FREITAG, DER 13. mit Machete und Eishockeymaske Teenager meucheln. Amoklauf ist ein rein soziales Problem und muß dementsprechend analysiert werden. Besonders die Eltern sind da gefragt: Immer mehr Familien leben nebeneinander her, die Eltern interessieren sich nicht für die Belange ihrer Kinder, welche gerade im Alter von 14 bis 18 eine sehr schwierige Phase durchmachen. Robert Steinhäusers Eltern hatten nicht einmal mitgekriegt, daß er schon seit Wochen nicht mehr zur Schule ging. Oder was er da in der Abgeschiedenheit seines Zimmers so trieb...ach, der spielt immer nur diese schrecklichen Spiele.
So auch beim aktuellen Fall: Vorzeichen gab es genug. Offenbar entwickelte der Aussenseiter Sebastian S. einen riesigen Hass auf die Menschheit und liess seinen Hasstiraden auf seiner Homepage freien Lauf. Er drehte kleine DV- Filmchen, die er ebenfalls ins Netz stellte, und ihn im martialischen Outfit beim Hantieren mit Waffen und beim Zünden von Sprengladungen zeigten. Einen Animationsfilm, in dem ein Männchen andere ermordet. Privat trug er gern Tarnklamotten...
Er hätte sich auch zu einem völlig harmlosen Computer Nerd mit Waffenfimmel entwickeln können. Wie tausend andere. Dennoch waren es Zeichen, die den Eltern sagen sollten: Seltsam. Warum geht der Junge nie raus, und wenn, dann mit Sonnenbrille, diesem seltsamen langen Mantel und Tarnhose? Warum ist er so introvertiert und hat keine Freunde? Und warum diese Faszination für Schusswaffen? Lauter Dinge, die einen nachhaken lassen sollten. Die Webseite (von der die Eltern wahrscheinlich keine Ahnung hatten) war da nur das i- Tüpfelchen.

Weshalb haben seine Eltern überhaupt nichts geahnt? Man fragt sich das, wie man es sich damals bei Robert Steinhäuser fragte. Hätte seine Mutter damals nur in seine Sporttasche geblickt, hätte sie sein Waffenarsenal sogar gesehen.
Eltern haben eine Aufsichtspflicht, und dazu gehört erst recht, sich mit den eigenen Kindern auseinanderzusetzen. Gerade in der heutigen Zeit ist es wichtig, mit ihnen über ihre Probleme zu reden und dementsprechend zu handeln.

Bevor man wieder anfängt, Medien zu verbieten, sollte man eher das Miteinander näher untersuchen. Erwachsene sollte man nicht bevormunden, indem man Spiele und Filme (die eh erst ab 18 freigegeben sind) verbietet und zensiert. Denn eine Zensur findet in Deutschland nicht statt. So sagt es das Gesetz- und doch wird immer wieder dagegen verstossen.

THE LOST SKELETON OF CADAVRA, USA 2001, Regie: Larry Blamire

2006-11-20T21:24:00.003+01:00

Monsterfilme der filmischen Frühzeit. Irgendwie hat man sie ja lieb gewonnen (auch wenn man nicht in den Fünfzigern des amerikanischen Westens groß geworden ist)! Wunderbare Schwarz/Weiss B- Movies mit blumigen Namen wie ROBOT MONSTER oder PLAN 9 FROM OUTER SPACE, um nur mal zwei Vorbilder des oben benannten, sympathischen Retrospektakels zu nennen. Es sind also weniger die anerkannten Meisterwerke à la FLIEGENDE UNTERTASSEN GREIFEN AN, METALUNA 4 ANTWORTET NICHT oder ALARM IM WELTALL, die hier verballhornt werden, nein, man huldigt den legendären Trashgranaten vergangener Zeiten, als 1000 Dollar noch reichten, einen Film ins Autokino zu bringen!
Besonders in der Zeit von 1950 bis Anfang der 60er existierte im fernen, exotischen Amerika eine wahre Drive- Inn Hochkultur, in der pubertierende Teenies ihre Zahnspangen ineinanderverhakten, während auf der Leinwand atomverseuchte Mutanten, Krabbenmonster und seltsam unbeholfene Außerirdische die Menschheit bedrohten. Meistens für eine handvoll Dollar innerhalb weniger Tage mit Knallchargen abgedreht, versprühen diese Oldies selbst heute noch einen faszinierenden, naiven Charme und lassen einen ungläubig staunen, mit welch einfachen Mitteln man damals für Terror im Parkett (bzw. auf dem Rücksitz) sorgte!

THE LOST SKELETON OF CADAVRA erzählt die packende Geschichte von Dr. Paul Armstrong (Regisseur Larry Blamire) und seiner etwas dümmlichen Frau Betty (Fay Masterson), die einen Meteor entdecken, welcher das sagenumwobene Atmosphereum enthält. Selbiges benötigen aber auch zwei havarierte Außerirdische, Kro-Bar (Fassung bewahrend: Andrew Parks) und Lattis (verwirrt: Susan McConnell), welche alles daran setzen, unteranderem das Öffnen von Türen, um an das seltene Material zu gelangen. Und dann wäre da noch Dr. Roger Fleming (Brian Howe), welcher sinistre Pläne mit Weltherrschaftstendenz hegt, und mit Hilfe seiner etwas seltsamen Assistentin Animala (Jennifer Blaire) das legendäre Skelett von Cadavra zum Leben erwecken will! Und schließlich wäre da noch das entflohene Haustier der Aliens: Ein zwei Meter großer, dreiäugiger Mutant, welcher mit seinen Blicken die Damenwelt betört...
Immer wieder muß ich an die faszinierende Türszene denken: Kro-Bar und Lattis stehen in menschlicher Verkleidung vor der Blockhütte der Armstrongs. Dummerweise kennen sie nur sich selbsttätig öffnende Schleusen und werden von dieser unüberwindbaren Situation förmlich in den Wahnsinn getrieben- nicht ahnend, daß Paul und Betty von drinnen lauschen:
Kro-Bar:
"This appears to be an entrance of some sort."
Lattis:
"Then why isn't it opening, my love? Oh, I'm scared. This is insane! This makes no sense, I tell you! Why is this happening? Why is this happening?"
Kro-Bar:
"Calm, Lattis. There must be some explanation. There has to be."
Lattis:
"What's wrong? What's wrong? Why doesn't this entrance open?"
Es gibt viele so herrlich fremdartige, alberne Momente- zB. bedeutet "Hinsetzen" für die E.T.'s "Fold yourself in the middle!" Regisseur Blamire entwickelt teilweise einen sehr eigenen, bestimmt nicht jedem zugänglichen Wortwitz, aber besonders Fans der alten Klassiker werden das herrliche Überagieren der Darsteller regelrecht wiederentdecken. Im Gegensatz zu Humordreck wie SCARY MOVIE zollt Blamire den B-Movies jedoch Tribut, und schafft es, die eigentümliche Atmosphäre vergangener Zeiten heraufzubeschwören. Teilweise wähnt man sich fast in einem bizarren Kunstfilm- die (guten) Darsteller überzeugen durch ihre Ernsthaftigkeit, mit der sie das alberne Geschehen verkörpern und gerade durch dieses Understatement wird der Humor von LOST SKELETON so effektiv. Einziger Wehmutstropfen: In seiner unlaublichen Authentizität dehnt sich die Story gegen Ende dann doch ein wenig- aber selbst das trifft auf viele der alten Schinken ebenfalls zu.
Alles wirkt authentisch, von den kostengünstigen Sets und handgemachten Special Effects bis zum völlig depperten Mutanten Outfit- LOST SKELETON OF CADAVRA ist ein wahres Kind der Liebe, und sollte auch als solches gewürdigt werden!
Man darf gespannt sein auf Blamires nächsten Ausflug in delirierende B-Movie Untiefen: TRAIL OF THE SCREAMING FOREHEAD!

13 (TZAMETI), Frankreich 2005, Regie: Géla Babluani

2006-11-15T13:19:00.003+01:00

Der junge Sébastien (Georges Babluani, Bruder des Regisseurs), Sohn georgischer Einwanderer in Frankreich, lebt mit seiner Familie am Rande des Existenzminimums. Als er bei einem Gelegenheitsjob ein Gespräch belauscht, in dem es um eine große Summe Geld und einen ominösen Briefumschlag geht, wird er hellhörig. Nach dem Tod seines Morphiumabhängigen Auftraggebers nimmt Sébastien dessen Briefumschlag an sich und folgt den Instruktionen- nicht ahnend, daß seine Reise ihn aufs Land führen wird, wo alte, reiche Männer gewaltige Beträge auf Menschenleben setzen...
Regisseur Babluani erzählt seine Geschichte ruhig und in klaren Schwarz/Weiss Scope- Bildern. Die erste Hälfte des Films wirkt geradezu Kafkaesk, alles dreht sich nur um den geheimnisvollen Briefumschlag, Sébastien wird von dunklen Gestalten beschattet, man weiss nicht, wo seine Reise hinführt. Georges Babluani verkörpert den naiven Jüngling auf intensive Art und Weise, er schafft es, den Betrachter selbst zum Opfer werden zu lassen. Man wird einem starken Gefühl der Unsicherheit und -gewissheit ausgeliefert, welches in der zweiten Hälfte aufs Böseste bestätigt wird: Hier wird die Spannungsschraube gewaltig angedreht und man findet sich in einer Art FIGHT CLUB Szenario wieder- nur ohne den ganzen visuellen Schnickschnack. Dies ist kein Film der Popzitate, hier ist alles auf das Wesentliche reduziert.
Die Kontrahenten, dreizehn an der Zahl, stehen im Kreis und halten ihrem Nächsten die Pistole an den Kopf, auf das Signal des Schiedsrichters hin müssen sie die Trommel des Revolvers drehen und bei Aufleuchten einer Glühbirne abdrücken... Eine Art Massen- "Russisches Roulette", welches in seiner kalten Präzision umso verstörender wirkt. Regisseur Babluani benötigt keine Blutfontänen, um die menschenverachtende Brutalität dieses "Spiels" zu verdeutlichen. Runde für Runde drehen sich die Trommeln, bis ein Sieger feststeht- und das Spiel andernorts fortgesetzt wird.
TZAMETI prangert auf geschickte Art und Weise die Natur des Menschen an, und hält uns allen den Spiegel vor: Im sozialen Aus, wie weit würden wir gehen, um an Geld zu kommen? Um unsere Familie am Leben zu halten? Das Urteilen ist immer einfach, aber was wäre wenn? Die Odyssee des jungen Helden hat sehr symbolischen Charakter- wie ein Einwanderer ins fremde Land werden auch wir ins kalte Wasser geworfen und sind den höheren Mächten ausgeliefert.
Traurigerweise ist dieser intelligente Thriller noch nicht in Deutschland erschienen. Nach einer kurzen Aufführung auf dem diesjährigen Fantasy Filmfest wurde es sehr still um dieses Kleinod, da waren die Engländer gottlob wieder schneller:

CHILDREN OF MEN, GB/USA 2006, Regie: Alfonso Cuarón

2006-11-14T10:01:00.002+01:00

2027: Die Menschheit steht vor dem Aus. Seit Jahren wurde kein Kind mehr geboren, die Umwelt ist zerstört, in vielen Teilen der Erde herrscht Krieg. Als Julian, die Exfrau (Julianne Moore) des desillusionierten Ex- Wiederständlers und jetzigen Regierungsangestellten Theodor "Theo" Faron (herrlich abgewrackt: Clive Owen) plötzlich Kontakt mit ihm aufnimmt, damit dieser ihr gefälschte Papiere für eine illegale Einwanderin besorgt, kann er nicht ahnen, daß es sich bei der jungen Schwarzen um die erste Schwangere seit 18 Jahren handelt. Plötzlich findet Faron sich in einem Konflikt wieder, in dem ein Neugeborenes eine Revolution auslösen kann- und eine packende Odyssee durch das zusammengebrochene England beginnt...
Clive Owen als saufender Antiheld und Michael Caine als Dope anbauender Althippie ("Ich nenne es Erdbeer- Husten!") liefern die darstellerischen Highlights des Films- es ist immer wieder erfrischend, englische Charakterdarsteller in Hauptrollen von Großproduktionen zu sehen. Allein die Tatsache, daß Owen nie eine Schußwaffe benutzt und nur in Notwehr handelt, kommt im Kino der heutigen Zeit schon fast einer Innovation gleich! Und Caine als gealterter Karikaturist, welcher im Wald in seiner Geheimenklave haust und sich dort um seine pflegebedürftige Frau kümmert, während er GOA Rythmen lauscht, ist (wie immer) Gold wert. Sie bringen Menschlichkeit und Humor in eine Geschichte, die an Düsterniss kaum zu übertreffen ist.
Alfonso Cuarón, mexikanischer Regisseur des Überraschungshits Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001) und der wohl besten HARRY POTTER Episode DER GEFANGENE VON ASKABAN (2004) ist seinem Trend treu geblieben, oberflächlich harmlose Filmchen in beeindruckend düstere Gewänder zu packen: Wurde das scheinbar locker- flockige Erotikdrama Y TU MAMÁ.. vom baldigen (Film-) Tod der Hauptdarstellerin überschattet, so war es in HARRY POTTER die allgemein düstere Atmosphäre mit Dementoren und Werwölfen, die man so nicht in einem Kinderfilm erwartet hätte.
Und nun Science Fiction, basierend auf einer Vorlage von P. D. James. Auch hier erweist sich Cuarón als stilistischer Tausendsassa: Waren es bei Y TU MAMA... die beeindruckend sinnliche Scope- Farbfotografie (man denke nur an die Schwimmsequenz im Herbstlaub bedeckten Swimming Pool) und ausgeklügelte Kamerafahrten durch rabenschwarze Schattengemäuer im Reiche des Herrn Potters, so ist es hier ein fast schon radikaler Dokulook, welcher die tristen Bilder eines versifften Londons realistisch einfängt und die Welt des Jahres 2027 mehr als überzeugend rüberbringt.
Highlights sind zweifellos einige Sequenzen ohne (sichtbaren) Schnitt, schön gleichmäßig über Anfang, Mitte und Ende des Films verteilt: Eine schockierende Attacke auf das Auto der Helden, aus der Fahrerkabine gefilmt und absolut klaustrophobisch. Die Flucht auch noch im Rückwärtsgang. Eine andere Fluchtsequenz von einem Bauernhof gestaltet sich ironischer- der Wagen springt nicht an und muß den Hügel herunter gerollt werden, während Clive Owen mit FlipFlops hinterherspurtet! Und das packende Finale im Flüchtlingsghetto erinnert geradezu an die Kriegsphotographie eines James Nachtwey- in einer langen "Über die Schulter"- Sequenz folgen wir Owen durch ein wahres Höllenszenario, welches grauenerregende Erinnerungen an den Bosnienkrieg heraufbeschwört. Regisseur Cuáron spielt des öfteren auf beeindruckend realistische Art und Weise mit der Tiefe des Bildes, viele Dinge nimmt man auch nur aus dem Augenwinkel wahr.
CHILDREN OF MEN ist kein Actionspektakel, eher eine nachdenkliche Geschichte im Gewande eines packenden Fluchtdramas und steht insofern eher in der Tradition des düsteren Sozial- und Öko Science Fiction Kinos der siebziger Jahre (THX 1138; LAUTLOS IM WELTRAUM; DER OMEGA MANN; SOYLENT GREEN) als den Endzeitvisionen der 80er im Zuge von MAD MAX 2. Auch die Tatsache das größtenteils an realen Örtlichkeiten in England gedreht wurde, die geschickt und subtil verfremdet wurden, spiegelt dies wieder. Viele Computermonitore wurden ergänzt, zerstörte Umwelt erschreckend realistisch dargestellt. Und auf den Feldern schwelen die Tierkadaver. Der Einsatz von CGI ist so subtil wie brilliant und nur selten als solcher zu erkennen.
CHILDREN OF MEN gelingt es immer wieder, dem Betrachter die Kehle zuzuschnüren, und hält einige der packendsten wahren Kinomomente des Jahres parat- und das auf erfrischend "andere" Art und Weise. Wirklich sehenswert.
Ich liebe das fliegende Pink Floyd Schwein.

MIAMI BLUES, USA 1990, Regie: George Armitage

2006-10-30T10:30:00.003+01:00

Zum Glück überleben die kleinen Kulthits der (VHS -) Videotheken auch auf dem digitalen Format- dort sogar mit englischer Tonspur, welche einem die nachlässige Synchronisation vergangener Tage erspart.

Der von Jonathan Demme produzierte MIAMI BLUES zählt ähnlich wie John Landis' KOPFÜBER IN DIE NACHT (INTO THE NIGHT, 1985) oder auch SLAM DANCE (Regie: Wayne Wang, USA 1987) zu einer Art von Film, wie sie heute gerne mit der neudeutschen Floskel "Tarantino - Style" umschrieben wird: Schwarzhumorigen Thrillern mit ausgiebigem Hang zu exzentrischen Charakteren, absurden Situationen und ausufernden Gewalttätigkeiten - das Blut spritzt, aber das Kino lacht...
MIAMI BLUES nimmt Tarantinos Filmwelten bereits vier Jahre vorher vorweg, und spielt dank exzellenter Darsteller immer noch in der Oberliga dieses Genres mit:
Alec Baldwin ist schlichtweg brilliant als Junior Frenger, ein soziopathischer Krimineller, welcher gerade eine längere Haftstrafe verbüßt hat und nun nach Miami gekommen ist, um dort seinen zwielichtigen Geschäften nachzugehen. Dummerweise rennt er am Flughafen in einen nervigen Hare Krishna Jünger, welchem er erstmal einen Finger bricht. Unerwarteterweise stirbt (!) der gute Mann am Schock. Der verlotterte Sergeant Hoke Moseley (wunderbar: Fred Ward) ermittelt, und heftet sich an die Fersen Frengers, welcher mittlerweile eine Affäre mit einem tumben Freudenmädchen eingegangen ist (rührend: Jennifer Jason Leigh) und mit ihr die bizarreren Seiten des "American Way Of Life" durchlebt. Als Frenger dem Polizisten dann schließlich Waffe, Dienstmarke und Gebiss (!!) klaut, um als Ordnungshüter noch mehr Verbrechen zu begehen, steht einem überraschungsgeladenen und bleihaltigen letzten Akt nichts mehr im Wege...

Fred Ward, ein wunderbarer Charakter- und vielbeschäftigter Nebendarsteller (DIE LETZTEN AMERIKANER; DER STOFF, AUS DEM DIE HELDEN SIND, REMO - UNBEWAFFNET UND GEFÄHRLICH; TREMORS - IM LAND DER RAKETENWÜRMER), um den es in letzter Zeit leider etwas ruhig geworden ist, hat die seltene Gabe, selbst kleinste Rollen zum Strahlen zu bringen. Eines dieser "Den habe ich schon mal irgendwo gesehen"- Gesichter, welches sich hier voll und ganz austoben kann: Sein Hoke Moseley (übrigens auch der Originaltitel der literarischen Vorlage von Charles Willeford) ist ein träger, etwas debiler Charakter, der den Attacken des White Trash Gangsters Frenger fast schon hilflos ausgeliefert ist und in folge dessen für einige der lustigsten Szenen des Films sorgt. Wenn er beim gemeinsamen Abendessen seine Kauleiste herausnimmt und den eh' schon innerlich kochenden Frenger (unabsichtlich) zur Weissglut treibt, ist das einfach großartig. Und Baldwin als Al Pacino imitierender Aggressor mit Bürstenschnitt (quasi eine junge Variante von Michael Douglas' FALLING DOWN Charakter) ist ein mehr als ebenbürtiger Gegner- erschreckend brutal und bemitleidenswert komisch zugleich.

MIAMI BLUES ist eine Zivilisationssatire im Gewand eines klassischen Thrillers- daher verwundert es auch nicht, daß Frenger am amerikanischen Traum scheitert: Sein einziger Versuch, ein aufrechter amerikanischer Bürger zu sein, endet mit einer halb abgerissenen Augenbraue. Moseley hingegen ist zwar Polizist, dümpelt aber ebenfalls seit Jahren vor sich hin und wird zum Gespött der Abteilung. Jennifer Jason Leigh als hilfsbedürftige Hure Susie krallt sich verzweifelt ans neue Eigenheim und versucht sich als Mutterfigur, um ebenfalls kläglich zu scheitern. Was den Amerikanern lieb und teuer ist, Familie, Ehre, Freiheit, wird hier genüßlich seziert und ad absurdum geführt.

George Armitage, welcher 1997 den ebenfalls sehr gelungenen GROSSE POINT BLANK inszenierte, verweist die meisten heutigen Tarantinoklone mit MIAMI BLUES auf die hinteren Plätze. Definitiv eine Wiederentdeckung wert.

CRANK, USA 2006, Regie: Mark Neveldine/Brian Taylor

2006-09-27T12:19:00.002+02:00

Ääääääktschnnnnnn!! Yeah! CRANK rockt- im wahrsten Sinne des Wortes! Ein filmgewordenes Punkrockstück in Reinkultur, dreckig, schnell, kompromißlos, WUNDERBAR!Die Geschichte des Profikillers Chev Chelios (Jason THE TRANSPORTER Statham) ist schnell erzählt: Als er eines Morgens in seiner Luxuswohnung aufwacht, teilt ihm eine Videobotschaft mit, daß er vergiftet wurde und nur noch knapp eine Stunde zu leben hat. Schon bald macht sich das Gift in seinem Körper bemerkbar und vernebelt seine Wahrnehmung! Einziger Weg, den baldigen Tod herauszuzögern: Adrenalin! Und so macht Chev sich auf den Weg, Drogen einwerfend, prügelnd, fahrend und schießend, die Mörder seinerselbst ausfindig zu machen!

Was für ein Trip! Der Film wirkt wie eine 87 Minuten Version des brillianten SMACK YOUR BITCH UP Musikvideos von The Prodigy- viel Egoperspektive, drogige Verzerrungen, bizarre Sounds, wilde Farbveränderungen und rohe, harte Schnitte fügen sich zu einem ultrakinetischen Gesamtwerk zusammen, was man seit REQUIEM FOR A DREAM so nicht mehr gesehen hat. Dank eines kleinen Budgets von nur knapp 15 Millionen Dollar greifen die beiden Regisseure auf alle erdenklichen Guerillataktiken zurück, um Chevs Amoklauf möglichst originell zu bebildern. Der Look des Plakates deutet es bereits an: Hier haben wir einen filmgewordenen Actioncomic vor uns, die beste Comicverfilmung seit langem- ohne Vorlage! Jetzt soll nicht der Eindruck entstehen, daß man es hier mit einer puren, hohlen Actionorgie zu tun hat, witzig ist der Film auch noch! Wenn Statham sich in immer skurrilere Situationen verstrickt, um das lebenserhaltende Adrenalin zu erzeugen (zB. mit dem Auto durch die Mall brettern; quasi nackt ein Polizeimotorrad klauen und ohne zu lenken durch LA donnern; eine Überdosis Adrenalin spritzen), und dabei das ganze Actiongülle Genre gekonnt auf die Schippe nimmt, ist das um ein vielfaches gelungener als in dem vergleichbar pulpigen SNAKES ON A PLANE. Hier ist der Wille zum Exzess durchaus vorhanden und wird nicht durch die verwässernden Strukturen eines großen Studios zum Wanken gebracht.

Jason Statham, welcher ja schon in den TRANSPORTER Filmen eine beeindruckende Actionpräsenz an den Tag legte, kann sich hier endlich völlig entfalten und läßt mit sichtbarer Freude die Sau raus, sowohl verbal als auch beim Ausschalten seiner Gegner oder beim öffentlichen Sex mit seiner Freundin (hier driftet der Film für meinen Geschmack allerdings ein bißchen ZU sehr ab, aber was soll's?)! Endlich mal wieder ein neuer Actionstar am Firmament, selbstironisch, kernig, zupackend- man mußte sich schon langsam Sorgen um das Genre machen: Schwarzenegger in Rente, Stallone dreht nur noch Fortsetzungen, Seagall ist jetzt eine fette, alte Kartoffel... immerhin Van Damme und Lundgren wissen es noch, auf dem DTV Markt zu überraschen.
Interessanterweise stammt die Blaupause für CRANK genau dort her: Bereits 1996 Direct To Video produziert, erzählte Joseph Merhis SPEED RAGE aka. RAGE mit Gary Daniels eine ähnliche Geschichte (nur ohne Humor) und fackelte bereits damals ein konventionelleres, aber ebenfalls sehr rasantes Actionfeuerwerk ab. Als größten visuellen Einfluß muß man jedoch Jonas Akerlunds (übrigens auch der Regisseur des obigen Prodigy Klassikers) SPUN sehen, dessen Neo- Sleaze Look, Drogenoptiken und Kompromißlosigkeit eindeutig Pate standen.

CRANK ist ein Film, wie er nur als Erstlingswerk entstehen kann: Erfrischend und auf eine positive Art ungeschliffen- aber definitiv nichts für schwache Nerven. Thumbs Up!!

DAS PARFUM- DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS; Deutschland, Frankreich, Spanien 2006, Regie: Tom Tykwer

2006-09-18T13:58:00.002+02:00

Tom Tykwer hat sich für den deutschen Film ja mehr als bezahlt gemacht. WINTERSCHLÄFER (1997) und LOLA RENNT (1998) brachten das "Kino- Feeling" zurück auf die deutsche Leinwand und DER KRIEGER UND DIE KAISERIN (2000) funktionierte als zwar etwas zu esoterisches, aber bildgewaltiges Großstadtmärchen. HEAVEN (2002), nach einem Drehbuch des verstorbenen Krysztof Kieslowski, wandelte weiter auf diesen Pfaden und erzählte ebenfalls eine schicksalsträchtige Love Story. Nebenbei gründete Tykwer noch "X- Filme" und brachte unter diesem Banner Perlen wie AGNES UND SEINE BRÜDER, DIE FETTEN JAHRE SIND VORBEI oder WAS NÜTZT DIE LIEBE IN GEDANKEN auf die Leinwand. Dann wurde es etwas stiller um ihn. Hollywood lockte und eine zeitlang ging sogar das Gerücht umher, er würde ALIEN 5 (!) für Fox realisieren.
Doch plötzlich die Sensation: Tykwer verfilmt Patrick Süskinds DAS PARFUM, ausgerechnet eines jener Bücher, die lange als unverfilmbar galten! Aber das hatte man von NAKED LUNCH, DIE BLECHTROMMEL und FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS auch behauptet. Zudem hatte er es geschafft, ein Budget von knapp 50 Millionen Euro ins Boot zu bekommen, wovon zudem ein nicht unerklecklicher Teil wahrscheinlich in die Taschen von Stars wie Dustin Hoffman und Alan Rickman geflossen ist. Kurzum: Eine echte europäische Megaproduktion, die locker mit Hollywood Standards mithalten kann. Oder?
Patrick Süskinds Geschichte vom mißgestalteten Grenouille, welcher im (stinkenden) Paris des 18. Jahrhunderts mit einem besonders ausgeprägten Geruchssinn geboren wird, und durch seine Besessenheit, Gerüche zu konservieren, zum Serienmörder avanciert, ist bis zum Bersten mit denkwürdigen Momenten gefüllt. Tom Tykwer hält sich recht eng an die literarische Vorlage, alle wichtigen Szenen wurden erfasst. Das Problem ist eher, wie Tykwer die Sequenzen umgesetzt hat- nach einer wie die Faust aufs Auge passenden Anfangssequenz (Grenouilles Nebenher- Geburt auf einem versifften Fischmarkt), welche die drastischen Verhältnisse der damaligen Zeit perfekt visualisiert, kippt der Film, begleitet von Otto Sanders sonorer Erzählstimme, immer mehr in zu glatt inszeniertes Fabelterritorium ab. Selbst wenn man die brilliante Vorlage nicht kennt, bleiben viele Momente, die es eigentlich verdient hätten, nicht wirklich im Gedächtnis des Betrachters hängen. Immer wieder erklingen Engelschöre und erheben das eigentlich Schreckliche auf geradezu traumwandlerische Ebenen. Besonders Grenouilles Geruchssensationen werden so gut wie gar nicht dargestellt- und das ist bei solch einer Geschichte die Essenz. Gerade der Moment in der Mitte des Romans, als er sich für einige Jahre in eine Gebirgshöhle zurückzieht, um dort ganz in seiner Geruchswelt zu schwelgen, funktioniert im Film überhaupt nicht, gerät gar unfreiwillig komisch, wenn er nach relativ kurzer Zeit wieder als CATWEAZLE- Verschnitt zutage kommt. Tykwer hat sich nicht einmal bemüht, diese Sinnesebene angemessen darzustellen- bei Lektüre des Buches stellten sich bei mir zwar eher psychedelische Assoziationen ein, aber warum nicht- vielleicht hätte man eher den 2001- Kubrick Ansatz erproben müssen. Dann hätte es halt zehn Minuten Farbspielereien gegeben. Aber ein Film muß ja auch vermarktbar sein, und da Produzent Bernd Eichinger selbst am Drehbuch mitgedoktort hat, kann man sich den Rest ja denken...
DAS PARFUM ist kein schlechter Film, nur leider viel zu glatt. Stellt man sich die Orgiensequenz nach Lektüre des Buches vor, erwartet man keine glücklich lächelnden Nackten, die in Zeitlupe zur Chorgesängen aufeinander rumbalgen, sondern gierigen, wilden und vor allem schmutzigen Sex. Es geht nun einmal um den Verlust aller Hemmungen, noch dazu in einer Zeit, in der die Kirche die größte Macht darstellte! Sodom und Gomorrha! Hier wähnt man sich aber eher bei ZÄRTLICHE COUSINEN (fehlt nur noch der Weichzeichner).
Auch Grenouilles Ende erscheint viel zu weichgespült, Tykwers lyrischer Stil nervt zuweilen gewaltig und ist hier einfach unangebracht. DIE BLECHTROMMEL und SCHLAFES BRUDER, zwei sehr ähnlich gelagerte Werke, brachten den Spagat zwischen surrealer, traumartiger Atmosphäre und beinhartem Realismus wesentlich besser zustande. Hätte Paul Verhoeven den Film inszeniert, wäre das der Vorlage höchstwahrscheinlich näher gekommen, schon in seinem FLEISCH UND BLUT (1985) gelang es ihm perfekt, ein realistisch- schmutziges Bild vergangener Epochen zu zeichnen. Das war nicht immer schön anzusehen, traf den Nagel aber auf den Kopf!

Jetzt hab ich das gemacht, was ich eigentlich immer vermeiden will- das Buch mit der Verfilmung zu vergleichen. Aber wer sich anschickt, DAS PARFUM zu verfilmen, lehnt sich nun einmal weit aus dem Fenster- zumindest kann man den "unverfilmbaren" Ruf der Vorlage nun nachvollziehen. Dabei will man dem Film eigentlich nichts böses- Darsteller und Ausstattung sind exzellent und punkten auf einer rein ästhetischen Ebene. Man langweilt sich auch nicht. Es bleibt nur leider fast nichts hängen, wenn man den Kinosaal wieder verlässt.
Und das ist das Traurige.

2006-09-17T18:42:00.000+02:00

PHANTOMFILME: HOLLYWOODS LEGENDÄRE LEICHEN IM KELLER

Jedes Jahr schwemmen hunderte von Hollywoodproduktionen über den großen Teich in unsere Multiplexe. Oftmals vergisst man jedoch, daß diese erst am Ende einer gewaltigen Kette von Entscheidungen stehen- viele Projekte stagnieren bereits nach Einreichen des Drehbuchs, andere (wie zB. SUPERMAN RETURNS) drehen über zehn Jahre die Runde, bis sie dann schlußendlich die Leinwand erblicken. Bedingt durch die immer stärker werdende Kommerzialisierung des Kinos, wird dieser qualvolle Prozess immer länger und immer mehr interessant klingende Projekte landen auf der Müllhalde der Filmgeschichte. Bei anderen Produktionen hingegen kann man nur froh sein, daß sie gar nicht erst die Kinosäle erreicht haben...

Legendäre Karteileichen

Bereits 1991 hatte Tri- Star sich die Remake- Rechte an John Woos Heroic Bloodshed Klassiker THE KILLER gesichert. Actionveteran Walter Hill (THE WARRIORS; NUR 48 STUNDEN; DIE LETZTEN AMERIKANER) sollte inszenieren und eine geradezu bizarre Besetzung stand auch schon fest: Denzel Washington und Richard Gere sollten die Rollen von Chow- Yun Fat und Danny Lee übernehmen! Gottlob meldete Tri- Star bald Konkurs an und das Projekt verschwand in den Tiefen irgend einer Drehbuchautorenfestplatte...
"Governator" Arnie Schwarzenegger entdeckte im selben Jahr seine anspruchsvolle Ader, und liess verlauten, daß er die Verfilmung von JUNG AND FREUD plane. Der kybernetische Organismus trifft auf die Begründer der modernen Psychoanalyse? Come on.
Bob Guccione, legendärer Herausgeber des Penthouse Magazines hatte ja bereits mit seiner bewußtseinserweiternden Edelpornoverfilmung CALIGULA diverse Kinosäle beschmuddelt (zuletzt im alten Residenz Kino hier in Düsseldorf, wo der Film ungekürzt ab 16 aufgeführt wurde, und das Publikum angesichts praller Geschlechtsteile und fliegender Köpfe in Erstaunen versetzte). Als neue Wahnsinnstat plante er die Verfilmung des Lebens von Rußlands blutrünstiger Zarin Katharina der Großen, nach einem Drehbuch von Nicholas WENN DIE GONDELN TRAUER TRAGEN Roeg und mit einem kräftigen Budget von 40 Mio. Dollar! Welch ein epochales Werk hätte da entstehen können! Allerdings existiert ja bereits die absolut wunderbare deutsche (!!) Seventies- Mammutpornovariante KATHARINA, DIE GEILE ZARIN (oder so ähnlich), welche besagtem CALIGULA in Sachen Sex and Violence kein bißchen nachsteht!
Gerüchte über Ridley Scotts "I Am Legend" Remake hielten sich ja ebenfalls hartnäckig. Zwar war die 70er Jahre Variante DER OMEGA MANN mit Charlton Heston, welcher sich als letzter Mann auf Erden gegen Vampirartige Mutanten zur Wehr setzen muß, durchaus unterhaltsam, aber eine spektakuläre, mehr zeitgemäße Verfilmung wäre definitiv willkommen. Für die Hauptrolle waren damals so illustre Namen wie Arnold Schwarzenegger, Tom Cruise oder Michael Douglas im Gespräch. Ein Projekt, welches sicher noch auf Zelluloid gebannt wird! Horrormeister David Cronenberg frönte seiner Vorliebe für schnelle Flitzer ja bereits mit FAST COMPANY und CRASH, aber daß ausgerechnet er die Lebensgeschichte von Enzo Ferrari verfilmen wollte, klingt doch etwas eigentümlich...RED CARS wurde denn auch von der Familie des Rennstallbesitzers gestoppt und wird wohl in der Schublade vergammeln.
Akira Kurosawa wollte kurz vor seinem Tode noch Edgar Allan Poes MASQUE OF THE RED DEATH auf Zelluloid bannen- Martin Scorsese hätte sogar produziert. Bei dem Gedanken läuft einem das Wasser im Munde zusammen, aber das Schicksal hatte hier leider bereits entschieden.
Christophe Gans (CRYING FREEMAN; PAKT DER WÖLFE) plante ursprünglich, Roger PULP FICTION Avarys Drehbuch NEMO auf die Leinwand zu bringen: Die Geschichte vom jungen Käptn Nemo, welcher zu Zeiten des amerikanischen Bürgerkriegs schwarze und weisse Cowboys auf seiner Nautilus versammelt und sich schließlich einer Meuterei ausgeliefert sieht, hatte durchaus Wahnsinnspotential- Marc DELICATESSEN Caro hätte sogar die Sets beigesteuert. Aber der stattdessen entstandene SILENT HILL war ja auch nicht schlecht....
Und was ist eigentlich aus CARNIVORE geworden? Nach einem Drehbuch der Wachowski Brüder (MATRIX) sollte Zombieopa George A. Romero inszenieren. Der stattdessen verfilmte LAND OF THE DEAD war ja eher eine laue Angelegenheit.
Und I, HITMAN? Eine zweistündige, dialoglose Actionorgie? Oder Mike Judges MESSIAH COMPLEX, in dem ein jungfräulicher Student glaubt, aus einem Faden des Turiner Gewandes geklont worden zu sein? Und GLAMOURPUSS von John Waters klingt ebenfalls äußerst vielversprechend.....
Bei sovielen interessanten (und es ist nur die Spitze des Eisbergs), auf Eis liegenden Projekten fragt man sich, warum immer wieder der gleiche Teenie- und Actionmüll in unseren Kinos landet. Aber die Endabnahme entscheiden mittlerweile scheinbar eh nur noch die Finanzberater der großen Studiobosse!

Comics, die es irgendwie noch nicht auf die Leinwand geschafft haben

Die große Welle der Comicverfilmungen dauert zurzeit ja noch an, dennoch existieren diverse Leichen in den Kellern der großen Studios:
Der wunderbare Horrorwestern- Comic "Preacher" zum Beispiel sollte ursprünglich durch die unfähigen Hände Rachel Talalays (NIGHTMARE ON ELMSTREET 6- FREDDY'S DEAD; TANK GIRL) reanimiert werden. Ich hätte eher an Kathryn Bigelow gedacht.
Und Mike Allreds "Madman"? Robert Rodriguez hatte noch vor SIN CITY Interesse bekundet.
Andrew Kevin SIEBEN Walker arbeitete tatsächlich an einer "Silver Surfer" Verfilmung, und "Astroboy" sollte als Realverfilmung aus dem Hause Columbia kommen- mit Effekten aus dem Jim Henson Creature Shop! Sahneschnitte zum Schluß: David Fincher spielte einst mit dem Gedanken, Geoff Darrows und Frank Millers ultraharten "Hardboiled"- Geschichten zu verfilmen! Mit Nicolas Cage in der Hauptrolle!! Huuargggn... Und was ist eigentlich aus Samuel Hadidas RANXEROX geworden?

Doch dann kam es völlig anders

Viele Filme standen in der Anfangsphase unter einem völlig anderen Stern, teilweise im Laufe vieler Jahre werden komplette Storys umgeschrieben, Darsteller umbesetzt undRegisseure gefeuert.
Glänzendstes Beispiel momentan- der bereits erwähnte SUPERMAN RETURNS! Bereits 1997 begannen die Vorbereitungen für dieses Epos, welches am Ende angeblich 300 Mio. Dollar verschlang, und das nur, weil Leute wie Tim Burton, Stephen Norrington, Simon West und Shekhar Kapur, welche anfänglich als Regisseure gedacht waren, teilweise bereits Gagen von mitunter 15 Millionen Dollar kassierten. Nicolas Cage wäre im rot- blauen Flatterdress rumgehüpft, Sandra Bullock hätte sich als Lois Lane Sorgen gemacht, Captain Picard Patrick Stewart seinen Auftritt als "Brainiac" gehabt und Jack Nicholson würde als Lex Luthor seine Glatze zur Schau stellen- "Heeeeerrreeeeeee's Lexy!" Zum Glück hatte man ein Einsehen.
James Ellroys THE BLACK DAHLIA sollte bereits 1995 über die Leinwand flimmern, kommt aber erst diesen Herbst unter der Regie von Brian de Palma groß raus.
LARRY FLINT wäre ursprünglich ein Bill Murray Vehikel von Ivan Reitman geworden, welcher auch unglaublicherweise anfangs für die Videospielverfilmung DOOM im Gespräch war!!
MISSION IMPOSSIBLE 2 wurde, bevor John Woo ihn gehörig versemmelte, sowohl Oliver Stone als auch Wong Kar Wei angeboten. Art House meets Äktschn!
Und wenn James Cameron SPIDERMAN mit Ben Affleck in der Hauptrolle verfilmt hätte und Leo di Caprio tatsächlich der AMERICAN PSYCHO geworden wäre, und, und, und....das Gehirn rotiert bei diesen Vorstellungen, doch glücklicherweise hatte der liebe Filmgott dann noch ein Einsehen und es kam erfreulicherweise alles ganz anders.

Hollywood ist eine gewaltige Industrie, die jedes Jahr hunderte von Produkten auf den Markt wirft- ein Film muß als kommerziell verwertbar erscheinen, um überhaupt noch in die Produktionsphase zu gelangen und wenn er es dann schließlich schafft, gibt es immer noch den Rattenschwanz von Entscheidern, welcher für eine stetige Mutation eines Projektes sorgt und ein mitunter vielversprechendes Drehbuch durch die Weichspülermangel drehen läßt. Einige von den hier besprochenen Projekten haben es sicher verdient, auf ewig in Vergessenheit zu geraten, wohingegen andere durchaus Potential zeigen- auf ein THE KILLER Remake kann ich dankend verzichten, aber eine 40 Millionen Dollar Verfilmung von Katharina, der Zarin, nach einem Drehbuch von Nic Roeg und zudem aus dem Hause Penthouse? Hallelujah!

SNAKES ON A PLANE, USA 2006, Regie: David R. Ellis

2006-09-15T11:18:00.003+02:00

Es gibt da diese Tage...Man möchte sich ein Filmchen gönnen, hat aber keine Lust auf nachdenkliche Programmkinokost, nein, etwas schön anspruchsloses muß her. Die weiblichen Filmliebhaber schauen sich dann schon mal gern eine seichte Liebeskomödie mit Jennifer Aniston an, während die Herren der Schöpfung sich einen "Beer'n Bretzl"- Videoabend mit einem Actiongüllemachwerk ihrer Wahl gönnen, in dem oftmals so charismatische Minimalmimiker wie Steven Seagal, Monsieur Van Damme, C. Thomas Howell oder Mark Dacascos den Bildschirm mit ihren Bleiauswürfen und Handkantenschlägen zum Vibrieren bringen. Mein letzter Ausflug in diese Gefilde hiess THE MECHANIK mit Dolph Lundgren und war erstaunlich unterhaltsam (auf eine angenehm kompromisslose Art)!
Solch auf das nötigste reduzierte B- Movie Actionkost im Kino zu sehen, hat sich zu einer ziemlichen Seltenheit entwickelt, seit Hollywoodsche Actionepen mindestens 130 Minuten dauern, 100 Millionen Dollar kosten und ihre Simpelplots auf unnötig komplizierte Art und Weise an die gewaltige Lauflänge anpassen (einzige Ausnahme ist momentan das Horrorgenre, welches, abgesehen von Gurken wie HOSTEL oder FINAL DESTNATION 3, trotz kleiner Budgets effektive B- Ware in den Multiplexen dieser Welt etabliert), so das am Ende doch wieder gähnende Langeweile herrscht.

SNAKES ON A PLANE ist eigentlich klassische Videogülle. Und er erhebt gottlob auch nicht den Anspruch, besseres zu sein. Das Budget von 33 Millionen Dollar sieht man David R. Ellis' STIRB LANGSAM Variante mit Schlangen jedenfalls nicht wirklich an- bis auf das Cinemascope Format sieht der Film nicht sonderlich spektakulär aus, die CGI- Schlangen wirken, als wären sie einem Animationsfilmchen entsprungen (wenigstens sprechen sie nicht) und die Darsteller bewegen sich auf SitCom- Niveau. Selbst Samuel Jackson erscheint seltsam blass in seiner Rolle als aufrechter FBI Recke, welcher einen Kronzeugen sicher nach L.A. eskortieren muß und sich auf dem Flug einer Attacke von über 400 Giftschlangen ausgeliefert sieht. Der Bodycount schnellt in gewaltige Höhen, erreicht aber bei weitem nicht die wunderbaren Cartoon- Exzesse von David R. Ellis' FINAL DESTINATION 2. Dafür, daß der Film im Netz eine gewaltige Mundpropaganda entwickelt hatte und zeitweise von den Fans sogar Ideen- Input bekam, wirkt er erstaunlich bieder. Höchstens Amerikaner und Neochristen können sich noch an der kleinen Sexszene und dem hier und da aufflackernden (schwarzen) Genitalhumor stören. Da hätte Mr. Ellis definitiv noch mehr auf die Kacke hauen können! Man merkt dem Film einfach an, daß er ursprünglich für das gewinnträchtige PG- 13 Rating konzipiert und nachträglich auftgepeppt wurde, um den Fans noch ein paar Gemeinheiten zu bieten. Diese wirken dann mitunter auch ziemlich unnötig und aufgesetzt.
Und die Tatsache, daß ein Videospiel- Flugsimulator zockender Nerd schließlich das Flugzeug sicher landet, kann nur dem Gehirn eines übereifrigen Fans entsprungen sein....hoffe ich zumindest.

Von daher sollte man sich SNAKES ON A PLANE auch eher auf DVD anschauen- denn da gehört er definitiv hin. Aber dort lauert bereits der fast parallel entstandene Abklatsch SNAKES ON A TRAIN!

STANDER, GB/Südafrika/Kanada 2003, Regie: Bronwen Hughes

2006-08-23T09:23:00.003+02:00

Der Trailer sieht aus wie die Seventies- Gaunerkomödie der Woche, aber der Film erweist sich dann doch als dankenswert vielschichtig- was nicht zuletzt der völlig unerwarteten Power- Performance von Hauptdarsteller Thomas Jane (BOOGIE NIGHTS, DEEP BLUE SEA, THE PUNISHER) zu verdanken ist.
Bereits mit 17 wurde der Baltimorer ausgerechnet für das indische Kino entdeckt und spielte unteranderem in dem Drama PADAMATI SANDHYA RAGAM (1986)- einer Karriere als Superstar des Bollywoodkinos stand nun nichts mehr im Wege, doch die amerikanische Heimat lockte: Nach diversen Rollen in kleinen Independentproduktionen (unteranderem der Kinoversion von BUFFY- THE VAMPIRE SLAYER!) entwickelte er sich im Laufe der 90er zum gefragten Nebendarsteller in größeren Filmen wie FACE/OFF, THE THIN RED LINE und P. T. Andersons MAGNOLIA. Richtig bekannt wurde er allerdings durch die eher fragwürdige zweite Verfilmung des Comics THE PUNISHER. Während man die erste, herrlich kompromisslose, und mit Dolph Lundgren perfekt besetzte australische Kinovariante als wirklich gelungen ansehen kann, muß man die aufgeblasene US- Verfilmung leider als Schuss in den Ofen bezeichnen: Ausgerechnet John Travolta gibt den Fiesling im Schongang, der Film sieht aus wie das SAT 1 TV- Event der Woche und Thomas Jane verkörpert einen sehr weichgespülten Punisher, dem man seine Racheaktionen nicht so wirklich abnimmt.

STANDER hingegen entstand ein Jahr vorher, im güldenen 2003, und hier sollte der alte Softie Jane zeigen, was wirklich in ihm steckt! Basierend auf einer wahren Geschichte und angesiedelt in den krisengebeutelten Siebzigern/Anfang Achtzigern Südafrikas, erzählt Regisseurin Bronwen Hughes hier eine packende Story, irgendwo zwischen Apartheidsdrama, Gaunerkomödie, hartem Thriller und Biopic:
Besagter Stander ist Polizist, welcher dem Rassismus und der Polizeigewalt den Rücken kehrt, und irgendwann für sich herausfindet, daß das Ausrauben von Banken ein Kinderspiel ist. Als er dann doch noch geschnappt wird, lernt er in seiner Zeit im Knast Allan Heyl (David O' Hara) und Lee McCall (Dexter Fletcher) kennen, mit denen er nach einem gewagten Ausbruch erst richtig loslegt: Zu Dritt rauben die Jungs teilweise vier Banken am Tag aus und avancieren innerhalb von sechs Monaten zu den meistgesuchten Männern Afrikas und zu Antihelden des Volkes. Jedoch sorgen die persönlichen Dämonen und zu unbekümmertes Vorgehen für eine immer deutlicher werdende Fährte und ein böses Erwachen...

Der Film ist natürlich nicht perfekt, seine Stärke ist gleichzeitig seine Schwäche: Das Wechseln der verschiedenen Genre geht nicht immer ganz glücklich von statten. Eben noch charmante Gaunerkomödie, dann wieder Afrikaproblematik, plötzlich wieder Seventies Coolness- der Betrachter wird (auch im positiven Sinne) in ein Wechselbad der Gefühle getaucht. Dies scheint auch ein Problem der Vermarktungsstrategen gewesen zu sein, die den Film in die PULP FICTION Schublade pressten und beim Publikum gnadenlos durchfielen. Schade! Denn besonders die Darsteller sind über jeden Verdacht erhaben und machen STANDER zu einem wirklich sehenswerten Erlebnis: Thomas Jane wartet mit seiner bis jetzt besten schauspielerischen Leistung auf, ihm gelingt die Gratwanderung zwischen Coolness und Zerbrechlichkeit hervorragend. Als er sich bei dem Vater des von ihm bei einer Demonstration erschossenen jungen Schwarzen entschuldigt und dafür halb tot geprügelt wird, zählt das zu den bewegendsten Momenten des Films. Jane erweist sich als äußerst wandlungsfähig, was man dem unscheinbaren Sonnyboy nach THE PUNISHER niemals zugetraut hätte.
Aber auch die anderen Darsteller stehen nicht zurück: Deborah Kara Unger (SILENT HILL; CRASH; THE SALTON SEA) als Ehefrau überzeugt in ihren wenigen Szenen ebenso wie Standers Knastbuddies Dexter Fletcher (BAND OF BROTHERS; BUBE, DAME, KÖNIG, GRAS) und besonders David O' Hara (TRISTAN + ISOLDE; HOTEL RWANDA), welcher seiner Rolle eine beeindruckende Natürlichkeit verleiht.

STANDER ist kein Actionspektakel, zeichnet sich aber dennoch durch einen rasanten Siebziger Jahre- Look mit ausgebleichten Bildern und wilder Handkamera aus und punktet in Sachen Atmosphäre. Besonders die (für Stander) traumatische Aufstandsequenz zu Beginn, wurde bis ins kleinste Detail nach damaligen Wochenschauen rekonstruiert und erinnert fast schon an die dichteren Momente von Ridley Scotts BLACK HAWK DOWN. Der gelungene Elektro- Soundtrack von DJ Ass David Holmes trägt noch dazu bei, aus STANDER eine wirklich angenehme Erfahrung zu machen.
Ein schönes Crime Double Feature mit einem anderen Siebziger Biopic: WONDERLAND, über den Kult- Pornodarsteller John Holmes (Val Kilmer) und seine Verwicklung in einen mehrfachen Drogenmord. Plastikhemd angezogen, Schnubbi angeklebt, übergroße Sonnenbrille aufgesetzt und los geht's!

GRIZZLY MAN, USA 2005, Regie: Werner Herzog

2006-08-13T16:32:00.003+02:00

Timothy Treadwell, selbsternannter Grizzly Experte, lebte über 13 Jahre mit den gewaltigen Tieren in Alaska, kam ihnen so nah wie nie jemand zuvor und filmte über 500 Stunden von wirklich faszinierendem Material. Jedoch führte das lange Leben in Einsamkeit und seine eh schon fragile Psyche zu immer paranoider werdenden Zwangsvorstellungen und einem zu zwanglosen Umgang mit diesen Raubtieren. Ende 2003 führte das zum Tode von Treadwell und seiner Freundin Amy Huguenard durch einen Grizzly.
Eine Naturdokumentation. Ein packendes Drama, von einem, der mit der Zivilisation gebrochen hatte, um mit Bären zu leben. Und ein verstörendes Psychogramm. Das ist GRIZZLY MAN, eine von Werner Herzogs besten Dokus bis heute.
Schon die Machart dieses Films ist faszinierend: Herzog gelang es, Treadwells komplettes Filmmaterial zu sichten und ein faszinierendes Porträt dieses seltsamen Typen zu zeichnen. Im Grunde ist es der BLAIR WITCH PROJECT Effekt: In Pseudodokumentationen immer wieder gerne als Aufhänger genutzt ("Was Sie gleich sehen werden, sind die letzten gefundenen Videoaufzeichnungen..."), wird hier wirklich entdecktes Filmmaterial verwendet, um einer geheimnisvollen Geschichte nachzugehen. Was geschah mit diesem Prinz Eisenherz- Frisur tragenden, mit seltsam hoher Stimme sprechenden Timothy Treadwell in den Tiefen Alaskas? Was waren seine Beweggründe? Wer war Treadwell- ein Spinner, ein verkanntes Genie, oder gar beides?

Herzog greift zu 80% auf Treadwells Videomaterial zurück, welches dieser zunächst nur zum Filmen der Bären verwendete, später aber immer mehr als Medium für persönliche Gedanken und Geständnisse nutzte und eine regelrechte Beziehung zur Kamera aufnahm. Wir werden Zeugen faszinierender Naturmomente von wilder Schönheit: Revierkämpfe, unglaublich nah gefilmt; die fast schon bizarre Zahmheit der Füchse; Alaskas unglaubliche Weite...selten wurden diese mitunter schon bekannten Bilder so intim erfasst. Herzog nutzt das Material sehr geschickt und meldet sich nur sparsam, analysierend und kommentierend zu Wort. Er hat ein hervorragendes Auge gerade für die beiläufigen Momente, in denen die Kamera einfach weiterläuft und zufällig faszinierende Augenblicke erfasst: Treadwells Füchse, wie sie im Vordergrund entspannt an ihm vorbeilaufen, während zwei riesige Braunbären im Hintergrund die Wiese durchpflügen; seine unkontrollierten Hasstiraden gegen die Zivilisation...

Herzog schafft es äußerst geschickt, während der Dokumentation eine beunruhigende Atmosphäre des "Verlierens der Kontrolle" aufzubauen- erliegt der Betrachter in der ersten Hälfte noch der Schönheit der Bilder, wird schon sehr bald klar, daß diese Geschichte kein gutes Ende nehmen wird. Interviews mit Freunden, Bekannten aber auch dem Gerichtsmediziner und vor allem ein Videotape ohne Bild, aber mit Ton, welches quasi den Moment des Todes von Treadwell und seiner Freundin aufzeichnete, führen zu den erschreckendsten, aber auch anrührendsten Momenten des Films: Über Kopfhörer läßt Herzog sich die letzten Minuten vorspielen und empfiehlt danach sichtbar bewegt, daß seine Ex- Freundin das Band vernichten solle, sie möge sich diesen Todeskampf niemals anhören.

Treadwell leidete unter gewaltigem Realitätsverlust, was im Lauf dieses Films immer deutlicher wird, fing sogar an, sich in Abenteuerposen zu rücken (kein Wunder- hätte er doch fast Woody Harrelsons Rolle in CHEERS ergattert!) und hielt sich am Ende selbst für einen Bären, unantastbar, einer von ihnen. Unter Kriegsreportern nennt man diesen Zustand der Selbstüberschätzung "bulletproof"- das wurde ihm leider zum Verhängnis. Werner Herzogs Doku hat diesem grenzwertigen Mann ein beeindruckendes Denkmal gesetzt.

WILDERNESS, England 2006, Regie: Michael J. Bassett

2006-08-06T18:48:00.002+02:00

Nach dem Selbstmord eines Zellenkameraden wird eine Gruppe Jugendstraftäter wegen exzessiven Mobbings zum Survivaltrip auf einer verlassenen Insel verdonnert. Dort angekommen, müssen sie leider feststellen, daß sie nicht alleine sind und zudem auf der Abschußliste eines ominösen Killers stehen, der mit Armbrust und bissigen Vierbeinern Jagd auf sie macht...

Der Wald- und Wiesenschocker der Woche. Ich liebe ja Geschichten aus dem dunklen Tann: Düsteres Gehölz, neblige Lichtungen und Taubenetztes Unterholz haben schon immer eine große Faszination auf den Menschen ausgeübt und bieten seit Urzeiten dankbaren Stoff für Märchen, Legenden und Mythen. Und natürlich den Wochenendslasher von nebenan- Kamera geschnappt, ein paar Leute zusammengetrommelt, ein bißchen panisch durch das Gebüsch gehetzt und nebenbei noch ordentlich rote Sauce verspritzt, fertig ist der neue Schocker! Zumindest hat man bei WILDERNESS diesen Eindruck, auch wenn er recht gut besetzt ist: Toby Kebbell, welcher in DEAD MAN'S SHOES (2004) die Rolle des geistig behinderten Anthony brilliant und subtil meisterte, ist mit dem Klischeebesetzten Drehbuch sichtlich unterfordert, kann seiner Hauptrolle aber trotz allem einiges an Intensität verleihen. Daueropfer Sean Pertwee (verlor unteranderem ein Bein in STAR FORCE SOLDIER und klebte in DOG SOLDIERS seine Bauchwunde mit Sekundenkleber) ist immer gern gesehen und auch der Rest der Truppe macht das Beste aus einem durchschnittlichen Script. Im Fahrwasser des brillianten THE DESCENT (England, 2005) entstanden, erreicht dieses Wald- und Wiesentheater bei weitem nicht dessen manipulatorische Brillianz. Man hat es eher mit einem verdammt unoriginellen, aber immer unterhaltsamen GRAF ZAROFF- GENIE DES BÖSEN Klon zu tun: Da klappern die Tierfallen wie in WER GEWALT SÄT und der gute alte deutsche Schäferhund darf endlich mal ohne Maulkorb ans menschliche Buffet!

Als weiterer Beitrag der aktuellen, dreckigen Splatter- Retrowelle wartet auch Regisseur Michael J. Bassett mit einigem schicken Blutvergießen auf und kann besonders den Hundeattacken einige bedrohliche Momente abgewinnen. Ansonsten reduziert der Film sich leider auf hysterisches Rumgerenne und die üblichen Zwistigkeiten innerhalb der Gruppe. Schon in seinem ebenfalls nur halbgaren Erstling DEATHWATCH (2002) bewies Bassett ein gutes Händchen für Atmosphäre und ein schlechtes für die Auswahl seiner Drehbücher- man kann nur hoffen, daß in Zukunft bessere Vorlagen auf seinem Schreibtisch landen. DVD Fast Food für das verregnete Wochenende.

THEMROC, Frankreich 1972, Regie: Claude Faraldo

2006-07-20T23:07:00.003+02:00

Es existiert ein völlig verkanntes und unterschätztes Untergenre: Der Grunzfilm. Hier finden sich vor allem gutturale Urweltdramen wie AM ANFANG WAR DAS FEUER (THE QUEST FOR FIRE, 1981), die Steinzeitkomödie CAVEMAN (1980), der grottige AYLA UND DER CLAN DES BÄREN (THE CLAN OF tHE CAVE BEAR, 1986) und eben der beste aller Grunzfilme, THEMROC. Diese Filme haben eines gemein: Sie wurden in einer sogenannten Ursprache gedreht. In CAVEMAN mit Ex- Beatle Ringo Starr werden diese gutturalen Laute als Gag genutzt, während in dem realistisch- seriösen AM ANFANG... halbwegs authentische Grunzer aus der Feder von Antony Burgess (UHRWERK ORANGE) zum Einsatz kamen. Und in AYLA... sorgen Daryl Hannahs Verbalverrenkungen leider eher für unfreiwillige Heiterkeit...
THEMROC ist da von ganz anderem Kaliber. Im Frankreich Anfang der Siebziger angesiedelt, wird das völlig unverständliche Sprachkauderwelsch der Darsteller von Regisseur Faraldo geschickt als Verfremdungseffekt genutzt, als clevere Kritik am geschwätzigen französischen Autorenkino der damaligen Zeit. Frei nach dem Motto: Die Macht der Bilder funktioniert auch ohne Worte!
Michel Piccoli als THEMROC hat die Schnauze voll. Von seinem Job, von der Gesellschaft, von allem! Sein neu gewonnener Anarchismus läßt ihn zum modernen Primaten mutieren: Er zertrümmert seine Wohnung und funktioniert sie zur Höhle um, vögelt seine knackige Schwester nebst williger Nachbarin und verprügelt herbeigerufene Polizisten. Sein Handeln sorgt für Begeisterung in der Nachbarschaft und man folgt seinem Beispiel. Der Staat ist hilflos und verliert gar zwei Gesetzeshüter an die modernen Primaten, die diese zudem am Spieß goutieren. Und schon bald erklingt in ganz Paris das orgiastische Stöhnen der sich paarenden Urmenschen...
Welch ein Film! Nicht nur das die Crème de la Crème des französischen siebziger Jahre Kinos an dieser filmischen Orgie teilnimmt (Piccoli, Miou- Miou, Patrick Dewaere, Coluche), nein, det janze ist auch noch famos anzuschauen- und natürlich anzuhören! Fast schon wie ein Vorgänger der Dogma- Bewegung (besonders Lars von Triers DIE IDIOTEN), es gibt keinen Soundtrack, man filmte bei Naturlicht an realen Locations, vieles wirkt improvisiert, prescht THEMROC voran wie der Drogentraum eines Extremlinken. Wenn die hilflose Staatsmacht Rauchgranaten verschießt, die dann von den völlig unbeeindruckten Neoprimaten freudig inhaliert werden (kein Wunder, steht doch dick "Hash" auf den Munitionskisten), bleibt kein Auge trocken! Auch das "große Fressen", an welchen THEMROC manchmal erinnert, ist nicht von schlechten Eltern- Staatsdiener am Spieß, was für ein Fest! Natürlich ist das Spektakel nicht ganz so gut gealtert wie andere Perlen dieses Jahrzehnts- zu sehr wird der alte Hippiegeist von der freien Liebe, die Trennung vom Konsum gepredigt und der Staat für dumm verkauft. Das ist Anarchie mit dem Holzhammer, aber so war das halt! Die Menschen nuscheln unverständliches, sie hätten eh nichts wichtiges zu sagen: Eine goldene Regel gerade für die heutigen Zeiten unnötig aufgeblasenerDrehbücher.

SIAM SUNSET, Australien 1999, Regie: John Polson

2006-07-20T21:18:00.003+02:00

Als die Frau des Industriechemikers und Farbenentwicklers Perry (Linus Roache) von einem herabfallenden Kühlschrank erschlagen wird, bricht für den sensiblen Mann eine Welt zusammen. Zudem scheint er seitdem das Unglück geradezu anzuziehen- Menschen in seiner näheren Umgebung fallen skurrilen Unfällen zum Opfer, während er selbst unbeschadet bleibt! Grund genug, eine im Bingo gewonnene Australienreise anzutreten, die sich dank einer völlig beknackten Reisegruppe inklusive geheimnisvoller Schönheit, einem neurotischen Busfahrer, rätselhaften Vorfällen, und einem eifersüchtigen Psychopathen zu einem skurrilen Horrortrip entwickelt. Und dann gibt es da noch diese geheimnisvolle Farbe, genannt "Siam Sunset"...Ein Film voller Überraschungen. Nach besagtem Kühlschrankunfall, der einen erstmal mit offenem Mund sitzen läßt, verfolgt man mit Spannung die irrwitzige Odyssee des Perry, die sich von einem Drama zum Roadmovie mit Mystery- Motiven entwickelt, um schließlich in einem Thrillerfinale im Outback zu münden. Natürlich ist das Ganze eine Komödie. Auf die australische Art. Im Grunde die Geschichte eines Mannes auf der Suche nach Seelenfrieden (für welchen die neue Farbe SIAM SUNSET steht), würzt Regisseur Polson seinen Film mit surrealen Momenten und skurrilen Charakteren und gemahnt des öfteren an andere großartige australische Genremixe à la TWO HANDS. Linus Roache (BATMAN BEGINS) ist hervorragend als Perry, welcher in einer beeindruckenden Szene sogar aus seinem Essen die exakte Farbe von Danielle Cormacks Oberteil herausmixt. Überhaupt ist die Love Story zwischen dem Farbenentwickler und der Flüchtigen herrlich unsentimental, ebenso wie der ganze Film. Und dank des bedrohlich aufspielenden Ian Bliss (MATRIX 2, 3), welcher als echter Fiesling eine Menge einstecken muß und am Ende auf WIRKLICH spektakuläre Art abtritt, bekommt die Geschichte noch zusätzlich Drive. Überhaupt erzeugt der Film des öfteren einen "Sense Of Wonder", den man in einer kleinen Independentkomödie von Down Under so nicht erwartet hätte: Da weist nach einem Erdbeben plötzlich ein Riss in Form eines Pfeils auf Perrys Zelt, dutzende Kühlschränke regnen in einer MAGNOLIA artigen Sequenz vom Himmel und ein Erhängter baumelt in einem Zimmer voller flatternder Schmetterlinge. Eine poetische Bildsprache, wie man sie mittlerweile schon des öfteren gesehen hat (besagter MAGNOLIA; DIE FABELHAFTE WELT DER AMÉLIE; WELCOME TO DONGMAKGOL), die aber 1999 noch frisch und unverbraucht war. Die schönen Scopebilder der australischen Weiten tun ihr übriges, um aus SIAM SUNSET eine echte Wundertüte zu machen, die einen mit einem seeligen Schmunzeln auf dem Gesicht entläßt.

SLITHER, USA 2006, Regie: James Gunn

2006-06-24T14:01:00.002+02:00

Freitag Abend. Tatort: UCI-Multiplex. Irgendwie war da wortwörtlich der Wurm drin- im Internet wurde SLITHER für 20.00 Uhr angekündigt, in der Zeitung stand 20.15 und im Kino belehrte uns die Eintrittskarte 20.30 Uhr!! Ein zirka 65jähriger taucht auf: "Ist das hier der Horrorfilm ab 16?" Yip, genau der. Also, brav um halb Neun in den Kinosaal geeiert, es sind noch fünf weitere Menschen anwesend, man nimmt Platz, und auf einmal ist da dieser pampige UCI- Mensch: "Sie dürfen hier noch gar nicht rein- ich muß erst aufräumen!" Alle wieder raus, die Werbung läuft mittlerweile an, aber egal. "Läuft hier nicht THE SENTINEL mit Michael Douglas?" Eine irritierte Dreiergruppe Kuhäugiger Frauen glupscht uns verstört an. "Nee, SLITHER läuft hier." Sie zeigen uns ihre Karten: Kino 8, 20.30 Uhr, SENTINEL! In unserem Saal! Sind die jetzt hier alle bekifft? Der UCI Mensch schickt die Damen in Kino 5. Auch gut. Wir beschließen zu meutern und stürmen den Saal. Die Kinotrailer laufen- durchweg Teenietrash mit Eiterpickelhumor und Spermawitzen. Doch plötzlich durchbricht Anarchie die amerikanische Flachhumororgie: Ein kompletter Trailer wurde offenbar falsch angeklebt und läuft rückwärts, auf dem Kopf stehend, ab! Ich lache hysterisch und fühle mich wie in David Lynchs Kopf- fehlt nur noch ein rückwärts sprechender Zwerg!!
Dann ist der Spuk zuende, das Logo erscheint, gottlob, der Film beginnt. Los geht's:

Die britische Zombiekomödie SHAUN OF THE DEAD (2004) hatte mit ihrer gelungenen Mischung aus Realsatire, Liebesgeschichte und Gedärmehappening an den Kinokassen der Welt mächtig abgeräumt. Da dachten sich die Jungs bei UIP: Das kriegen wir auch hin!
In SLITHER sind es allerdings fiese Killerwürmer aus dem All, die eine Kleinstadt nach und nach in Zombies verwandeln, während der unsympathische Grant (Michael Rooker) als Erstinfizierter eine Mutation zu etwas, nun, völlig anderem durchläuft....
SLITHER ist ebenso wie SHAUN eine technisch gelungene, liebevolle Verbeugung vor dem Horrorgenre und ergeht sich in einem gewaltigen Zitatreigen: Ein Laden heißt "Max Renn" (der Name von James Woods Charakter in Cronenbergs VIDEODROME), Michael Rooker, welcher einst HENRY war, darf sein Psychopathen Image durch den Kakao ziehen, die Würmer aus dem All erinnern an den ebenfalls äußerst unterhaltsamen und vom Grundton sehr ähnlichen DIE NACHT DER CREEPS (1986) und die schleimigen Monstertransformationen an Stuart Gordons FROM BEYOND (1986) oder Brian Yuznas SOCIETY (1989). Kurzum: Hier wird dem geneigten Betrachter eine Art Best-Of des guten, alten 80er Jahre Horrors geboten, alles hat man schon irgendwo mal gesehen, aber auch liebgewonnen, und man freut sich, es mit solch einer Hingabe auf die Kinoleinwand geschleimt zu sehen. Der Humor orientiert sich gottlob nicht an Machwerken wie der unglaublich erfolgreichen SCARY MOVIE Reihe, sondern geht eher in Richtung AMERICAN WERWOLF oder TREMORS, sprich, man sieht einen Horrorfilm mit Humor, keine alberne Komödie mit Horrorelementen. Von daher könnten einige Szenen beim ungeübten Betrachter durchaus für Magenverstimmungen sorgen. Die Make Up Effekte von Todd Masters F/X sind exzellent und wie in der guten, alten Zeit (größtenteils) schön handgemacht, was bei der finalen Metamorphose des Grant zu durchaus spektakulären Resultaten führt. Die kleinen Slither sind natürlich keine DEADLY SPAWN Plastikwürmchen auf Drähten aufgezogen, sondern stammen direkt aus dem Rechner, können aber ebenfalls überzeugen.
Auch den Darstellern merkt man an, daß sie einen Riesenspaß bei den Dreharbeiten hatten. Michael Rooker ist der Sleaze in Person und macht den Film allein schon sehenswert, Nathan Fillion, der sympathische Raumschiffkäpt'n aus der leider zu früh abgesetzten Serie FIREFLY (und der Kinofortsetzung SERENITY) mimt den netten Dorf- Sheriff und Brian de Palma Veteran Gregg Henry darf richtig schön Over Acten, daß es eine wahre Freude ist.

Regisseur James Gunn, ein TROMA Veteran und Regisseur des unglaublichen TROMEO & JULIET (1996), sowie Autor des gelungenen DAWN OF THE DEAD Remakes hat sich hier im positiven Sinne richtig schön ausgetobt und ein schön homogenes Partyfilmchen fabriziert, von denen es so viele gar nicht mehr gibt.

Aber wann lernen diese deutschen Dummwerber endlich, daß ein guter Film auch ohne "lustige" Titelerweiterungen auskommt? Ich denke das "VOLL AUF DEN SCHLEIM GEGANGEN" die Leute eher abschreckt, dieses Kleinod zu entdecken- das Kino war jedenfalls dezent leer.

IM ZEICHEN DES KREUZES, Deutschland 1983, Regie: Rainer Boldt

2006-06-20T11:59:00.002+02:00

Gestern sah ich an der Ampel einen verlotterten Jung-Linken mit einem knatschgelben T-Shirt auf dem das Zeichen für Radioaktivität prangte, unter welchem stand: "Kerngesund."
Huar, har, har...

Sofort dachte ich an meine knatschgelbe Starlight DVD des deutschen TV-Schockers IM ZEICHEN DES KREUZES, die seit knapp zwei Monaten ihr Dasein in meinem Archiv fristet. Ungesehen. Ab in den Player damit....

Im fernen Jahre 1990 (!) kommt es in der Nähe eines Niedersächsischen Dorfes zu einem folgenschweren Unfall, bei dem mehrere Fässer mit radioaktivem Material Leck schlagen.
Die Regierung reagiert sofort und erklärt Dorf und Umgebung für Sperrgebiet. Ein Ärzteehepaar, welches vorher entkommen konnte, wird entführt und unter Quarantäne gestellt, während die Dorfbevölkerung verängstigt in der Kirche interniert wird. Doch den beiden Ärzten gelingt die Flucht. Und ein Rennen gegen die Zeit beginnt...

Die Geschichte dieses TV-Klassikers ist fast interessanter als der Film selbst:
Das Drehbuch kursierte bereits seit 1979 bei den Medienanstalten umher, galt aber als zu heißes Eisen. Als die Dreharbeiten dann endlich beginnen konnten, wurde jedwede Hilfe seitens der Regierung untersagt, was für ein kleines Fernsehspiel, in dem Polizei und Militär eine größere Rolle darstellen, gelinde gesagt eine Katastrophe war.
Als der Film dann Ende 1982 im TV anlaufen sollte, wurde er wegen "Weihnachtsunkompatibilität" auf das Frühjahr '83 verschoben. Doch wieder gab es Ärger. Nach heftiger Kritik seitens der Politik, entschied ein Gremium der ARD Sender, den Film nicht im Ersten, sondern zu einem späteren Zeitpunkt in den dritten Programmen auszustrahlen (obwohl schon einige Änderungen an dem Werk vorgenommen wurden). Und das auch nur mit einer vorherigen, klärenden Ansage vor dem Film und einer knapp 70 Minütigen Diskussionsrunde danach. Dankenswerterweise sind beide TV-Artefakte, ebenso wie diverse Zeitungsartikel und anderes Pressematerial auf dieser gelungenen DVD enthalten.

Betrachtet man den Film heute, fällt einem zunächst die wirklich gelungene Inszenierung auf. IM ZEICHEN DES KREUZES liegt weit über dem damaligen "Das kleine Fernsehspiel" Niveau und überzeugt trotz niedrigsten Budgets mit einer kinoreifen Gestaltung. Okay, der Film IST ein Kind seiner Zeit, so mancher Darsteller scheint eher aus dem Laienlager rekrutiert worden zu sein und gerade der logische Aufbau zum Unfall hin erscheint heute ziemlich plump.
Danach aber dreht die Spannungskurve mächtig auf und Regisseur Rainer Boldt erzeugt eine wirklich apokalyptische, erschreckende Atmosphäre der ständigen Bedrohung:
Der Unfall, dargestellt durch eine Druckwelle, die Scheiben bersten läßt und einen gewaltigen Feuerball, der die ländliche Idylle mit einem Schlag in einen Alptraum verwandelt.
Weiße Gestalten in Strahlenschutzanzügen, die durch sattes Grün staksen.
Zeitlupenaufnahmen von behandschuhten Händen, die tote Tiere aufsammeln.
Was besonders verstört, ist das ÄUSSERST negative Bild, welches Boldt von Polizei und Regierungsapparat zeichnet:
Polizisten sind hier dumme, hinterhältige Werkzeuge der höheren Mächte und ihre Methoden mehr als Menschenverachtend. Die Regierung setzt alle Hebel in Bewegung und geht über Leichen, um den MiniGau zu vertuschen. Der Staat ist der Feind. Eine übertrieben linke Sichtweise legt Regisseur Boldt hier an den Tag und zurecht wird ihm in der Diskussionsrunde vorgeworfen, den Film nur im Jahre 1990 angesiedelt zu haben, um sich eventuellen Ärger mit der Obrigkeit vom Leib zu halten (was dann dennoch nicht gelang).

Selbst im Obrigkeits-kritischen Klima heutiger Zeit verteilt IM ZEICHEN... noch einige herbe Schläge und das nihilistische Ende wirkt immer noch niederschmetternd. Im Jahre 1983 kam das einer TV-Sensation gleich, ähnlich Tom Toelles/Wolfgang Menges MILLIONENSPIEL (1970) oder Wolfgang Petersens SMOG (1972), welche ebenfalls für kontroverse Debatten über das Medium Fernsehen sorgten. Im Atom-Angst geschwängerten Klima von 1983, in dem auch das Kino gerade eine "Plutoniumwelle" erlebte (der aufgeblasene, eigentlich für das amerikanische TV gedrehte THE DAY AFTER, 1983; das stille Atomdrama DAS LETZTE TESTAMENT, 1983 mit einem jungen Kevin Costner; sowie natürlich diverse Endzeitstreifen buntester Couleur), MUSSTE dieser Film eine Kontroverse auslösen.

Sieht man von den unqualifizierten Attacken gegen die Obrigkeit ab, hat Regisseur Rainer Boldt ein packendes, angenehm unmelodramatisches, erschreckend realistisches Mahnmal gegen den Mißbrauch von Atomkraft geschaffen, daß auch heute noch Wirkung zeigt.

Hoffentlich erscheinen noch mehr TV Perlen vergangener Tage in solch liebevollen Editionen.

MIRRORMASK, England/USA 2005, Regie: Dave McKean

2006-06-08T17:23:00.003+02:00

Neil Gaiman und Dave McKean betraten Comic-Neuland mit der beeindruckenden SANDMAN Saga. Besonders Gaiman erwies sich als brillianter Comicautor mit Händchen für epische, diverse Zeitebenen überspringende Storys. McKean war der Mann fürs Visuelle, welcher in seinen eigenwilligen Photoshop-Collagen Fotos mit Illustrationen mixte und seitdem den Ruf eines visuell völlig unberechenbaren, aber brillianten Künstlers und Designers genießt. Nachdem beide schon des öfteren für das britische TV gearbeitet hatten (McKean als Designer zB. für IN SEARCH OF SHAKESPEAR, 2003; Gaiman als Autor von NEVERWHERE, 1996), entdeckte McKean seine Leidenschaft für das bewegte Bild und drehte zwei Kurzfilme (THE WEEK BEFORE (1998) und N(EON) (2002)) bevor die Gelegenheit für ein größeres, gemeinsames Pr0jekt Realität wurde.
Unter Mithilfe von Jim Henson's Creature Shop entstand ein Fantasy Film ganz im Stile von Hensons eigenem DIE REISE INS LABYRINTH (1986), welcher direkt zu Beginn in einer Zirkus Sequenz zitiert wird, als ein Gaukler mit Kristallkugeln "juggelt".
Ist ja alles schön und gut. Aber taugt MIRRORMASK auch was?

Bei Betrachten des Films fragt man sich, für welche Zielgruppe er denn nun entwickelt wurde. Für kleine Kinder ist er aufgrund seltsamer Masken und Wesen zu verstörend, größere Kids finden ihn vermutlich uncool und Erwachsene dürften von der ultrasimplen Story und dem Mangel an Spannung abgeschreckt werden.
Die klassische Geschichte eines Mädchens, die in einer seltsamen Traumwelt diverse Gefahren meistert, um ihre kranke Mutter im Diesseits zu retten, ist vom Styling her beeindruckend exotisch, besonders die diversen CGI- und sonstigen Kreaturen sind wirklich originell (meine Favoriten sind die Sphinxe und die "Orbitting Giants"), aber vermitteln gleichzeitig ein etwas schales 80er Jahre Feeling, als Fantasystoffe wie dieser gerne mal für das Kino adaptiert wurden (DER DUNKLE KRISTALL, ebenfalls aus dem Hause Henson, da lebte der Vater noch; LEGENDE von Ridley Scott, und halt besonders die Inspiration für MIRRORMASK: DIE REISE INS LABYRINTH). Die "andere" Welt ist mit viel Liebe zum Detail realisiert, und für ein dermaßen mageres Budget von nur vier Millionen Dollar fürwahr spektakulär.
Die Fluchtsequenz mit den, äh, fliegenden Affen und die Kontaktaufnahme mit den bereits erwähnten Giganten sind wirklich gelungen, andere Szenen hingegen wirken einfach nur kitschig.
Der Soundtrack von Iain Ballamy, welcher wie eine Mischung aus Zirkus Roncalli und Cirque de Soleil klingt, verstärkt diese unheilvolle Wirkung leider noch.
"It's really Gay, Man!"
Das Altmodische, fast "Piefige" der Story kollidiert immer wieder mit den CGI Exzessen aus McKeans und Gaimans Unterbewußtsein und wirkt wie eine wunderschöne bunte Schatzkiste ohne Inhalt.

Ein Film wie ein bunter Karneval, leider genauso spannend. Schade.

2006-06-06T17:08:00.000+02:00

THE HORROR, THE HORROR:
Remake Mania in Hollywood!

Langsam reicht's. Zwei meiner Lieblingsfilme erscheinen noch dieses Jahr als amerikanisches Remake auf der Leinwand. THE WICKER MAN (GB, 1973) und KAIRO aka. PULSE (J, 2001). Warum?! Was will man an diesen Meisterwerken noch verbessern?

Wie die meisten anderen Remakes irgendwelcher Erfolgsfilme werden auch diese neuen Varianten völlig überflüssig sein, nur das Licht des Projektors erblickend, um noch ein paar Dollar zusätzlich einzuspielen. Von müden Drehbuchautoren adaptiert, denen die Ideen schon irgendwann in den 90ern ausgegangen sind. Ein Adaptieren von altem Material, um es der neuen Zeit in Sachen Tempo anzupassen, da der Durchschnittskinogänger ja angeblich nichts mit diesen "alten" oder zu "fremdländischen" Filmen anfangen kann.

Dennoch ist das "Neudrehen" von bereits existierenden Filmen ein Phänomen, welches sich wie ein roter Faden durch die Geschichte der Traumfabrik zieht. Doch während man lange Zeit größtenteils Hollywood-eigene Werke neu verfilmte, begann man besonders in den 80ern über den großen Teich zu blicken und europäische Filmerfolge neu aufzulegen.
Eines der ersten prominenten Opfer und ein Riesenerfolg noch dazu: Das amerikanische Remake DIE FRAU IN ROT (THE WOMAN IN RED, 1984) des französischen Komödienklassikers EIN ELEFANT IRRT SICH GEWALTIG (UN ÉLÉPHANT ÇA TROMPE ÉNORMÉMENT, 1976) mit Gene "Locke" Wilder und der damals ziemlich angesagten Kelly Le Brock in den Hauptrollen. Stevie Wonder steuerte noch einen Welthit bei und fertig war der Box Office Smash! Das man den feinen Humor von Yves Roberts Original zugunsten von Gene Wilders Verrenkungen amerikanisierte, schien offenbar niemanden zu stören.

Die Studiobosse merkten: Da ist noch was rauszuholen! Und legten nach:
DREI MÄNNER UND EIN BABY (TROIS HOMMES ET UN COUFFIN, 1985) war ein großer Erfolg in seinem Heimatland und erblickte 1987 erneut das Licht der Leinwand als NOCH DREI MÄNNER, NOCH EIN BABY (THREE MEN AND A BABY)! Unter der routinierten Regie von "Mr. Spock" Leonard Nimoy tummelten sich die 80er Jahre Größen Tom Selleck, Steve Guttenberg und Ted Danson zwischen vollgekackten Windeln und Spucktüchlein.
Und siehe da: Allein in den USA spielte die Seifenoper über 167 Millionen Dollar ein!
Es folgten weitere Remakes von französischen Komödienstoffen, unteranderem DAS BANKENTRIO (THREE FUGITIVES, 1989) mit Nick Nolte und EIN VERRÜCKT GENIALER COUP (QUICK CHANGE, 1990) mit Bill Murray nach Alexandre Arcadys DER BOSS (HOLD-UP, 1985) mit Jean Paul Belmondo.

In den 90ern folgten dann Thriller- und Actionremakes europäischer Klassiker. CODENAME: NINA (POINT OF NO RETURN, 1993) ist das äußerst dürftige Remake von Luc Bessons NIKITA (1990) mit Harvey Keitel in Jean Renos "Cleaner"-Rolle und der ziemlich fehlbesetzten Bridget Fonda als Killerbabe.
George Sluizers gelungener Thriller SPURLOS VERSCHWUNDEN (SPOORLOOS, Holland; Frankreich 1988) wurde gar von ihm selbst für Hollywood neu aufgelegt, bietet aber außer mehr Gewalt und einer bildgewaltigeren Herangehensweise auch nichts neues. Bekannte Gesichter natürlich, einer der Hauptgründe eines Hollywood Remakes: Warum irgendwelche Unbekannten agieren lassen, wenn man das Ganze mit Leuten wie Jeff Bridges, Kiefer Sutherland und Sandra Bullock besetzen kann? Auch wenn die Darsteller des Originals eine wesentlich realistischere Leistung abliefern.
Arnold Schwarzenegger präsentierte seinem Kumpel James Cameron das Script von Claude Zidis LA TOTALE! (1991) und die beiden mutierten die kleine Agentensatire in das 110 Millionen Dollar Effektspektakel TRUE LIES (1994). Hier kann man durchaus von einem gelungenen Remake sprechen, auch wenn die Subtilität des Originals einer gigantischen Krachorgie mit Bergen von Leichen und schlechten One-Linern geopfert wurde. But hey- it's fun!

Und dann kam die asiatische Welle. Nach ersten Gerüchten von Actionremakes wie THE KILLER (der sollte mal mit Richard Gere in der Hauptrolle verfilmt werden!) oder dem tatsächlich abgedrehten LAST MAN STANDING (1996) mit Bruce Willis, welcher zwei Gangsterbanden gegeneinander ausspielt, aber dennoch nicht an Toshiro Mifune in Akira Kurosawas Original YOJIMBO-DER LEIBWÄCHTER (Japan 1961) herankommt, folgte mit dem großen Erfolg von Wes Cravens SCREAM (1996) die große Horrorwelle in Hollywood.
Doch schon bald ging den Drehbuchautoren der Saft aus und man blickte mal wieder nach Übersee, in diesem Falle in das mysteriöse Japan. Diverser Mangaideen hatte man sich ja mittlerweile schon bedient, die MATRIX Trilogie hatte hier ganze Arbeit geleistet, jetzt wurde es Zeit für handfesten Horror!
Schon früh erwiesen sich die Japaner als Meister des psychologischen Horrors und der bereits 1998 erschienene THE RING (RINGU) ist ein wahres Meisterwerk in dieser Disziplin. Die Geschichte eines Videotapes, daß mit einem Fluch bespielt ist und diejenigen, die es ansehen in den Tod treibt, baut auf ein absolut grauenerregendes Finale hin, ohne auch nur einen Tropfen Blut zu vergießen. Ein ruhiger Film mit trägem Tempo und maximaler Wirkung.
Schwupps! Schnell die Drehbuchrechte gesichert, einen jungen Regisseur engagiert und noch ein paar zusätzliche Buh!-Effekte eingebaut, fertig ist THE RING (USA, 2002)! Jetzt noch mit dem tollen Zusatz: "Bevor Du stirbst, siehst Du den RING". Oh, Mann. Bitte.
Der Originalfilm hatte natürlich noch 'ne Fortsetzung, die hat man sich direkt dazu gekrallt. THE RING 2 (2005) erblickte den Projektor, ebenso wie DARK WATER (2005), welcher aber ausnahmsweise gelungen ist, die Remakes von dem DTV Kracher JU-ON (in Japan bereits für das Kino mitsamt Sequel neu verfilmt und als THE GRUDGE 2004 in die amerikanischen Kinos gelangt) und eben KAIRO (2001), welcher offenbar als nervende Teenie Variante namens PULSE auf Amerikas nichtsahnende Bevölkerung losgelassen wird. War das Original eine Art unheimliche Meditation zum Thema Vereinsamung und Kommunikationsmangel mit einem apokalyptischen Finale, so verspricht das Remake kreischende Teenager und Geisterbahneffekte, nicht zu unterschätzen von den tausenden anderen Durchschnittsschockern.

Und zu guter Letzt, zum krönenden Abschluß: THE WICKER MAN!
Einer der besten britischen Horrorfilme der Siebziger, auch eher ein ruhiges Werk und ein Film von bestechender Suggestionskraft, wird ausgerechnet mit Hysteriker No.1 Nicolas Cage verfilmt. Schon jetzt hab ich in dem Trailer allein mindestens zehn neue Sequenzen entdeckt, die mit dem Original an sich überhaupt nichts zu tun haben.

Aber was soll's? Die meisten werden noch nicht einmal raffen, daß sie ein Remake vor sich haben.

2007 kommt THE MAN WHO FELL TO EARTH.

SILENT HILL, USA/Frankreich/Japan 2005, Regie: Christophe Gans

2006-05-29T12:05:00.004+02:00

Videospielverfilmungen. Oh, Mann! Erinnert sich noch jemand an SUPER MARIO BROS (1993)? Bob Hoskins und John Leguizamo im bekloppten Super Mario-Klempneroutfit? Oder RESIDENT EVIL (2002), welcher dank unsäglicher Dialoge und der gründlich abnervenden Kreischsäge Milla Jovovich jeden ALIEN Italo-Billigabklatsch wie CITIZEN KANE aussehen liess? Der wohl mieseste Horrorfilm der letzten Dekade HOUSE OF THE DEAD (2003) von Oberstümper Uwe Boll? Oder gar DOOM (2005)??!!

Und nun SILENT HILL. Nach Jahren der Pein und des Verdrusses, hatte ich es mir eigentlich zum Ziel gemacht, Videospielverfilmungen strickt zu ignorieren. Selbst die einfachsten Storylines irgendwelcher Ballerspielchen funktionierten nicht einmal als Actionfilm. Videospiele sind Videospiele, und Filme sind Filme. Dachte ich.
Dies änderte sich allerdings mit der neuen Generation der Daddelabenteuer. Mit verbesserter Grafik und Sound wurden auch die Storylines immer komplexer und filmischer, man arbeitete mit ruhigen Sequenzen, die sich mit der Action abwechselten und die mittlerweile erstaunlich realistische 3-D Egoperspektive (in der Verfilmung des Ballerklassikers DOOM erlebt man als Hommage gar eine komplette siebenmütige Sequenz im Egoshooter Look) trug ihren Teil zu einem äußerst Sinne-stimulierenden Spektakel bei.
Das Spiel SILENT HILL und seine Nachfolger (aus der Schmiede des japanischen Game-Giganten Konami) gehören dabei zu den herausragenden Vertretern ihrer Art. Beeinflußt von der gigantischen Welt japanischer Schauergeschichten, gepaart mit einer ordentlichen Portion HELLRAISER (Buchvorlage und Regie: Clive Barker), wird viel mit Ruhe und Stimmung gearbeitet. Zu Beginn des Spiels passiert lange Zeit fast gar nichts:
Man erkundet den seltsamen, ausgestorbenen Ort Silent Hill, läuft durch dichten Nebel, hört unheimliche Geräusche und wird immer tiefer in die unheilvolle Atmosphäre hineingezogen, bis mit dem Ertönen der Feuersirenen buchstäblich die Hölle losbricht. Die Wände der Häuser blättern wie im Feuersturm ab, unheimliche, verwachsene Kreturen stellen einem nach und der gewaltige Dämon "The Pyramid", ein muskulöser Riese mit einer gewaltigen Metallpyramide als Kopf, versucht uns mit seinem riesigen Schwert zu erlegen. Und das ist erst der Anfang...

Im Film ist es Radha Mitchell (PITCH BLACK; WENN TRÄUME FLIEGEN LERNEN) als Rose da Silva, die auf der Suche nach ihrer Tochter immer tiefer in die dunkle Welt von Silent Hill vordringt und dem grauenhaften Fluch, der auf diesem Ort liegt, auf die Spur kommt.
Dabei merkt man dem Drehbuch von Roger Avary (PULP FICTION; KILLING ZOE) die Videospielwurzeln durchaus an. Level für Level arbeiten sich die Hauptdarsteller voran und treffen auf immer grauenerregendere Herausforderungen. Auf der positiven Seite gibt das dem Film ein gesundes Tempo mit immer neuen, visuell aufregenden Attraktionen und vermittelt dem Betrachter das Erlebnis einer rasanten Geisterbahnfahrt. Auf der negativen Seite wird man vor lauter Sensationen nicht so ganz involviert- was seltsam ist, da alle Darsteller durchweg gute Leistungen abliefern. Erst beim grausamen Flammentod eines der Hauptdarsteller wird man wirklich emotional erschüttert.

Dennoch: Christophe Gans (CRYING FREEMAN; DER PAKT DER WÖLFE) reizt sein vergleichsweise niedriges 50.000.000 Dollar Budget voll aus und liefert ein rasantes, atmosphärisch gekonntes Horrorspektakel mit beeindruckenden Effekten und hervorragendem Set Design (David Cronenbergs Stammdesignerin Carol Spier) ab. Gekonnt baut er immer wieder Zitate in das Höllenspektakel ein; Roses Fahrt durch die Wälder erinnert an den ebenfalls sehr gelungenen DEAD END (2003); die bizarre Sekte läßt wohlige Flashbacks an 60er/70er Jahre Horror wie WICKER MAN (1973) wach werden und die Verbrennungsszene ist eins zu eins in dem Vincent Price Klassiker DER HEXENJÄGER (1968) wiederzuentdecken.
Auch die Kameraarbeit ist erlesen: Wie im Spiel läßt die erste Hälfte des Films sich durchaus Zeit und etabliert gekonnt die Situation. Wenn Rose mit ihrer Tochter im Kombi durch die nächtlichen Wälder fährt (als gelungene CGI-Illusion aus gigantischer Höhe gefilmt) um dann im dichten Nebel von Silent Hill einen Unfall zu erleiden, dann wird das Gefühl einer unglaublichen Isolation geschickt aufgebaut. Der dänische Kameramann Dan Laustsen fängt wie schon in MIMIC (1997) wunderbar düstere Tableaux ein, die oftmals an Gemälde von Bosch oder Goya erinnern und erweist sich als wahrer Könner im Umgang mit Farben und Schatten.
Hinzu kommt einer der innovativeren Soundtracks der letzten Zeit: Die Komponisten Jeff Danna (TIDELAND) und Akira Yamaoka, Komponist der Videospiel-Scores, haben einen exotischen Mix aus Industrial Klängen, Aphex Twin-artigen Elektronikcollagen, Anfang 80er Italohorror-Klavierthema und klassischem Score gezaubert, der die Hölle erfolgreich auf Erden entstehen läßt.

Scheint mir ja doch ganz gut gefallen zu haben. Aber wirklich gegruselt habe ich mich nicht.

Da empfehle ich doch eher den faszinierenden KAIRO aka. PULSE (2001) von Kiyoshi Kurosawa, welcher mit ganz subtilen Mitteln das Ende der Welt einläutet. Und das auf verdammt unheimliche Art und Weise.

Noch unheimlicher ist natürlich die Tatsache, daß ein amerikanisches Remake dieses Neo-Klassikers noch dieses Jahr im Kino erscheint. Sie können es einfach nicht lassen.

DEAD SIMPLE (I'LL SLEEP WHEN I'M DEAD), GB 2003, Regie: Mike Hodges

2006-04-26T16:22:00.004+02:00

Der Regisseur des Klassikers JACK RECHNET AB (GET CARTER, 1971) kehrte 1998 mit dem gelungenen Spielerdrama CROUPIER wieder zur alten Form zurück. Im Jahre 2003 drehte er ebenfalls mit Clive Owen den ruhigen, aber nichtsdestotrotz abgründigen, Thriller DEAD SIMPLE:
Nach dem Selbstmord seines jüngeren Bruders kehrt der berüchtigte Ex-Gangster Will Graham (Owen) in die Stadt zurück, um herauszufinden, was diesen in den Freitod getrieben hat. Er findet heraus, daß dieser scheinbar vergewaltigt wurde. Seine Nachforschungen bringen ihn auf die Spur des zwielichtigen Geschäftsmannes Boad (Malcolm McDowell), welcher offenbar mit seinem Bruder in Kontakt stand...

Clive Owen ist einer dieser klassichen "Augen"-Schauspieler wie Franco Nero oder auch Steingesicht Clint Eastwood, die mit nur wenig Mimik große Emotionen transportieren können. Sein Will Graham (übrigens auch der Name des Hauptdarstellers in Thomas Harris Roman ROTER DRACHE) ist schon vor langer Zeit gestorben und wandelt wie ein Toter durch die düstere Stadt, nur noch vorangetrieben von dem Wunsch, den Tod seines Bruders aufzudecken. Er legt eine große Verletzlichkeit an den Tag, welche besonders in den Szenen mit Charlotte Rampling deutlich wird. Erst spät erkennt der Betrachter, daß sein böser Ruf durchaus begründet ist.
Malcolm McDowell, in Ehren gealtert, brilliert als fieser Spießer und hat gegen Ende des Films eine wirklich großartige Szene. Seine Rolle wirkt wie eine Weiterführung seines skrupellosen Charakters aus GANGSTER NO. 1: Alt aber immer noch verdammt bissig!
Überhaupt ist der Film exzellent besetzt mit sowohl alten Recken (Ken Stott, MESSIAH) als auch talentierten Newcomern (Jonathan Rhys Meyers, MATCH POINT), die keine Tarantino Karrikaturen abliefern, sondern wirklich authentische Typen darstellen.

Über dem ganzen Film liegt eine eigenartige, düstere Atmosphäre, die manchmal fast an einen Gothic-Horrorfilm erinnert. Der dissonante Soundtrack von Simon Fisher-Turner trägt noch dazu bei und wenn dann noch Clive Owen wie ein Geist durch die dunklen Räume gleitet, muß man öfters an Clint Eastwoods mystischen Western EIN FREMDER OHNE NAMEN (HIGH PLAINS DRIFTER, 1973) denken, in welchem auch ein Phantom aus der Vergangenheit zurückkehrt, um Rache zu üben. Unheimliche, kurze Visionen von seinem Bruder und die Tatsache, daß wir nie wirklich erfahren, weshalb Will sein altes Leben aufgegeben hat, um in einem Wohnwagen im Wald zu hausen, verstärken diese mysteriöse Wirkung noch zusätzlich.
Der Film läßt sich Zeit, und verwirrt das MTV-Publikum mit geradezu trügerischer Ruhe. Im positiven Sinne.

Als packender Thriller und stilles Drama- DEAD SIMPLE überzeugt auf ganzer Linie.
Aber bitte keine "Äktschn" erwarten.

NAPOLEON DYNAMITE, USA 2004, Regie: Jared Hess

2006-04-19T21:57:00.004+02:00

Wieso ist der eigentlich hier noch nicht im Kino? Oder zumindest auf DVD? Während selbst Dreck wie AMERICAN PIE, SCARY MOVIE oder auch Schwachsinn wie EY, MANN- WO IS' MEIN AUTO? in Deutschland ins Kino kommt und uns mit immer neuen Varianten das Leben schwer macht, landen die wahren Perlen irgendwann auf dem Grabbeltisch der Kaufhäuser. Wenn überhaupt!
Erinnert sich noch jemand an den durchaus gelungenen DIE RACHE DER EIERKÖPFE (REVENGE OF THE NERDS, 1984, demnächst auch als Remake)? In diesem Teenie Kleinod waren ausnahmsweise nicht mal die coolen Highschool Jungs die Stars, sondern die bebrillten Brainiacs der Schule, die Freaks, die Computerhocker! Nach Jahren der Schmach und des Leidens lehnten sie sich auf ihre ganz eigene Art gegen die Kleinwagen fahrenden Heartthrobs auf, und zeigten ihnen, was ein ordentlicher Dreisatz ist!
Napoleon Dynamite (Jon Heder) ist auch ein Eierkopf. Aber nicht sonderlich intelligent. Und dann dieser Look! Unter einer rotblonden Lockenmähne funkeln einen zwei zusammengekniffene Maulwurfsaugen an, welche von einer gewaltigen Brille eingerahmt werden. Der Mund steht ständig offen und präsentiert einen kräftigen Überbiss. Wenn Napoleon etwas mißfällt entfährt ihm ein gequältes AAAAAAAAhhhh. Die Schultern hängen herab und stecken in ausgesucht häßlichen Shirts. Hach, ich könnte Seiten über diesen Typ schreiben! Aber wartet, bis ihr seine Familie zu Gesicht bekommt! White Trash pur, wir befinden uns im amerikanischen Hinterland, Hallelujah! Ja, auch der liebe Napoleon hat es nicht einfach an der Schule. Doch er hat einen Freund: Pedro (Efren Ramirez), welcher als Mexikaner auch einer Minderheit angehört, aber für das Amt des Schülerpräsidenten kandidieren will. Der steht auch oft einfach nur mit offenem Mund rum! Napoleons noch seltsamerer Bruder Kip (Aaron Ruell) surft ständig im Internet und unterhält eine virtuelle Beziehung zu Lafawnduh (sprich "Lafonda"), welche sogar tatsächlich eines Tages aufkreuzt und sich als schwarze Wuchtbrumme entpuppt! Und dann wäre da noch Onkel Rico (Jon Gries), welcher eigentlich in einem Wohnwagen in der Wüste hockt, aber aussieht wie ein 70er Jahre Pornodarsteller! Verdammt, der ganze Film sieht aus wie ein 70er Jahre Porno! Diese häßlichen Menschen! Diese Frisuren! Diese KLAMOTTEN! Oftmals wird man an John PINK FLAMINGOS Waters erinnert, nur das hier Divine fehlt, die Hundekot von der Straße schlabbert! Der Film verströmt die herrlich abgestandene Aura eines amerikanischen Underground Comics à la Daniel Clowes (welcher mit diesem Werk eine große Vorliebe für Charaktere mit gewaltigen Zähnen teilt) und hat einen wirklich wunderbar skurrilen Humor- dabei kommt er völlig ohne die Fäkalwitztiraden des normalen amerikanischen Teeniekinos aus. Der Onkel kauft sich sogar eine Zeitmaschine im Internet, weil er die 80er so liebt! Zum Kaputtlachen! Und dann immer dieses AAAhhhhhhhhhhh! Als hätte Wes Anderson (DIE TIEFSEETAUCHER) eine High School Komödie inszeniert!
Und die Story? Es gibt Filme, da ist so etwas völlig überschätztes wie Story unwichtig. Filme, die einfach naturtoll sind. Minimalistische Meisterwerke, die einem die Augen für die kleinen Dinge des Lebens öffnen und einen bis in die tiefsten Winkel der Seele hinein beglücken. NAPOLEON DYNAMITE ist solch ein Film. Seit langer Zeit wieder ein Werk, daß ich mir nach dem ersten Ansehen direkt noch einmal anschauen wollte. Ein Jungbrunnen. Traumhaft.

WELCOME TO DONGMAKGOL, Südkorea 2005, Regie: Park Kwang-Hyun

2006-04-19T20:28:00.004+02:00

1950. In Korea herrscht Krieg. Ein verletzter amerikanischer, zwei südkoreanische und eine kleine Gruppe nordkoreanischer Soldaten treffen in dem winzigen, von der Außenwelt abgeschnitten in den Bergen gelegenen Dörfchen Dongmakgol aufeinander. Scheinbar hat man hier vom Krieg überhaupt noch nichts mitgekriegt und Schußwaffen jeglicher Art sind völlig unbekannt. In dieser neutralen Zone lernen die einstigen Feinde miteinander zu leben, zumal der versehentlich gesprengte Maisspeicher wieder aufgebaut werden muß und ein fieses Wildschwein die Gegend unsicher macht! Leider finden die Freuden des Landlebens jedoch ihr jähes Ende, als die Verstärkung anrückt und in den ahnungslosen Dorfbewohnern hinterhältige Kommunisten vermutet, die es auszuschalten gilt...
Was wie ein typisch brutaler Kriegsfilm moderner Machart beginnt, wandelt sich schon sehr bald zu einer wunderbar poetischen Tragikkomödie voller Überraschungen. Park Kwang-Hyuns Regiedebut kann man nur als erstaunlich betrachten. Zugegeben: Die Story ist nun wirklich nicht neu und man ahnt schon recht früh, daß die Dorfidylle schon bald empfindlich gestört wird, aber die Art, wie Hyun seinen Film erzählt, läßt fast an die Entdeckung eines asiatischen Jean-Pierre Jeunet (DIE FABELHAFTE WELT DER AMÉLIE; MATHILDE-EINE GROSSE LIEBE) glauben- ähnlich wie sein französischer Kollege hat der Koreaner ein gewaltiges Gespür für das Visuelle und läßt in vielen Momenten der Macht der Bilder den Vorzug vor schwülstigen Dialogen. Während Jeunet jedoch seinen "Amelié im Krieg" MATHILDE etwas in den Sand setzte, sich nicht zwischen märchenhaftem Kitsch, Audrey Tautous Kulleraugen, Comic Styling und realen Kriegsgräueln entscheiden konnte, und von daher ein ziemlich unausgegorenes, wenn auch visuell beeindruckendes Werk ablieferte, so gelingt Hyun der Spagat zwischen ernsthaftem Kriegsfilm und sanftem Humor hier wesentlich besser.
Immer wieder schafft er es, den "Sense Of Wonder" heraufzubeschwören: Sei es die Explosion des Maissilos, dem ein Regen von Popcorn folgt, mit Maiskörnern, die sich in Großaufnahme vor dem staunenden Auge des Betrachters wie Blüten entfalten und den lachenden Dorfbewohnern entgegen sinken. Oder wenn der Angriff des riesigen Wildschweins und der anschließende Kampf sich dank ausgefallener Perspektiven zu einem wahren Zeitlupenballett entwickelt (OK, da stand MATRIX mal wieder Pate, aber hier ist es einfach...wunderschön!). Die Kameraarbeit ist exzellent und verpasst dem Film eine geradezu märchenhafte Aura, ohne die Ernsthaftigkeit des Krieges zu beschönigen.
Wenn sich dann in der letzten halben Stunde der Kreis schließt, und die Ex-Soldaten wieder mit dem Krieg konfrontiert werden, welchem sie zu entkommen versuchten und vor der Wahl stehen, daß Dorf (mit diesen unglaublich sympathischen Charakteren) den Bomben auszuliefern oder das Feuer auf sich selbst zu lenken, wirkt das nicht verwirrend oder als Bruch wie in dem bereits erwähnten MATHILDE. Hier ist es eine runde Sache.
Und so kommt WELCOME TO DONGMAKGOL zu einem unerwartet spektakulär-feurigen Ende, mit dem man so nicht unbedingt gerechnet hätte. Der ebenfalls koreanische BROTHERHOOD mag der erfolgreichere Kriegsfilm gewesen sein, DONGMAKGOL aber gelingt das Kunststück, den Betrachter emotional zu bewegen, ohne Berge von Leichen zu zeigen.
Unbedingt eine Packung Kleenex bereithalten!

2006-04-02T19:56:00.003+02:00

Phantastisches TV in England: Von Geistern und Triffids

Britisches TV vergangener Zeit ist ein zweischneidiges Schwert. Charaktere und Geschichten waren schon immer liebevoll gestaltet und überzeugten durch Tiefe und komplexe Storylines. Jedoch entdeckten die Briten in den siebziger Jahren das günstige Medium Video und so erhielten viele Serien den "typischen" englischen TV-Look: Innenaufnahmen wirkten seltsam antiseptisch, während Aussenaufnahmen auf Filmmaterial festgehalten wurden und eher einen Kinolook an den Tag legten. Daher machten viele Serien visuell eher einen abschreckenden Eindruck: Der Look von DAS HAUS AM EATON PLACE (UPSTAIRS, DOWNSTAIRS, 1971), DER DOKTOR UND DAS LIEBE VIEH (ALL CREATURES GREAT AND SMALL, 1978) oder aber auch DIE DREIBEINIGEN HERRSCHER (THE TRIPODS, 1984, mein erster Kontakt mit britischer TV Science Fiction!) sind der Grund dafür, daß ich von britischen (aber auch deutschen) TV-Serien ein eher negatives Bild hatte. Die Mischung der Filmformate wirkte unnatürlich und störte meiner Meinung nach auch den Erzählfluss.
Ab und weg! Dann lieber SPASS AM DIENSTAG!!

Aber die Zeiten ändern sich, und heutzutage sieht man viele Dinge mit anderen Augen. Da viele Klassiker des phantastischen Fernsehens mittlerweile in England auf DVD erschienen sind, wird es Zeit, die alten Schätzchen noch einmal etwas genauer unter die Lupe zu nehmen.
Britisches TV ist bekannt für seine hohe Qualität und deckt seit jeher eine große Bandbreite von Genres ab: Thriller, Drama, Komödie, Science Fiction, Horror gab es schon immer in Serie und geringe Budgets wurden zumeist durch exzellente Schauspieler und gute Drehbücher wettgemacht. Bekommen wir heutzutage aus England zumeist packende, psychologisch geladene Thrillerserien wie FÜR ALLE FÄLLE FITZ (CRACKER, 1993), oder MESSIAS (MESSIAH, 2001) zu Gesicht, so wurden in den Siebzigern und Achtzigern einige hervorragende Stoffe des phantastischen Genres für das Fernsehen bearbeitet.

Neben allseits bekannten Serienhits wie DR. WHO (Start 1963, mindestens 26 Staffeln) oder PER ANHALTER DURCH DIE GALAXIS (HITCHHIKER'S GUIDE TO THE GALAXY, 1981) existieren einige weitere Perlen, die oftmals gar nicht erst nach Deutschland gelangt sind, oder höchstens ein Schattendasein zwischen dem Müll der Privatsender fristeten:

Bereits in den Sechzigern erlangte die Serie NUMMER 6 (THE PRISONER, 1967) mit Patrick MacGoohan Kultstatus und sollte aufgrund ihrer Kafkaesken Atmosphäre und Traumlogik den Weg für spätere TV-Klassiker wie TWIN PEAKS ebnen. Ein innovativer Genremix aus Agententhriller, Science Fiction, Establishment-Satire und Action, in der Agent MacGoohan (quasi eine Weiterführung seiner Rolle in der Serie GEHEIMAGENT (DANGER MAN, 1964)), nach seiner Kündigung beim Geheimdienst betäubt wird, und später in einem seltsamen Küstendörfchen als "Nummer 6" erwacht. MacGoohan ist ein wunderbar hartnäckiger Charakter, der sich alles nur erdenkliche einfallen läßt, um hinter das Geheimnis des Dorfes zu kommen, jedoch zu Beginn jeder neuen Folge doch immer wieder im selben adrett eingerichteten Raum sein Bewußtsein erlangt.
Gehirnwäsche und Umerziehung, eine unheimliche weisse Kugel, die Menschen jagt, welche zu fliehen versuchen, wilde Genre-Wechsel, Pop-Design wie aus einem Bond-Film, ein Ohrwurm Soundtrack, seltsame Rätsel, über die es ganze Bücher gibt, und skurrile Charaktere zeichnen dieses, zudem auf Filmmaterial gedrehte, Glanzstück aus. Sieht man die 17 Folgen an einem Stück, stellen sich zwar durchaus Ermüdungserscheinungen aufgrund der elliptischen Struktur ein, doch schaffen es die Macher immer wieder, den Betrachter mit einem neuen Einfall oder einer unvorhersehbaren Wendung bei der Stange zu halten. Essentiell.

Ende der Sechziger, Anfang der Siebziger Jahre gab es dann die wunderbare Reihe GHOST STORY FOR CHRISTMAS, in welcher Klassiker der unheimlichen Literatur für das Fernsehen adaptiert wurden.
Besonders M. R. James' A WARNING TO THE CURIOUS von Lawrence Gordon Clark ist ein sehr gelungenes, 50 minütiges Schauerstück um einen Archäologen, welcher eine verfluchte Krone ausgräbt, und daraufhin von dem Geist des Wächters verfolgt wird. Die britische, karge Küstenlandschaft wird hervorragend eingefangen, und die Momente, in denen der Archäologe von einer schwarzen Gestalt durch die Weite gejagt wird, sorgen in Verbindung mit dem unheimlichen Soundtrack für wohligen Grusel ohne Blutvergießen. Oftmals denkt man an andere britische Schauerklassiker wie THE WICKER MAN (GB, 1973) oder WENN DIE GONDELN TRAUER TRAGEN (DON'T LOOK NOW, GB 1975), die auf ähnlich subtile Weise den Betrachter das Fürchten lehren.
Andere gelungene Folgen der Reihe sind WHISTLE AND I'LL COME TO YOU (ebenfalls nach M.R. James, 1968) und THE SIGNAL MAN (nach Charles Dickens, 1976) mit Denholm Elliott.

THE STONE TAPE (1972) ist die Adaption einer Story von Nigel Kneale, welchem wir die großartigen Spiel- und Fernsehfilme um den besessenen Wissenschaftler Quatermass (THE QUATERMASS XPERIMENT; QUATERMASS 2; QUATERMASS AND THE PIT) zu verdanken haben. Besonders Kneales realistische, wissenschaftliche Herangehensweise machte aus diesen Science Fiction Klassikern fürwahr innovatives Kino.
Selbiges schafft er in diesem Fall für den klassischen "Haunted House" Film- in THE STONE TAPE vertreten Wissenschaftler die Theorie, daß die Wände des besessenen Hauses wie eine Art Tonband funktionieren und vergangene Ereignisse somit konservieren. Sie versuchen auf rationalem Wege das Spukhaus zu erforschen und gar zu exorzieren, müssen am Ende aber dann doch vor den übernatürlichen Geschehnissen kapitulieren.
Fast schon dokumentarisch, verstärkt noch durch die sterile Video-Optik, nimmt der Film ähnliche Momente aus THE LEGEND OF HELL HOUSE, THE EXORCIST oder POLTERGEIST vorweg, und baut dank intensiver Darstellungen der Schauspieler Momente großer Dichte auf. Leider ist die Effektarbeit als sehr bescheiden zu bezeichnen- aber Spezialeffekte stehen hier eh nicht im Vordergrund.

1981 erblickte THE DAY OF THE TRIFFIDS die britische Mattscheibe und wurde ein großer Erfolg. John Wyndhams (DORF DER VERDAMMTEN) Science Fiction Story erzählt die Geschichte einer kollektiven Erblindung: Nach Sichtung eines spektakulären Meteoritenschauers verliert ein Großteil der Bevölkerung ihr Augenlicht. Nur Bill Masen (John Duttin), welcher zu diesem Zeitpunkt mit verbundenen Augen im Krankenhaus lag, und wenige andere sind die einzigen Sehenden. Zudem haben sich auch noch sogenannte Triffids aus der Überwachung befreit, seltsame, mannsgroße wandelnde Pflanzen, die ursprünglich für medizinische Zwecke gezüchtet wurden, im menschenleeren London aber dank ihrer giftigen Tentakel nun eine tödliche Gefahr darstellen....
Bereits 1962 entstand eine Kinoverfilmung dieser Story. Diese ist aber nur für Trash-Liebhaber sehenswert, da Regisseur Steve Sekely die komplexe Story auf alberne Triffid Attacken zusammengedampfte. Die stakeligen Puppen besiegelten das Schicksal jener Gurke dann endgültig.
Die TV-Version hingegen ist sehr gelungen- zwar hat man auch hier wieder mit Video Innen- und Film Aussenaufnahmen zu kämpfen, jedoch kommt in diesem Fall dem Film, ähnlich wie bei THE STONE TAPE, die Vermischung der verschiedenen Formate zugute. TRIFFIDS erinnert in seinen Szenen von einem leeren, chaotischen London und seinen blinden, umhertastenden Einwohnern oftmals an den späteren Independent DV-Hit 28 DAYS LATER (2002).
Ebenso wie dieser stellt auch TRIFFIDS einige unbequeme Fragen, indem er die neu entstehende Gesellschaft, einige wenige Sehende herrschen über die blinden Plebs, als eindeutig diktatorisch darstellt. Wie in DAWN OF THE DEAD (1978) sehen die Helden ihre Rettung nur noch in der Flucht auf eine zivilisationsferne Insel.
Sogar die Triffids sind für TV-Verhältnisse beeindruckend inszeniert und erinnern in ihrem seltsamen, organischen Äußeren fast an Kreaturen aus einem David Cronenberg Film. Und das klopfende Geräusch, welches sie zur Verständigung verursachen, geht einem auch längere Zeit nach Ansehen der Serie nicht mehr aus dem Kopf.
Mit etwas mehr Geld wäre DAY OF THE TRIFFIDS wahrscheinlich auch ein Erfolg an den Kinokassen vergönnt gewesen.

Und selbst an die Horror- und Science Fiction Fans unter den Kleinen wurde gedacht:
Würde Nigel Kneale Kinderserien scripten, käme wahrscheinlich ein unheimlicher kleiner Siebenteiler wie CHILDREN OF THE STONES (1977) dabei heraus! Die Serie dürfte den Kids damals gewaltige Alpträume bereitet haben:
Als Simon Brake und sein Sohn Matthew in das verschlafene Städtchen Milbury kommen, stoßen sie auf seltsame Vorkommnisse. Steine in Menschengestalt tauchen im Augenwinkel auf und nachts treffen sich die Einwohner und singen unheimliche Chöre am Steinkreis. Und was hat der mysteriöse Mr. Hendrick, dessen Haus im Zentrum dieses Steinkreises liegt, mit der Beeinflußung der Massen zu tun?

Gegen Ende kippt die Paranoiageschichte, leider nicht ganz glücklich, von softem Grusel in ein Science Fiction Szenario um, bietet aber, dank eines wirklich unheimlichen Soundtracks, immer noch genug faszinierende Momente und schafft es, dank guter Darsteller und ernsthafter Regie, auch für Erwachsene gut über die Runden zu kommen.

CHOCKY (1984), nach einer weiteren Vorlage von John Wyndham, ist ebenfalls reichlich verstörendes TV für Kinder. Es ist die subtile Geschichte einer Besessenheit, oder eher gesagt einer Symbiose: Der junge Matthew (Andrew Ellams) hat eine seltsam verzerrte Stimme in seinem Kopf- Chocky, eine außerirdische Lebensform, die durch Matthew mehr über die Menschen lernen will. Zum Dank steigert sie seine intellektuellen und körperlichen Fähigkeiten. Allerdings werden auch Matthews Eltern langsam auf seine Veränderung aufmerksam, und die Geschichte nimmt eine gefährliche Wendung...
Fast gänzlich ohne Spezialeffekte wird man in diese ruhige, aber irgendwie faszinierende Geschichte gezogen, was vor allem dem beeindruckenden Schauspiel des jungen Andrew Ellams zu verdanken ist. Wenn die bizarre Stimme ertönt und er ganz natürlich reagiert, läuft dem Betrachter schon ein leichter Schauer über den Rücken. Ähnlich wie Danny Lloyd in THE SHINING liefert er eine realistische Darstellung in einem phantastischen Sujet ab, die der Start für eine große Karriere hätte sein können. Leider zog der damalige Shooting Star sich aber nach den obligatorischen Fortsetzungen aus dem TV-Geschäft zurück.
CHOCKY ist gut geschriebene minimalistische Science Fiction und auch für Erwachsene eine Entdeckung wert- da sieht man auch gerne mal über das grauenhafte 80er Jahre Styling hinweg!

Dies ist natürlich nur ein kleiner Ausschnitt aus der wunderbaren Welt des britischen Fernsehens, welches auch heute noch stetig qualitativ hochwertige Sendungen in den Äther schickt. Menschen mit Schüssel sei ein Anpeilen des betreffenden Satelliten empfohlen...
Dann schnell das Guinness bereitgestellt, Fish and Chips ausgepackt, und nichts wie ran an die britische TV-Kelle!

PICKNICK AM VALENTINSTAG (PICNIC AT HANGING ROCK) Australien, 1975, Regie: Peter Weir

2006-04-01T13:41:00.005+02:00

Bevor Peter Weir in die Staaten ging, und dort Blockbuster wie DER EINZIGE ZEUGE (WITNESS, 1985) oder TRUMAN SHOW (1998) inszenierte, war er in seinem Heimatland Australien bereits eine angesehene Größe. Filme wie DIE LETZTE FLUT (THE LAST WAVE, 1977), GALLIPOLI (1981) oder EIN JAHR IN DER HÖLLE (THE YEAR OF LIVING DANGEROUSLY, 1982) wiesen ihn bereits als Könner mit Händchen für besondere Stoffe aus.
Sein Durchbruch jedoch war der mystische PICKNICK AM VALENTINSTAG, welcher mit dem zwei Jahre später gedrehten DIE LETZTE FLUT eine Art phantastisches Paar bildet. Beide Filme entwickeln eine unglaublich gekonnt aufgebaute Aura des Unnatürlichen, Unerklärlichen. Dabei passiert in beiden Werken relativ wenig, die Inszenierung ist sehr ruhig und konzentriert sich völlig auf die Entwicklung einer besonderen Atmosphäre. Während jedoch FLUT durchaus als subtile Apokalypse angesehen werden kann, welche mit dem Aufzug eines gewaltigen Tsunamis ihren Anfang findet, handelt es sich bei PICKNICK eher um eine stille Fabel voller versteckter Andeutungen:

Valentinstag, 1900. Die Schülerinnen eines Mädchenpensionats brechen zu einem Ausflug in die Natur auf, ihr Ziel: "Hanging Rock", ein Berg inmitten der Wildnis, um den sich schon einige Legenden ranken. Ein paar Schülerinnen trennen sich von der rastenden Gruppe, um den Felsen näher zu erkunden, aber kehren nicht zurück. Eine große Suchaktion wird eingeleitet und ein Mädchen wird verstört aufgefunden, aber die anderen und eine Lehrerin bleiben verschollen. Was ist das Geheimnis von "Hanging Rock"?

Teils Period Piece, Drama und Mystery, stellt dieser hypnotische Film eine verführerische Mischung dar. Schon früh wird der Berg als eigener Charakter etabliert ("Er ist Millionen Jahre alt- und hat nur auf uns gewartet."), als Wesenheit, um die sich die seltsamsten Geschichten ranken. Am ehesten kann man ihn mit dem berühmten Spukhaus, was es irgendwie in fast jeder Stadt gibt, und um welches sich bizarre Mythen drehen, vergleichen. Mit seinen Phallus-artigen, irgendwie organischen Felsen, die oft auch an Gesichter erinnern, und Vagina-ähnlichen Höhlen und Öffnungen, geht von ihm eine ganz eigene Atmosphäre aus, welche durch das innovative Sound Design, mit seinen grollenden Bässen und seltsamen Geräuschen, noch verstärkt wird. Oftmals läßt Weir auch einfach nur die mystische Landschaft wirken und untermalt das Geschehen mit Naturgeräuschen (eine Technik auf die ein anderer großer Mystiker des Kinos, Terrence Mallick, auch immer wieder zurückgreift, siehe DER SCHMALE GRAT (THE THIN RED LINE, 1998)).

PICKNICK ist kein simpler Genrefilm, sondern eher eine Geschichte über erwachende Sinnlichkeit und Sexualität. Die aparten Klänge des Kitsch-Panflötengottes Zamfir (in Kollaboration mit Bruce Smeaton) verleihen dem Film eine faszinierend epische, gleichzeitig intime Stimmung. Es ist kein Zufall, daß die am Rande zur Pubertät stehenden, in unschuldiges Weiss gekleideten, jungen Frauen sich ausgerechnet an einem Valentinstag, dem Tag der Liebenden, auf den Weg zum Berg (zum Date) machen. Ständig gibt es versteckte Andeutungen auf die unterdrückte Sexualität der damaligen Gesellschaft, die quasi durch den Berg "befreit" wird. In einer subtil fetischistischen Szene ziehen die (bald verschwundenen) Mädchen ihre schwarzen Strümpfe aus und klettern barfuß, wie unter Zwang, weiter, sehr zum Entsetzen der dicklichen, asexuellen Nörglerin der kleinen Gruppe. Selbst die bieder-strenge Lehrerin Miss McCraw, welche ihnen später folgt, verfällt dem Zauber und entledigt sich ihrer Kleider bis auf die Unterwäsche.
Miranda (Anne-Louise Lambert), quasi die Anführerin der Gruppe, wird aufgrund ihrer sinnlichen Ausstrahlung mit der Venus von Botticelli verglichen, sie ist sehr beliebt, sowohl bei den Lehrerinnen als auch den anderen Mädchen (ihre Zimmergenossin, das Waisenkind, scheint sogar noch tiefere Gefühle für sie zu empfinden) und ist auch die Erste, bei welcher der Zauber des Berges seine Wirkung entfaltet. Als Irma (Karen Robson) überraschend gefunden wird, kann sie sich an nichts mehr erinnern, aber ihr Korsett fehlt, was einen weiteren sexuellen Background vermuten läßt. Später wird sie als einzige ein rotes Kleid tragen, als Zeichen ihrer Veränderung.

Dankenswerterweise beläßt Peter Weir es bei diesen Andeutungen und läßt sehr viel Raum zum Interpretieren.
Mystisch, subtil unheimlich und unterschwellig sexy, gehört PICKNICK AM VALENTINSTAG zu einer Sorte Film, wie sie heute selten geworden ist.

Die deutsche DVD von Kinowelt ist übrigens sehr zu empfehlen: Sie bietet den gestrafften Director's Cut in glasklarer Qualität, in deutschem Mono oder hervorragend remixtem Originalton in 5.1 und Untertiteln. Was will man mehr?

THE HILLS HAVE EYES, USA 2005, Regie: Alexandre Aja

2006-03-31T11:24:00.004+02:00

Eine amerikanische Durchschnittsfamilie befindet sich auf einem Ferientrip in die Wüste, als plötzlich die Reifen platzen. Vater und Schwiegersohn suchen Hilfe, während die anderen zurück bleiben- nicht ahnend, daß sie einer gewalttätigen Familie von mutierten Minenarbeitern ausgeliefert sind, Überbleibseln von diversen Atombombentests in dieser Gegend...

Krude Story, guter Film! Nach einem furiosen Auftakt, der auch gut in einen Italo-Science Fiction-Matsch à la ALIEN- DIE SAAT DES GRAUENS KEHRT ZURÜCK gepasst hätte (ein unbekanntes Etwas erlegt ein Paar Wissenschaftler in Strahlenschutzanzügen), werden wir mit einer ironischen Videoclip-artigen Titelsequenz verwöhnt, welche positive Erinnerungen an Zack Snyders ebenfalls gelungenes Remake von George A. Romeros DAWN OF THE DEAD (2004) heraufbeschwört. Zu einem netten Fifties-Song werden Atombombenexplosionen im Takt geschnitten, nur unterbrochen von alten DUCK AND COVER Schnippseln und verstörenden Blitzern tatsächlicher, von Radioaktivität ausgelösten, Mutationen.

Der Franzose Alexandre Aja, welcher mit dem unangenehmen Slasher HAUTE TENSION (2003) einiges Aufsehen erregte, hat sich Wes Cravens THE HILLS HAVE EYES (1977) gut angeschaut: Die simple Story des Originals, im Grunde nichts anderes als eine Art Horrorvariante von Wes Cravens eigenem 1972er Schocker THE LAST HOUSE ON THE LEFT (zwei Mädchen geraten in die Hände einer Gruppe Sadisten, um am Ende von ihren Eltern gerächt zu werden), welcher wiederum Motive aus Ingmar Bergmanns Fabel JUNGFRUKÄLLAN aka. DIE JUNGFRAUEN- QUELLE (1960), Sam Peckinpahs Racheklassiker STRAW DOGS aka. WER GEWALT SÄT (1971) und den damals aktuellen Manson-Family Morden, verwurstete, wurde von Aja und seinem Co-Drehbuchautor Grégory Levasseur geschickt weitergesponnen.
Besonders Peckinpahs STRAW DOGS kommt einem in den Sinn, wenn (auch im HILLS Original) der unscheinbare Schwiegersohn wie weiland Dustin Hoffman zu seinen primitiven Urwurzeln findet, und wortwörtlich über Leichen geht, um sein entführtes Baby zu retten. Peckinpah interessierte sich für das Entstehen und die Psychologie von Gewalt, für die Auslöser, und vertrat die These, daß jeder von uns an einem bestimmten Punkt "zum Tier" werden kann, egal, wie friedfertig er eigentlich ist.

HILLS hat keinen solch intellektuellen Ansatz, überzeugt aber als knallharter Backwoods-/ Wüstensplatter mit beeindruckender Atmosphäre. Man merkt, das echte Fans am Werke waren, die das Original nicht verfälschen wollten und stattdessen um einige sinnvolle Details erweitert haben. Aja schafft es, der Wüste und den diversen Locations eine völlig irreale Atmosphäre zu geben, welche fast schon an einen Science Fiction Film erinnern:
Die weiss gekleideten Wissenschaftler mit ihren Geigerzählern inmitten der Wüste.
Der riesige Bombenexplosionskrater, gefüllt mit den Autos der Überfallenen.
Die Test-Stadt mit ihren verlassenen Gebäuden und verbrannten, menschengroßen Puppen.

Lauter atmosphärische Momente, die man in dem minimal budgetierten Original nicht vorfand.
Über allem liegt eine Aura der Isolation und des Zerfalls, welche von HAUTE TENSIONs Kameramann Maxime Alexandre in stimmungsvolle Breitwandbilder gepackt und von den atmosphärischen Synthesizerklängen Tomandandys (MOTHMAN PROPHECIES; KILLING ZOE) passend untermalt wird. Und die Darsteller tragen ebenfalls sehr zum Gelingen bei: Ted Levine (SILENCE OF THE LAMBS), Kathleen Quinlan (THE DOORS), Aaron Stanford (X-MEN 2) und besonders der junge Dan Byrd, stellen wirkliche Charaktere dar, nicht die üblichen Schablonenvisagen des Slasherkinos, die nur kurz auftauchen, um dann möglichst originell aus dem Leben zu scheiden.
Tja, und dahinscheiden müssen einige! Dies ist der wohl blutigste Film der Saison, welcher sich nach einer ruhigen ersten Hälfte zu einer wahren Orgie ausartet! In den 80ern wären Filme wie dieser beschlagnahmt worden, heute laufen sie im Multiplex um die Ecke! Die Zeiten haben sich geändert...

THE HILLS HAVE EYES bietet dem geneigten Betrachter packende, aber wirklich rüde 107 Minuten und beschwört den brachialen Horror des siebziger/achtziger Jahre Kinos herauf, auch wenn er am Ende etwas über das Ziel hinausschießt.

Und sie haben sogar einen der wunderbarsten deutschen Titel der siebziger Jahre übernommen: HÜGEL DER BLUTIGEN AUGEN!!

V FÜR VENDETTA (USA, Deutschland 2005, Regie: James McTeigue)

2006-03-22T11:46:00.004+01:00

Und noch eine Comicverfilmung. Zudem längst überfällig, denn Alan Moores komplexe Geschichte hätte es schon früher verdient, das Licht der Leinwand zu erblicken:

Das England der Zukunft leidet unter einem totalitären Regime. Als die junge Evey (Nathalie Portmann) nach Ausgangssperre fast von einer Gruppe von Informanten vergewaltigt wird, tritt der maskierte V (Hugo Weaving) in ihr Leben und schaltet die Häscher aus. V befindet sich auf einem Rachefeldzug, an dessen Ende der Sturz des Regimes am fünften November des nächsten Jahres stehen soll. Durch geschickte Attacken auf den größten TV-Sender und Wahrzeichen Londons gelingt es ihm, die Massen zu mobilisieren. Doch die gegnerische Seite schläft ebenfalls nicht- sie konzentriert sich auf das Schwächste Glied in der Kette: Evey.

Der ewige Assistant Director James McTeigue (THE MATRIX Trilogie; DARK CITY) hat ein gelungenes Regiedebut von teilweise beeindruckender Intensität abgeliefert. Hier sind es keine Superhelden, die gegen das Böse kämpfen, sondern Menschen, die mit ihren eigenen Dämonen mindestens genauso im Argen liegen wie mit der Brutalität ihrer Diktatur.
Das Drehbuch der Comic-erfahrenen Wachowski Brüder (THE MATRIX) schafft es, Alan Moores fintenreiche Geschichte ohne allzu große Abstriche in eine kompakte Laufzeit von knapp 130 Minuten zu packen: Die ehemaligen Comicautoren und -zeichner haben die Graphic Novel bereits in den 90ern, bereits vor ihrer Arbeit an THE MATRIX, adaptiert, und man merkt ihrem Drehbuch an, daß sie sich Zeit mit der Entwicklung genommen haben. V FÜR VENDETTA überzeugt durch große Homogenität, baut seine Geschichte geschickt auf, ohne in US-typische Actionorgien zu verfallen (auch wenn die Liebhaber des Genres ebenfalls nicht leer ausgehen) und beeindruckt sowohl auf darstellerischer als auch stilistischer Ebene.
Moore, welcher sich von allen Adaptionen seiner Werke distanzierte und daher im Vorspann auch nicht erwähnt wird, erzählt eine Geschichte aus einer düsteren Zukunft, in welcher ausgerechnet der Terrorist der Gute ist.
Eine äußerst problematische Thematik in einer Zeit, wo ständig zur Hexenjagd gegen den Terrorismus gerufen wird, Diktatoren gestürzt, Attentate fast täglich verübt, und der Glauben an die Regierung immer dünner geworden ist.
Ähnlich wie der unterschätzte STARSHIP TROOPERS, welcher das Mittel der Satire nutzt, um mit seiner Science Fiction Storyline die Politik der Vergangenheit und Gegenwart zu kritisieren, kann man auch V als Zerrspiegel politisch vertrackter Zeiten ansehen, selbst wenn die Originalgeschichte bereits 1988 entstand, einer Zeit, in welcher der Kalte Krieg und die Mauer noch in aller Munde waren.

Trotz seiner klaren, kritischen Aussagen ist V aber auch ein packender Actionfilm mit einigen, gut über den gesamten Film verteilten, Highlights.
Ein Problem des Actionkinos der letzten Zeit ist der Hang zum Overkill- vorbei sind die Zeiten, als Spielfilme ihre Actionsequenzen á la BULLIT oder FRENCH CONNECTION erst einer behutsamen Phase des Aufbaus folgen liessen. Dabei ist es doch viel schöner, nach einer längeren Phase der Anspannung mit einem spektakulären Bonbon belohnt zu werden! Doch in den MTV-Schnittstakkatos der letzten Zeit, zu denen leider auch die völlig mißglückten MATRIX Fortsetzungen mit ihren teilweise 15 minütigen Actionsequenzen zwischen Blöcken sinnfreien Gelabers gehören, ist dieser Hang zum klassischen Aufbau leider völlig verloren gegangen.
Gottlob begeht V diese Fehler nicht und bietet dem Betrachter eine spektakuläre Attacke auf den TV-Sender der Stadt, explodierende Wahrzeichen, Menschenmassen mit der Maske Vs, die sich wie schwarze Ameisen in die Straßen ergießen und ein fürwahr effektives Finale, in dem V gegen diverse Gegner antritt, und die Blutfontänen sprudeln wie zu alten LONE WOLF AND CUB Zeiten!
Zudem verbreiten die größtenteils britischen Charaktermimen (unteranderem Stephen Rhea, Stephen Fry, John Hurt, ua.) ein schön europäisches Flair. Nathalie Portmann gibt ihr bestes in einer durchaus fordernden Rolle und "Agent Smith" Hugo Weaving als V schafft es, trotz Maske beeindruckende Vielschichtigkeit zu zeigen.
Der bombastische Orchester-Score Dario Marianellis (PRIDE AND PRJUDICE; THE WARRIOR) tut schließlich sein übriges, um aus V WIE VENDETTA ein wirklich rundes Kinoerlebnis zu machen.
Unbedingt in einem solchen zu geniessen.

NARC, USA 2002, Regie: Joe Carnahan

2006-03-22T11:36:00.004+01:00

Nach dem Tod eines verdeckten Ermittlers wird Nick Tellis (Jason Patric) zurück in den Dienst geholt. Sein neuer Partner ist der gewalttätige, unberechenbare Henry Oak (Ray Liotta), welcher ein Freund des Toten war. Ihre Ermittlungen führen sie durch die Drogenhöhlen der Stadt und Nick wird zunehmend mit seiner Junkie-Vergangenheit konfrontiert. Zudem scheint sein Partner ein doppeltes Spiel zu spielen...
Die ersten Minuten sind eine tour de force ohnegleichen, eine Verfolgungsjagd im Drogenrausch, wackelnde Kamera, Stakkatoschnitte, geschickte Computer-generierte Übergänge, Ego Perspektive, Rasanz pur. Der Betrachter wird förmlich selbst auf Droge gesetzt, Adrenalin und Heroin knallen aufeinander, der Flüchtende rammt einem Passanten eine Spritze in den Hals, dieser bricht zuckend zusammen, Nick Tellis schießt, Chaos, der Querschläger trifft eine Schwangere, Schreie, Ende. Gefeuert.

Hier regiert die harte Realität. Ähnlich wie in der brillianten Serie THE SHIELD (ebenfalls 2002) werden in Joe Carnahans packendem Thrillerdrama das Leben und die Probleme der verdeckten Ermittler, genannt NARCs, näher beleuchtet. Nick Tellis agierte am Rande der Legalität und wurde selbst zum Junkie, erst nach einem harten Entzug kehrte er wieder in das normale Leben zurück. Doch mit dem neuen Auftrag droht er wieder abzurutschen und riskiert Familie, Job und Leben.
Jason Patric spielt diesen gebrochenen Mann eindringlich, aber findet im bulligen Ray Liotta (GOODFELLAS; IDENTITY) seinen Meister: Sein Henry Oak ist ein fürwahr beunruhigender Charakter. Völlig unberechenbar und beängstigend in seiner Aggressivität, schafft Liotta den gekonnten Spagat zwischen Psychopath und Opfer, zwischen Sympathie und Abscheu. Leider wurde er bei den Oscars 2003 völlig übergangen.

Joe Carnahan, Jahrgang 1969, hat eine beeindruckende Mischung aus Polizeithriller und menschlichem Drama geschaffen, welches ihm einige Türen in Hollywood öffnete. Sein geradliniges, schnörkelloses Drehbuch bietet den hervorragenden Mimen ausreichend Platz zur Entfaltung. Die düsteren, kontrastreichen Bilder von Kameramann Alex Neponmiaschy (SAFE) bilden eine perfekte Harmonie mit den elektronischen Klangwelten von Cliff Martinez (TRAFFIC; SOLARIS) und machen NARC zu einer intensiven Erfahrung, welcher der Weg in unsere heimischen Kinos mal wieder verwährt blieb.

Sein nächster Film ist übrigens eine Big Budget Mafiakomödie mit Ben Affleck, Andy Garcia, Alicia Keys, Peter Berg, Don Cheadle und Ray Liotta. Drehbuch: Joe Carnahan. Man darf gespannt sein.

MAREBITO, Japan 2004, Regie: Takashi Shimizu

2006-03-15T13:03:00.004+01:00

Kameramann Masuoka (Kultregisseur Shinya Tsukamoto), in seiner Paranoia besessen davon, alles mit seiner Videokamera zu filmen, entdeckt nach dem zufällig gefilmten Selbstmord eines Mannes in der U-Bahn den Zugang zu einem gigantischen Gängesystem unter der Stadt. Er gerät immer tiefer in diese fremde Welt und entdeckt schließlich eine nackte junge Frau, angekettet an einen Felsen. Masuoka befreit die Frau und nimmt sie zu sich mit...
Takashi Shimizu drehte zwischen DARK TALES OF JAPAN und dem amerikanischen Remake von seinem eigenen Horrorhit JU-ON diese kleine DV-Produktion und kehrte somit zu seinen Digital-Video Wurzeln, denen auch der Original JU-ON Zweiteiler entstammte, zurück.
Und auch hier erweist er sich als absoluter Meister des Mediums. Fast wie bei einer Pseudodokumentation à la BLAIR WITCH PROJECT bindet er das Medium Video geschickt in die Geschichte ein. Masuoka ist ein Videofreak im extremsten Sinne, seine Wohnung ist mit mehreren Kameras versehen und er filmt jeden seiner Schritte. Der Film springt geschickt zwischen dem, was Masuoka sieht und dem Betrachter hin und her und sorgt für einige nervenzerrende Momente.
Besonders die ominöse erste Hälfte des Films baut eine faszinierende Atmosphäre auf (die immer weitläufiger werdende unterirdische Welt, plötzlich auftauchende weisse Gestalten in der Dunkelheit, das verstörende Bild der angeketteten Frau). Masuokas Abstieg in das Labyrinth entwickelt einen "Sense Of Wonder", dem der etwas formelhaftere zweite Teil leider nicht ganz das Wasser reichen kann. Dennoch sorgen einige gute Handlungstwists auch hier für aufgerichtete Nackenhaare.
Interessant sind die Parallelen zum britischen Horror-Sleeper des letzten Jahres, THE DESCENT, von Neil Marshall. Hier ist es eine Gruppe von jungen Frauen, die sich auf einer Höhlenexpedition verirrt und zum Leidwesen aller erfahren muß, daß die Dunkelheit noch einige unangenehme Überraschungen parat hält...Auch hier huschen weisse, vampirähnliche Gestalten durch den Sucher der Digitalkamera und die Höhle, das System, wird zur Metapher für die zerbrechliche Psyche der Protagonisten.

Takashi Shimizus MAREBITO ist kein Nervenkiller wie der Original JU-ON, aber eine faszinierend exotische Mischung aus Fantasy, Horror und Psychodrama.
Ein Film, wie er nur aus Japan kommen kann!

SOLO FÜR KLARINETTE, Deutschland 1998, Regie: Nico Hoffmann

2006-03-15T11:11:00.003+01:00

Ein Mann wird brutal ermordet in seiner Wohnung aufgefunden. Kommissar Kominka (Götz George) ermittelt und kommt auf die Spur von Anna Weller (Corinna Harfouch), einer labilen Museumsangestellten. Kominka, am Ende seiner Ehe angelangt, verliebt sich in die zerbrechliche Frau und stürzt sich in eine leidenschaftliche Affäre, die seine Sichtweise der Dinge jedoch zu trüben droht....
SOLO FÜR KLARINETTE, der Titel bezieht sich auf die Mordwaffe, war neben LOLA RENNT (1998) einer der ersten Filme der New Wave des deutschen Kinos. Atmosphärisch, äußerst ästhetisch gefilmt und absolut hervorragend besetzt (in Nebenrollen tummeln sich unteranderem Barbara Auer, Katharina Thalbach und Barbara Rudnik) bewies Regisseur Nico Hoffmann, daß man in Deutschland außer billigen Komödien auch international verwertbare Filme produzieren kann.

Dabei handelt es sich um ein äußerst düsteres Werk: Das Berlin des Jahres 1998 wird in erdigen Grau- und Brauntönen wiedergegeben und die Wohnräume spiegeln das zerstörte Innenleben der Charaktere wieder (Harfouchs Wohnung wirkt trist; Georges kaltes Heim wird erst nach seinem Auszug von seiner Frau radikal umdekoriert). Teilweise fühlt man sich aufgrund der Düsterniss, des Regens und der ausgefeilten Cinemascope Kompositionen fast an David Finchers SEVEN (1995) erinnert, aber hier steht nicht der Thriller im Vordergrund.

SOLO FÜR KLARINETTE ist ein dunkles Drama, ein Film über zerstörte Existenzen. Jede Person ist instabil: Götz George ist von seinem Job besessen und hilflos gewalttätig (besonders beeindruckend in der Sequenz, als er sich kurz nach der Trennung von seiner Frau eine schäbige Prostituierte nimmt und diese fast vergewaltigt).
Corinna Harfouch, welche das absolute schauspielerische Highlight des Films darstellt, hat die Trennung von ihrem Mann nicht verkraftet und hangelt am Rande des Nervenzusammenbruchs entlang. Besonders der Moment in ihrer Küche, wo sie gerade Frühstück gemacht hat und George ihr Herz ausschütten möchte, aber er sich keine Zeit nimmt und einfach geht, ist einfach tief traurig.
Barbara Auer, Georges Film- Frau, leidet unter der wegbrechenden Ehe und den gewalttätigen Attacken ihres geistesgestörten Sohnes.
Katharina Thalbach ist der ewige Single und veranstaltet Kuppelparties.
Einzig Georges junger Kollege Tim Bergmann darf einer jungen Liebe zu einer Prostituierten (ironischerweise der einzige "unschuldige" Charakter des Films) frönen.

Jeder andere hätte aus dieser Story einen üblen BASIC INSTINCT Abklatsch fabriziert (das Story-Grundgerüst und einige gewagte Sex- und Gewaltszenen erinnern durchaus an Paul Verhoevens Femme Fatale-Epos), aber Nico Hoffmann, leider in letzter Zeit nur als Produzent von Fernsehevents wie DRESDEN, DIE STURMFLUT oder DIE LUFTBRÜCKE in Erscheinung getreten, interessiert sich für die Psyche seiner Charaktere und liefert packendes Erzählkino.

Leider floppte der Film trotz guter Kritiken, aber verdient eine Wiederentdeckung auf DVD!
Thumbs Up!!